“Creio no riso e nas lágrimas como antídotos contra o ódio e o terror”. Charles Chaplin
Os filmes de arte surgiram na
França, em 1908, por iniciativa do empresário Paul Laffitte (1864-1949), que
fundou a Le Film d`Art com a intenção de levar os intelectuais ao
cinema. Para isso, a empresa realizou versões cinematográficas de obras
literárias de autores famosos, como Charles Baudelaire, Émile Zola, Victor
Hugo, Gustave Flaubert, Honoré de Balzac, Molière e outros. Louis Feuillade,
diretor do estúdio Gaumont, se opõe a esse tipo de intelectualismo e leva seu
estúdio a produzir cerca de 80 filmes por ano em todos os gêneros, incluindo
comédias, dramas do cotidiano, épicos e melodramas, mas foram seus filmes
seriados sobre crimes que o levaram à fama na França e nos Estados Unidos.
Filme de arte é um termo que comumente se refere a produções cinematográficas
quase que tipicamente “independentes” e voltadas a um nicho condicionado de
mercado. Em oposição a obras de caráter hollywoodiano, que são direcionadas ao
grande público de mercado, o “filme de arte” é pretendido ser um trabalho
sério, artístico, muitas vezes experimental e não projetado para o apelo de
massa, feito principalmente por razões estéticas em vez de lucro comercial, e
contém conteúdo não convencional ou altamente simbólico. O termo é usado na
América do Norte, Reino Unido e Austrália, comparado ao resto da Europa, onde
está mais associado a filmes autorais e ipso facto, ao cinema nacional.
Suspense, para o que nos interessa, representa um sentimento de incerteza ou
ansiedade mediante as consequências de determinado fato social, mais
frequentemente referente à perceptividade da audiência em um trabalho de teor dramático.
Não é, porém, uma exclusividade da
ficção, pode ocorrer em qualquer situação onde há a possibilidade de um grande
evento ou um momento dramático, com a tensão como emoção primária mediante a
situação. Em uma definição mais ampla do suspense, tal emoção surge quando
alguém está preocupado com sua falta de conhecimento sobre o desenvolvimento de
um evento significativo; assim o suspense seria, então, a combinação da
antecipação com a lide da incerteza e obscuridade do porvir. Toda ideia de
suspense ou, mais precisamente, narrativa tensional, não tem boa reputação no
campo da literatura tradicional, considerada por alguns como um aspecto social dinâmico
do roteiro. Meir Sternberg, em uma visão retórica-funcionalista, considera o
suspense como um dos vários componentes de interesse da narração. De acordo com
ele, a narração pode ser definida como a interação entre
suspense/curiosidade/surpresa e o tempo abstrato de comunicação per se em
qualquer combinação, qualquer meio, qualquer manifesto ou forma latente. Nas
mesmas linhas funcionais, ele define a narrativa como um discurso onde essa
interação domina: a narratividade, então, ascende de um possível detalhe ou
papel secundário, ao status de princípio regulador, o primeiro entre as
prioridades de contar/ler. Nessa concepção, suspense pode ser o oposto de
curiosidade, porque precisa de uma narração cronológica. o interesse estando na
obscuridade do futuro, enquanto o segundo cria mistério modificando a ordem de
exposição dos eventos, numa teleologia da narração.
Vaudeville representou
um gênero de entretenimento de variedades culturais predominante nos Estados
Unidos da América e Canadá do início dos anos 1880 ao início dos anos 1930.
Desenvolvendo-se a partir de muitas fontes, incluindo salas de concerto, apresentações
de cantores populares, “circos de horror”, museus populares e literatura
burlesca, o vaudeville tornou-se um dos mais populares tipos de empreendimento
e também entretenimento teatral dos Estados Unidos. A cada noite, uma série de
números era levada ao palco, sem nenhuma relação direta entre eles, como
músicos tanto clássicos quanto populares, dançarinas ou dançarinos,
comediantes, animais variados treinados, mágicos, imitadores de ambos os sexos,
acrobatas, peças inteiras em um único ato ou cenas de peças, atletas, palestras
dadas por celebridades, cantores de rua e também filmes o que seria
representaria um circo. Na França, o vaudeville foi um gênero de poesia e
composição dramática muito popular. O uso de drama em um sentido mais restrito
para designar um tipo específico de peça data da Era Moderna. Drama, neste
sentido, refere-se qualitativamente a uma peça tetral que não é comédia nem tragédia, como Thérèse
Raquin (1873) de Émile Zola ou Ivanov (1887) de Chekhov. É esse sentido que as
indústrias cinematográficas in statu nascendi e televisiva, juntamente com a
filmologia, adotaram para descrever o drama como um gênero dentro de suas
respectivas mídias. O termo drama radiofônico tem sido usado em ambos os
sentidos, originalmente transmitido em uma apresentação ao vivo.
Também pode ser com utilidade
de uso (cf. Marx, 2013) para se referir ao final mais intelectual e sério
da produção dramática do rádio. A encenação do drama no teatro, realizada por
atores em um palco diante de uma plateia, pressupõe modos de produção
colaborativos e uma forma coletiva de recepção. A estrutura dos textos
dramáticos, ao contrário de outras formas de literatura, é diretamente
influenciada por essa produção colaborativa e recepção coletiva. A mímica é uma
forma de drama onde a ação de uma história é contada apenas através do
movimento corporal. O drama pode ser combinado com a música: o texto dramático
na ópera é geralmente cantado; como em alguns balés, a dança “expressa ou imita
emoção, caráter e ação narrativa”. Os musicais incluem diálogos falados e
canções; e algumas formas específicas de drama têm música incidental ou
acompanhamento musical enfatizando o diálogo como ocorre historicamente no
melodrama e japonês Noh, por exemplo. É uma palavra sino-japonesa para habilidade
é uma importante forma de dança-drama clássica japonesa, apresentada desde o
século XIV. É a mais antiga arte teatral importante do Japão ainda encenada
regularmente. É frequentemente baseado em contos da literatura tradicional,
apresentando um ser sobrenatural transformado em um herói humano que narra a
história.
O Noh integra máscaras,
figurinos e diversos adereços em uma performance baseada na dança, exigindo
atores e músicos altamente treinados. As emoções são transmitidas
principalmente por gestos convencionais estilizados, enquanto as máscaras
icônicas representam papéis específicos, como fantasmas, mulheres, divindades e
demônios. Com forte ênfase na tradição em vez da inovação, o Noh é altamente
codificado e regulamentado pelo sistema iemoto. Embora os termos Noh e nōgaku
sejam às vezes usados como sinônimos, nōgaku engloba tanto o Noh quanto o
kyōgen . Tradicionalmente, um programa completo de nōgaku incluía várias peças
de Noh com peças cômicas de kyōgen entre elas; um programa abreviado com duas
peças de Noh e uma de kyōgen tornou-se comum. O kanji para Noh significa “habilidade”,
“arte” ou “talento”, particularmente no campo das artes cênicas neste contexto.
A palavra Noh pode ser usada sozinha ou com gaku entretenimento, música) para
formar a palavra nōgaku. Noh é uma tradição clássica muito valorizada
atualmente. Quando usado sozinho, Noh se refere ao gênero histórico de teatro
que se originou do sarugaku em meados do século XIV e continua a ser
apresentado. Um dos precursores mais antigos do Noh e do kyōgen é o sangaku,
que foi introduzido no Japão vindo da China no século VIII.
Vários elementos de artes cênicas no sangaku, bem como elementos do dengaku (celebrações rurais realizadas em conexão com o plantio de arroz), sarugaku (entretenimento popular incluindo acrobacias, malabarismo e pantomima), shirabyōshi (danças tradicionais realizadas por dançarinas na Corte Imperial no século XII), gagaku (música e dança realizadas na Corte Imperial a partir do século VII) e kagura (danças xintoístas antigas em contos populares) evoluíram para o Noh e o kyōgen. Estudos sobre a genealogia dos atores de Noh no século XIV indicam que eles eram membros de famílias especializadas em artes cênicas. Segundo a lenda, a Escola Konparu, considerada a tradição mais antiga do Noh, foi fundada por Hata no Kawakatsu no século VI. No entanto, o fundador da Escola Konparu, amplamente aceito entre os historiadores, foi Bishaō Gon no Kami (Komparu Gonnokami) durante o período Nanboku-chō, no século XIV. De acordo com a árvore genealógica da Escola Konparu, Bishaō Gon no Kami é um descendente após 53 gerações de Hata no Kawakatsu. A Escola Konparu descendia da trupe sarugaku, que desempenhou papéis ativos em Kasuga-taisha e Kofuku-ji, na província de Yamato.
Outra teoria, de Shinhachirō Matsumoto, sugere que o Noh se originou de párias que lutavam para reivindicar um status social mais elevado, servindo aos poderosos, ou seja, à nova classe samurai dominante da época. A transferência do xogunato de Kamakura para Kyoto no início do período Muromachi marcou o crescente poder da classe samurai e fortaleceu a relação entre o xogunato e a corte. Como o Noh se tornou a forma de arte favorita do xogum, ele pôde se tornar uma forma de arte cortesã por meio dessa relação recém-formada. No século XIV, com forte apoio e patrocínio do xogum Ashikaga Yoshimitsu, Zeami conseguiu estabelecer o Noh como a forma de arte teatral mais proeminente. Annette Marie Sarah Kellerman nasceu em Marrickville, em 6 de julho de 1886 e faleceu em Southport, em 5 de novembro de 1975. Foi uma nadadora e mergulhadora campeã australiana profissional, atriz de cinema e vaudeville, escritora e empresária. Uma pioneira na utilização do fato de banho de uma peça só e criação do maiô até hoje é atribuída a ela. Annette também foi a primeira australiana a atuar em um filme mudo nos Estados Unidos. Filha do violinista Frederick William Kellerman e sua esposa Francesca Alice Ellen Charbonnet, professora de música e piano, Annette foi diagnosticada com raquitismo aos 6 anos o que exigiu o uso doloroso de cintas de aço para poder andar. A fim de continuar o tratamento, seus pais colocaram-na em aulas de natação para fortalecer suas pernas, em Sydney. Com a idade de 13 anos, suas pernas estavam praticamente normais, e com 15, ela já havia dominado todos os segredos da natação. Nesta idade também ganhou sua primeira prova. Nessa época, ela também estava competindo em provas de saltos ornamentais. Em 1902, Kellerman decidiu levar entrar para a natação profissional e posteriormente, ganhou as provas de 100 jardas e a milha de Nova Gales do Sul no tempo recorde de 1minuto, 22 segundos, e de 33 minutos, 49 segundos.
Em
24 de agosto de 1905, com 18 anos, Annette Kellerman se mudou para Londres e
foi a primeira mulher a tentar atravessar a nado o Canal da Mancha. Apesar de
não ter conseguido tal feito, Annette foi noticiada por sua ousadia não só na
travessia, mas também em sua roupa de natação que, assim como as masculinas,
deixavam as pernas à mostra. Kellerman ficou famosa por defender os
direitos de as mulheres usarem maiôs de uma peça, o que não era aceito na época
de extremo conservadorismo. De acordo com um jornal australiano: “No início de
1900, as mulheres usavam pesadas combinações e calças quando nadavam. Em 1907,
no auge da popularidade, Kellerman foi presa em Revere Beach,
Massachusetts, por atentado ao pudor por usar um de seus maiôs de uma peça. A
popularidade de seus maiôs resultou na sua criação própria marca com uma
linha de roupa de banho específico para mulheres. Os maiôs “Annette Kellermans”,
como eram reconhecidos, foram o primeiro passo para as roupas de banho
femininas modernas. Em 1912, Kellerman casou-se com seu empresário, James
Raymond Louis Sullivan, em Danbury, Connecticut. Depois de sua tentativa de
atravessar o Canal, Annette ganhou a corrida de 7 milhas “Nado em Paris Através
do Sena”, derrotando 16 homens. O evento contou com meio milhão de
espectadores, a maior audiência já vista em uma corrida de natação. Annette
também desafiou e venceu Walpurga von Isacescu, a mais conhecida nadadora
austríaca, em uma corrida de 22 milhas no Danúbio de Tuin até Viena.
Quando sua carreira no cinema começou a acabar, ela se torna dona de uma loja de alimentação natural em Long Beach, Califórnia. Ela e seu marido voltaram a morar na Austrália em 1970, e em 1974, foi homenageada pelo International Swimming Hall of Fame em Fort Lauderdale, Flórida. Ela permaneceu ativa até uma idade avançada, continuando a nadar e a fazer exercícios até pouco tempo antes de sua morte. Ela morreu em um hospital em Southport, Queensland, Austrália, em 5 de novembro de 1975, aos 89 anos e foi cremada seguindo ritos católicos. Suas cinzas foram espalhadas na Grande Barreira de Corais. Ela não deixou filhos. Em 1916, Kellerman foi a primeira australiana a atuar em Hollywood e também foi a primeira grande atriz a fazer uma cena de nudez, quando ela apareceu no filme A Daughter of the Gods. Realizado pela Fox Film Corporation. Este também foi o primeiro filme com uma produção envolvendo merceologicamente de milhões de dólares. A maioria dos filmes de Kellerman tinham temas de aventuras aquáticas devido a suas capacidades extraordinárias de mergulho e natação. Disciplinada ela era seu próprio dublê, realizando cenas perigosas, incluindo um mergulho de 28 metros no mar e 18 metros em uma piscina de crocodilos.
Muitas vezes ela representava sereias que recebiam seu nome próprio ou variações dele. Seus “filmes de conto de fadas”, como ela chamava, começaram com The Mermaid, no qual ela foi a primeira atriz a vestir um traje de sereia que lhe permitisse nadar no filme, abrindo o caminho para outras atrizes nadadoras que estrelaram em filmes com este tema em Hollywood, como Glynis Johns e Esther Williams. Ela também desenvolveu seus próprios trajes de natação de sereia e, por vezes ela mesmo os fabricava. Depois de 5 filmes, Annette retornou ao Hipódromo de Nova Iorque com “o maior espetáculo de sereia já visto no palco”. Sua vida é retratada nas telas e interpretada por Esther Williams no filme Million Dollar Mermaid (1952). Kellerman participou em um dos últimos filmes feitos em Prizma Color, Venus of the South Seas, uma coprodução EUA/Nova Zelândia, onde um trecho do filme colorido de 55 minutos, foi filmado embaixo d`água. O filme Venus of the South Seas foi restaurado pela Biblioteca do Congresso estadunidense em 2004 e é o único longa-metragem estrelado por Annette Kellerman que existe em sua forma completa. Além dos filmes e a carreira no teatro, Kellerman escreveu vários livros incluindo, How To Swim (1918), Physical Beauty: How to Keep It (1919), e um livro de histórias infantis Fairy Tales of the South Seas (1926) e My Story, uma autobiografia não publicada. Ela também escreveu numerosos folhetos para correspondência sobre saúde, beleza e fitness.
Em 2016, Pénélope
Bagieu desenhou a sua biografia que foi publicada com outras mulheres no livro Les
Culottées, publicado em Portugal com o título Destemidas, nome que
também foi dado à série de animação transmitida pela RTP, Rádio e Televisão de Portugal (RTP).
MHIH é uma empresa pública portuguesa que inclui estações de rádio e televisão
públicas. Antes do ano de 2004, a Radiodifusão Portuguesa (RDP) e a
Radiotelevisão Portuguesa (RTP), empresas públicas de rádio e televisão
respetivamente, estavam separadas e eram entidades jurídicas independentes e
distintas. Em 2004, foram reestruturadas e fundidas numa única empresa pública,
prestadora do serviço público, a Rádio e Televisão de Portugal. Desde então, a
sigla RTP passou a designar o grupo inteiro de Rádio e Televisão de Portugal. Kellerman
deixou uma extensa filmografia, além de sua grande coleção de roupas de natação
e material teatral como herança para o Sydney Opera House. Atualmente, grande
parte de suas peças de natação originais e itens pessoais estão no museu do
Powerhouse Museum em Sydney, Austrália. Em 2002, sua vida é tema do
documentário australiano premiado chamado The Original Mermaid. Em 2010,
um complexo de natação em Marrickville recebeu o seu nome. Annette também tem
uma estrela com seu nome na Calçada da Fama, em Hollywood Boulevard, é
uma calçada ao longo das ruas Hollywood Boulevard e Vine Street em Hollywood,
Califórnia, Estados Unidos da América, constituído por mais de 2 000 lajes com
estrelas, fazendo menção a celebridades honradas pela Câmara do Comércio
de Hollywood pelas suas contribuições para a indústria do entretenimento. Gene
Autry e Britney Spears são exemplos destacados na Calçada da Fama: ele por ser
a única pessoa com estrelas em todas as cinco categorias e ela por ser a pessoa
mais jovem a receber uma, com apenas 21 anos.
Annette Kellerman é
considerada a primeira estrela - masculina ou feminina - a aparecer nua em uma
grande produção de Hollywood. O drama A Daughter of the Gods (“Uma Filha
dos Deuses”) teve a atriz no papel de Alícia, uma mulher que se apaixona por um
príncipe e pede ajuda dos habitantes da Terra dos Gnomos. O elenco do filme
mudo incluiu um sultão, uma Bruxa do Mal, uma Fada do Bem, e diversos eunucos.
Acredita-se que não existam mais cópias da produção, mas os arquivos dos
jornais demonstram que houve grande interesse. Quando A Daugther of the Gods
estreou na Austrália, o país natal de Kellerman, uma revista local exaltou o
filme ao dizer que aqueles que não o viram “tinham perdido um dos maiores
eventos na história” australiana. Mas se foi inédito para a Hollywood, o filme
foi apenas um de uma série de eventos notáveis na vida de Kellerman. Campeã de
natação, pioneira do teatro vaudeville, estilista de trajes de banho, dublê e guru
de saúde e boa forma. – “Ela simbolizava o corpo feminino em forma, ativo e
espetacular. Ela conclamou outras mulheres a jogar fora seus corpetes e
investir numa vida saudável”, diz Angela Woolacott, historiadora da
Universidade Nacional da Austrália. “Algumas pessoas a viram como um ícone da
feminilidade moderna”. Um filme mudo não possui a trilha sonora de
acompanhamento que corresponde às imagens exibidas, sendo esta lacuna
substituída normalmente por músicas ou rudimentares efeitos sonoros executados
no momento da exibição.
Nos filmes mudos para o entretenimento, o diálogo é transmitido através de gestos suaves, mímica e letreiros explicativos. A ideia de combinar filmes com sons gravados é quase tão antiga quanto o próprio cinema, mas antes do fim dos anos 1920, os filmes eram mudos em sua maior parte, devido à inexistência de tecnologia para tornar isso possível. Os anos anteriores à chegada do som ao cinema são reconhecidos como a chamada “era muda”, ou, a chamada “era silenciosa” entre os estudiosos do tema e historiadores. Considera-se que a arte cinematográfica atingiu a maturidade plena antes da substituição dos filmes mudos para a passagem de “filmes sonoros” e alguns cinéfilos defendem que a qualidade dos filmes baixou durante alguns anos, até que o novo meio sonoro estivesse totalmente adaptado ao cinema. A qualidade visual e perceptível dos filmes mudos - especialmente aqueles produzidos na década de 1920 - muitas vezes foi alta. No entanto, há um equívoco extensamente divulgado sobre esses filmes serem “primitivos” e mal interpretados para os padrões modernos. Este equívoco resulta de filmes mudos sendo reproduzidos na “velocidade errada” e em “estado deteriorado”. Muitos desses filmes mudos existem apenas em cópias de segunda ou terceira geração.
O épico de três horas e
meia de duração apresenta quatro linhas narrativas emaranhadas de um período de
2 500 anos: a) um melodrama contemporâneo sobre crime e redenção; b) uma
história bíblico-galileia, elevando a missão de Jesus e a dimensão da morte; c)
uma história renascentista francesa com eventos antecedendo o Massacre da Noite
de São Bartolomeu em 1572; d) uma história babilônica com destaque para a queda
do Império perante os Persas em 539 a. C., na batalha de Opis, no rio Tigre,
localizado a cerca de 80 km ao Norte da moderna Bagdá. As cenas são ligadas por
imagens de uma mulher balançando um berço, representando a ideia da cristandade
do “crescei-vos e multiplicai-vos enchei e dominai a terra” (Gen. 1, 28), da
maternidade eterna. Ipso facto, o filme Intolerância foi realizado parcialmente
em resposta às críticas ao filme de D. W. Griffith, The Birth of a Nation.
A quantidade exata do investimento pelo filme é quase desconhecida. Mas
estima-se que tenha sido gasto cerca de 2,5 milhões de dólares, uma soma sem
precedentes em seu tempo para investimento. Mesmo assim, o filme não foi bem
recebido pelas jovens plateias, e “é considerado o primeiro grande fracasso do
cinema”. A Triangle Studios, foi à falência e Griffith ficou endividado por
anos.
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Invisible Maravilla”. In: El Diário Madrid, 11 de março de 2026; entre
outros.
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