Estrela Brilhante – Literatura & Soneto de Partida Cinematográfico.

                                                                       “Bright star, would I were stedfast as thou art”. John Keats (1795-1821)   

           

        A literatura vitoriana tem como representação social a literatura inglesa durante o reinado da Rainha Vitória (1837–1901). O século XIX é considerado por alguns a Era de Ouro da literatura inglesa, especialmente para os romances britânicos. Nela, o romance se tornou o principal gênero literário em inglês. A escrita inglesa reflete as principais transformações na maioria dos aspectos da vida inglesa, desde avanços científicos, econômicos e tecnológicos às mudanças nas estruturas de classe e no papel da religião na sociedade. O número de novos romances publicados a cada ano aumentou de 100 no início do período para 1000. Romancistas famosos desse período incluem Charles Dickens, William Makepeace Thackeray, as três irmãs Brontë, Elizabeth Gaskell, George Eliot (Mary Ann Evans), Thomas Hardy e Rudyard Kipling. O período romântico é uma época de expressão abstrata e escopo interno; durante a era vitoriana, os escritores se concentraram em questões sociais. Escritores como Thomas Carlyle chamaram a atenção para os efeitos desumanizadores da Revolução Industrial e o que Carlyle chamou de Era Mecânica. Essa consciência inspirou o assunto de outros autores, como a poetisa Elizabeth Barrett Browning e os romancistas Charles Dickens e Thomas Hardy. As obras de Barrett sobre trabalho infantil consolidaram seu sucesso em um mundo dominado por homens, onde as escritoras frequentemente tinham que usar pseudônimos masculinos.

Dickens empregou humor e um tom acessível ao abordar problemas sociais como disparidade de riqueza. Hardy usou seus romances para analisar religião e as estruturas sociais. Poesia e teatro estavam presentes durante a era vitoriana. Robert Browning e Alfred Tennyson foram os poetas mais famosos da Inglaterra vitoriana. Com relação ao teatro, foi nas últimas décadas do século XIX que obras significativas foram produzidas. Dramaturgos notáveis da época incluem Gilbert e Sullivan, George Bernard Shaw e Oscar Wilde. Dickens se tornou extraordinariamente popular e continua sendo um dos autores mais populares e lidos do mundo. Dickens começou sua carreira literária com Sketches by Boz (1833–1836), que coletou contos publicados em vários jornais e outros periódicos. Seu primeiro romance, The Pickwick Papers (1836–1837), escrito quando ele tinha vinte e cinco anos, foi um sucesso instantâneo, e todas as suas obras subsequentes venderam extremamente bem. A comédia de seu primeiro romance tem um toque satírico e permeia sua escrita. Enquanto no início do século XIX a maioria dos romances era publicada em três volumes, a serialização mensal foi revivida com a publicação de Pickwick Papers de Charles Dickens em vinte partes entre abril de 1836 e novembro de 1837. 

A demanda era alta para que cada episódio introduzisse algum novo elemento, fosse uma reviravolta na trama ou um novo personagem, de modo a manter o interesse dos leitores. Dickens trabalhou diligentemente e prolificamente para produzir a escrita divertida que o público queria, mas também para oferecer comentários sobre problemas sociais e a situação dos pobres e oprimidos. Seus romances posteriores se tornam progressivamente mais sombrios, refletindo uma tendência presente em grande parte da literatura vitoriana.  William Makepeace Thackeray foi o grande rival de Dickens na primeira metade do reinado da Rainha Vitória. Com um estilo semelhante, mas uma visão satírica um pouco mais distanciada, ácida e farpada de seus personagens, ele também tendia a retratar uma sociedade mais de classe média do que Dickens. Ele é mais conhecido por seus romances As Memórias de Barry Lyndon (1844) e Vanity Fair (1847–1848), que são exemplos da forma popular na literatura vitoriana: um romance histórico no qual a história recente é retratada. Charlotte, Emily e Anne Brontë produziram obras notáveis, embora estas não tenham sido imediatamente apreciadas pelos críticos vitorianos. Wuthering Heights (1847), a única obra de Emily, um exemplo de romantismo gótico do ponto de vista de uma mulher, que examina classe, mito e gênero. Jane Eyre (1847), de sua irmã Charlotte, é outro grande romance vitoriano com temas góticos.                                    

O segundo romance de Anne, The Tenant of Wildfell Hall (1848), escrito em um estilo realista em vez de romântico, é considerado principalmente o primeiro romance feminista sustentado. Elizabeth Gaskell produziu obras notáveis durante este período, incluindo Mary Barton (1848), Cranford (1851–1853), Norte e Sul (1854–1855) e Wives and Daughters (1864–1866). George Eliot (Mary Ann Evans) também produziu grandes obras durante esse período, mais notavelmente Adam Bede (1859), The Mill on the Floss (1860), Silas Marner (1861), Middlemarch (1871–1872) e Daniel Deronda (1876). Como as Brontës, ela publicou sob um pseudônimo masculino. Neste período, os romances mais conhecidos de Thomas Hardy são Far from the Madding Crowd (1874), The Mayor of Casterbridge (1886), Tess dos d`Urbervilles (1891) e Jude the Obscure (1895). Reconhecido por seu retrato cínico, porém idílico, da vida pastoral  a obra de Hardy resistiu à urbanização que veio a simbolizar a era vitoriana. Outros romancistas importantes foram Anthony Trollope (1815–1882), Wilkie Collins (1824-1889), George Meredith (1828–1909) e George Gissing (1857–1903).

            Estrela Brilhante (Bright Star) em como representação social um filme biográfico de drama romântico de 2009, escrito e dirigido por Dame Elizabeth Jane Campion DNZM, nascida em 30 de abril de 1954, é uma cineasta neozelandesa. Mais reconhecida por seus filmes com temas de rebeldia e frequentemente centrados em mulheres em papéis principais marginalizadas na sociedade, Campion é considerada uma das cineastas mais proeminentes do cinema feminino. A estreia de Campion na direção foi com o filme Sweetie (1989) e estrelado por Genevieve Lemon, Karen Colston, Tom Lycos e Jon Darling.  Ela é prestigiada por escrever e dirigir os aclamados filmes O Piano (1993) e O Poder do Cão (2021); seus outros filmes incluem Um Anjo à Minha Mesa (1990), Retrato de Uma Senhora (1996), Holy Smoke! (1998) e Bright Star (2009). Ela foi cocriadora da série de televisão Top of the Lake (2013) e sua sequência, China Girl (2017). Entre suas conquistas, destacam- se dois Oscars, dois prêmios BAFTA, dois Globos de Ouro, duas Palmas de Ouro, tanto para longa-metragem quanto para curta-metragem, um Leão de Prata e um prêmio do Sindicato dos Diretores da América (DGA), além de três indicações ao Emmy. Campion foi nomeada Dama Companheira da Ordem do Mérito da Nova Zelândia (DNZM) nas Honras de Ano Novo de 2016, por serviços prestados ao cinema.

        Dame Campion nasceu em Wellington, Nova Zelândia, a segunda filha de Edith Campion (nascida Beverley Georgette Hannah), atriz, escritora e herdeira; e Richard M. Campion, professor e diretor de teatro e ópera. Seu bisavô materno era Robert Hannah, um conhecido fabricante de calçados, fundador da Hannahs Shoe Companies, para quem a Antrim House foi construída. Seu pai vinha de uma família que pertencia à seita cristã fundamentalista Exclusive Brethren. Ela freqüentou o Queen Margaret College e o Wellington Girls` College. Junto com sua irmã, Anna, um ano e meio mais velha, e seu irmão, Michael, sete anos mais novo, Campion cresceu no mundo do teatro neozelandês. Seus pais fundaram a New Zealand Players. Campion inicialmente rejeitou a ideia de uma carreira nas artes dramáticas e, ao invés disso, formou-se em Antropologia pela Universidade Victoria de Wellington em 1975. Em 1976, matriculou-se na Chelsea Art School em Londres e viajou por boa parte da Europa. Obteve um diploma de pós-graduação em artes visuais (pintura) pela Sydney College of the Arts da Universidade de Sydney em 1981. O trabalho cinematográfico posterior de Campion foi moldado em parte por sua educação na escola de arte; mesmo em sua carreira madura, ela citou a pintora Frida Kahlo e o escultor Joseph Beuys como influências. A insatisfação de Campion com as limitações da pintura levou-a ao cinema e à criação do seu primeiro curta-metragem, Tissues, em 1980. Em 1981, começou a estudar na Escola Australiana de Cinema, Televisão e Rádio, onde fez vários outros curtas-metragens e graduou-se em 1984.

           John Keats (1795-1821) representou um poeta inglês da segunda geração de poetas românticos, juntamente com Lord Byron (1788-1824) e Percy Bysshe Shelley (1792-1822). Seus poemas estavam em publicação havia menos de quatro anos quando ele morreu de tuberculose aos 25 anos. Eles foram recebidos com indiferença em vida, mas sua fama cresceu rapidamente após sua morte. No final do século, ele foi colocado no cânone da literatura inglesa, influenciando fortemente muitos escritores da Irmandade Pré-Rafaelita; a Enciclopédia Britânica de 1888 descreveu sua “Ode a um Rouxinol” como “uma das obras-primas finais”. Keats possuía um estilo literário “carregado de sensualidade”, notadamente na série de odes. Como era ideal típico dos românticos, ele acentuava emoções extremas através de imagens da natureza. Seus poemas e cartas permanecem entre os mais populares e analisados ​​da literatura inglesa – em particular “Ode a um Rouxinol”, “Ode a uma Urna Grega”, “Sono e Poesia” e o soneto “Ao Ler pela Primeira Vez o Homero de Chapman”. Jorge Luis Borges descreveu sua primeira leitura de Keats que o acompanhou por toda a vida. No final da era vitoriana, os poemas medievalistas como “La Belle Dame sans Merci” e “The Eve of St. Agnes”, exerceram grande influência sobre o movimento pré-rafaelita, inspirando poetas extraordinários tais como Algernon Charles Swinburne (1837-1909), Dante Gabriel Rossetti (1828-1882) e William Morris (1834-1896).                        

            John Keats nasceu em Moorgate, Londres, em 31 de outubro de 1795, filho de Thomas e Frances Keats (nascida Jennings). Há poucas evidências sobre seu local de nascimento exato. Embora Keats e sua família pareçam ter comemorado seu aniversário em 29 de outubro, os registros de batismo indicam a data como sendo o dia 31. Ele era o mais velho de quatro filhos sobreviventes; seus irmãos mais novos eram George (1797–1841), Thomas (1799–1818) e Frances Mary “Fanny” (1803–1889). Outro filho morreu na infância. Seu pai trabalhou inicialmente como tratador de cavalos nos estábulos anexos à estalagem Swan and Hoop, propriedade de seu sogro, John Jennings, um estabelecimento que ele mais tarde administrou e onde a família, em crescimento, viveu por alguns anos. Keats acreditava ter nascido na estalagem, um local de nascimento de origens humildes, mas não há evidências que corroborem essa afirmação. O pub Globe ocupa atualmente o local, a poucos metros da moderna estação de Moorgate. Keats foi batizado em St Botolph-without-Bishopsgate e enviado para uma escola primária local quando criança. Seus pais desejavam enviar seus filhos para Eton ou Harrow, mas a família decidiu que não podia arcar com as mensalidades. No verão de 1803, John foi enviado para estudar no internato da escola de John Clarke em Enfield, perto da casa de seus avós. A pequena escola tinha uma visão liberal e um currículo progressista mais moderno comparativamente do que as escolas maiores e mais prestigiosas.

Na atmosfera familiar de Clarke, Keats desenvolveu um interesse por clássicos e história, que o acompanharia por toda a sua curta vida. O filho do diretor, Charles Cowden Clarke, também se tornou um importante mentor e amigo, apresentando Keats à literatura renascentista, incluindo Tasso, Spenser e as traduções de Chapman. O jovem Keats foi descrito por seu amigo Edward Holmes como um personagem volátil, “sempre em extremos”, dado à indolência e às brigas. Aos 13 anos, ele começou a concentrar sua energia na leitura e no estudo, ganhando seu primeiro prêmio acadêmico em meados do verão de 1809. Em abril de 1804, quando Keats tinha oito anos, seu pai morreu de uma fratura no crânio após cair do cavalo quando voltava de uma visita a Keats e seu irmão George na escola. Thomas Keats morreu sem deixar testamento. Frances casou-se novamente dois meses depois, mas deixou o novo marido pouco tempo depois, e os quatro filhos foram morar com a avó, Alice Jennings, na vila de Edmonton. Em março de 1810, quando Keats tinha 14 anos, sua mãe morreu de tuberculose, deixando as crianças sob a guarda da avó. Ela nomeou dois tutores, Richard Abbey e John Sandell, para elas. Naquele outono, Keats deixou a escola de Clarke para ser aprendiz de Thomas Hammond, um cirurgião e boticário que era vizinho e médico da família Jennings. Keats morou no sótão acima do consultório, no número 7 da Church Street, até 1813.

Charles Cowden Clarke (1787-1877), um autor inglês mais conhecido por seus livros sobre Shakespeare que permaneceu próximo de Keats, chamou esse período de “o momento mais plácido da vida de Keats”. A partir de 1814, Keats recebeu dois legados, mantidos em fideicomisso para ele até seu 21º aniversário. £800 foram legadas por seu avô, John Jennings (1687 – 1723). Além disso, a mãe de Keats deixou um legado de £8.000 para ser dividido igualmente entre seus filhos vivos. Parece que ele não foi informado sobre as £800 e provavelmente não sabia de nada a respeito, pois nunca as solicitou. Historicamente, a culpa tem sido frequentemente atribuída a Abbey como tutor legal, mas ele também pode não ter tido conhecimento disso. William Walton, advogado da mãe e da avó de Keats, certamente sabia e tinha o dever de transmitir a informação a Keats. Parece que ele não o fez, embora isso tivesse feito uma diferença crucial nas expectativas do poeta. Dinheiro sempre foi uma grande preocupação e dificuldade, pois ele lutava para se manter livre de dívidas e trilhar seu próprio caminho no mundo de forma independente. Metodologicamente, em outubro de 1815, após concluir seu aprendizado de cinco anos com Hammond, Keats matriculou-se como estudante de medicina no Guy`s Hospital, agora parte do King`s College London, e começou a estudar lá. Em um mês, ele foi aceito como auxiliar no hospital, ajudando os cirurgiões durante as operações, o equivalente a um cirurgião residente júnior.

Foi uma promoção significativa, que marcou uma aptidão distinta para a medicina; e trouxe maior responsabilidade e uma carga de trabalho mais pesada. O longo e dispendioso treinamento médico de Keats com Hammond e no Guy`s Hospital levou sua família a presumir que ele seguiria uma carreira vitalícia na medicina, garantindo segurança financeira, e parece que, neste ponto, Keats tinha um desejo genuíno de se tornar médico. Ele se hospedou perto do hospital, no número 28 da St Thomas`s Street em Southwark, com outros estudantes de medicina, incluindo Henry Stephens, que ficou famoso como inventor e magnata da tinta. O treinamento de Keats passou a ocupar cada vez mais o seu tempo de escrita, e ele tornou-se cada vez mais ambivalente em relação a isso. Ele sentia que estava diante de uma escolha difícil. Ele havia escrito seu primeiro poema reconhecido, “Uma Imitação de Spenser”, em 1814, quando tinha 19 anos. Agora, fortemente atraído pela ambição, inspirado por outros poetas como Leigh Hunt e Lord Byron, e assolado por crises financeiras familiares, ele sofreu períodos de depressão. Seu irmão George escreveu que John “temia que nunca fosse poeta, e se não fosse, se destruiria”. Em 1816, Keats recebeu sua licença de boticário, que o tornava elegível para exercer as profissões de boticário, médico e cirurgião, mas antes do final do ano ele informou ao seu tutor que havia decidido ser poeta, não cirurgião.

      Estrela Brilhante é baseado nos últimos três anos da vida do poeta John Keats (interpretado por Ben Whishaw) e em seu relacionamento romântico com Fanny Brawne (Abbie Cornish). O roteiro de Campion foi inspirado em uma biografia de Keats de 1997 escrita por Andrew Motion, que atuou como consultor de roteiro. Bright Star participou da competição principal do Festival de Cannes de 2009 e foi exibido ao público pela primeira vez em 15 de maio de 2009. O título do filme é uma referência a um soneto de Keats intitulado: “Bright star, would I were stedfast as thou art”, que ele escreveu enquanto estava com Brawne. Em 1818, em Hampstead, a elegante Fanny Brawne é apresentada ao poeta John Keats pela família Dilke. Os Dilke ocupam metade da casa geminada, e Charles Brown ocupa a outra metade. Brown é amigo, colega de quarto e parceiro de escrita de Keats. A personalidade sedutora de Fanny contrasta com a natureza notavelmente mais reservada de Keats. Ela começa a cortejá-lo depois que seus irmãos, Samuel e Toots, obtêm seu livro de poesia, “Endymion”. Seus esforços para interagir com o poeta são infrutíferos até que ele testemunha sua tristeza pela perda de seu irmão, Tom.

Keats começa a se abrir para suas investidas enquanto passa o Natal com a família Brawne. Ele começa a lhe dar aulas de poesia e fica evidente que a atração entre eles é mútua. Fanny, no entanto, fica perturbada com a relutância dele em cortejá-la, sobre a qual sua mãe conjectura: “O Sr. Keats sabe que não pode gostar de você, ele não tem como se sustentar e não tem renda”. Só depois de Fanny receber um cartão de Dia dos Namorados de Brown é que Keats os confronta apaixonadamente e pergunta se são amantes. Brown enviou o cartão em tom de brincadeira, mas avisa Keats que Fanny é apenas uma flertadora jogando um jogo. Fanny fica magoada com as acusações de Brown e com a falta de fé de Keats nela; ela termina as aulas e vai embora. Os Dilkes se mudam para Westminster na primavera, deixando para a família Brawne a metade da casa e seis meses de aluguel. Fanny e Keats retomam então o contato e se apaixonam profundamente. O relacionamento chega a um fim abrupto quando Brown parte com Keats para as férias de verão, onde Keats poderá ganhar algum dinheiro. Fanny fica com o coração partido, embora seja consolada pelas cartas de amor de Keats. Quando os homens retornam no outono, a mãe de Fanny expressa sua preocupação de que o apego de Fanny ao poeta a impeça de ser cortejada por um pretendente mais obviamente elegível.

Fanny e Keats ficam noivos em segredo. Keats contrai tuberculose no inverno seguinte. Ele passa várias semanas se recuperando até a primavera. Seus amigos arrecadam fundos para que ele possa passar o inverno seguinte na Itália, onde o clima é mais ameno. Depois que Brown engravida uma empregada e não pode acompanhá-lo, Keats encontra acomodação em Londres para o verão e, mais tarde, é acolhido pela família Brawne após uma crise de sua doença. Quando seu livro alcança um sucesso moderado de vendas, a mãe de Fanny lhe dá sua bênção para se casar com ela assim que ele retornar da Itália. Na noite anterior à sua partida, ele e Fanny se despedem em meio a lágrimas, em particular. Keats morre na Itália em fevereiro do ano seguinte, devido a complicações da doença, assim como seu irmão Tom. Nos momentos finais do filme, Fanny corta o cabelo em sinal de luto, veste-se de preto e percorre os caminhos nevados que Keats tantas vezes percorreu. É ali que ela recita o soneto de amor que ele escreveu para ela, chamado “Estrela Brilhante”, enquanto lamenta a morte de seu amado.

Além de “Bright Star”, vários outros poemas são recitados no filme, incluindo “La Belle Dame sans Merci” e “Ode to a Nightingale”. Tanto Campion quanto Whishaw realizaram extensas pesquisas em preparação para o filme. Muitas das falas do roteiro foram retiradas diretamente das cartas de Keats. Whishaw também aprendeu a escrever com pena e tinta durante as filmagens. As cartas que Fanny Brawne recebe de Keats no filme foram, na verdade, escritas à mão por Whishaw. Janet Patterson, que trabalhou com Campion por mais de 20 anos, atuou como figurinista e diretora de arte do filme. A Hyde House e a propriedade em Hyde, Bedfordshire, substituíram a Keats House em Hampstead. Campion decidiu que a Keats House (também conhecida como Wentworth Place) era muito pequena e “um pouco antiquada”. Algumas filmagens também ocorreram nos Estúdios Elstree. O compositor Mark Bradshaw pode ser visto no filme como o maestro enquanto o coro masculino executa a faixa Human Orchestra, que Bradshaw arranjou a partir do terceiro movimento da serenata para doze sopros e contrabaixo de Wolfgang Amadeus Mozart.

O filme recebeu críticas positivas. O agregador de críticas Rotten Tomatoes relata que 83% dos 175 críticos deram ao filme uma avaliação positiva, com uma pontuação média de 7,26/10. O consenso crítico do site afirma: “A direção de Jane Campion é tão refinada quanto seu roteiro, e ela extrai o máximo de seu elenco – especialmente Abbie Cornish – neste drama de época discreto”. No Metacritic, o filme tem uma pontuação média ponderada proporcional de 81 em 100, com base em 34 críticos, indicando “aclamação universal”. Mary Colbert, da SBS, atribuiu ao filme cinco estrelas em cinco. “Se Campion pretendia inspirar uma apreciação e redescoberta da poesia de Keats”, escreveu ela, “ela não só conseguiu, como criou um monumento artístico à sua vida, amor, poesia e alma”. Craig Mathieson afirmou na mesma crítica que Bright Star é o “melhor trabalho de Jane Campion desde O Piano, sua obra-prima marcante de 1993”.

Roger Ebert concedeu ao filme três estrelas e meia em quatro. O poeta e acadêmico Stanley Plumly, autor de Posthumous Keats: A Personal Biography, escreveu sobre o roteiro e a direção do filme: “Jane Campion compreendeu a riqueza figurativa da vida de Keats sem sacrificar a riqueza literal de sua textura. Ela evocou o mistério de seu gênio sem abrir mão da realidade de seu cotidiano”. Em 2019, o The Guardian adicionou o filme à sua lista dos 100 melhores filmes exibidos do século XXI. Em 2019, a BBC consultou 368 especialistas em cinema em torno de 84 países para eleger os 100 melhores filmes dirigidos exatamente por mulheres; Bright Star ficou em 54º lugar. Bright Star arrecadou US$ 3.110.560 nas bilheterias da Austrália para um total mundial de US$ 14,4 milhões. A Lakeshore Records lançou a trilha sonora de Bright Star digitalmente (iTunes e Amazon Digital) em 15 de setembro de 2009 e nas lojas em 13 de outubro de 2009. A trilha sonora do filme apresenta música original de Mark Bradshaw com diálogos do filme dublados por Cornish e Whishaw. Uma coleção de cartas de amor e poemas selecionados de Keats foi publicada em 2009 como complemento ao filme, intitulada: Bright Star: Love Letters and Poems of John Keats to Fanny Brawne. O livro de 144 páginas foi publicado pela Penguin Books e inclui uma introdução escrita por Campion.

Embora tenha continuado seus estudos e treinamento em Guy`s, Keats dedicou cada vez mais tempo ao estudo da literatura, experimentando com formas poéticas, particularmente o soneto. Em maio de 1816, Leigh Hunt concordou em publicar o soneto “O Solitude” em sua revista The Examiner, importante revista liberal da época. Esta foi a primeira imersão da poesia de Keats impressa; Charles Cowden Clarke chamou-a de “o dia de ouro de seu amigo”, primeira prova de que as ambições de Keats eram válidas. Entre seus poemas de 1816 estava “Aos Meus Irmãos”. Naquele verão, Keats foi com Clarke para a cidade litorânea de Margate para escrever. Lá, ele começou “Calidore” e iniciou uma era de grande produção de cartas. Ao retornar a Londres, hospedou-se no número 8 da Dean Street, em Southwark, e se preparou para estudar mais para se tornar membro do Royal College of Surgeons. Em outubro de 1816, Clarke apresentou Keats ao influente Leigh Hunt, um amigo próximo de Byron e Shelley. Cinco meses depois, foi publicado Poemas, o primeiro volume de versos de Keats, que incluía “I stood tiptoe” e “Sleep and Poetry”, ambos fortemente influenciados por Hunt. O livro foi um fracasso de crítica, despertando pouco interesse, embora Reynolds o tenha resenhado favoravelmente em The Champion. Clarke comentou que o livro “poderia ter surgido em Timbuktu”.

Os editores de Keats, Charles e James Ollier, sentiram vergonha disso. Keats imediatamente mudou de editora para Taylor e Hessey, na Fleet Street. Ao contrário dos Ollier, os novos editores de Keats estavam entusiasmados com seu trabalho. Um mês após a publicação de Poemas, eles já estavam planejando um novo volume de Keats e lhe haviam pago um adiantamento. Hessey tornou-se um amigo constante de Keats e disponibilizou as salas da editora para que jovens escritores se reunissem. Suas listas de publicações passaram a incluir Coleridge, Hazlitt, Clare, Hogg, Carlyle e Charles Lamb. Por intermédio de Taylor e Hessey, Keats conheceu o advogado deles, Richard Woodhouse, formado em Eton, que os aconselhou em assuntos literários e jurídicos e ficou profundamente impressionado com os Poemas. Embora tenha observado que Keats podia ser desajeitado, trêmulo, facilmente intimidado, Woodhouse estava convencido do gênio de Keats, um poeta a ser apoiado enquanto se tornava um dos maiores escritores da Inglaterra. Logo após se conhecerem, os dois se tornaram amigos íntimos, e Woodhouse começou a colecionar itens relacionados a Keats, documentando o máximo que podia sobre a poesia. Esse arquivo sobrevive como uma das principais fontes de informação sobre a obra de Keats. Andrew Motion o representa como o Boswell para o Johnson de Keats, promovendo incessantemente seu trabalho, defendendo-o e impulsionando sua poesia a patamares mais elevados. 

Nos últimos anos, Woodhouse foi um dos poucos a acompanhar Keats a Gravesend, Kent, para embarcar em sua última viagem a Roma. Apesar das críticas negativas a Poemas, Hunt publicou o ensaio “Três Jovens Poetas” (Shelley, Keats e Reynolds) e o soneto “Ao Ler pela Primeira Vez o Homero de Chapman”, prevendo grandes coisas por vir. Ele apresentou Keats a muitos homens proeminentes em seu círculo, incluindo o editor do The Times, Thomas Barnes; o escritor Charles Lamb; o maestro Vincent Novello; e o poeta John Hamilton Reynolds, que se tornaria um amigo próximo. Keats também se encontrava regularmente com William Hazlitt, uma figura literária poderosa da época. Foi um ponto de virada para Keats, estabelecendo-o aos olhos do público como uma figura no que Hunt chamou de “uma nova escola de poesia”. Nesse período, Keats escreveu ao seu amigo Bailey: “Não tenho certeza de nada além da santidade dos afetos do Coração e da verdade da imaginação. O que a imaginação capta como Beleza deve ser verdade”. Essa passagem seria posteriormente transmutada nos versos finais de “Ode a uma Urna Grega”: “´A beleza é a verdade, a verdade é a beleza` – isso é tudo/Que sabeis na Terra, e tudo o que precisais saber”. No início de dezembro de 1816, sob a influência inebriante de seus amigos artistas, Keats disse a Abbey que havia decidido abandonar a medicina em favor da poesia, para a fúria de Abbey. Keats havia gasto muito com sua formação médica e, apesar de suas dificuldades financeiras e dívidas, fez grandes empréstimos a amigos como o pintor Benjamin Haydon. Keats chegaria a emprestar £700 ao seu irmão George. Ao emprestar tanto, Keats não conseguia mais cobrir os juros de suas próprias dívidas.

John Keats: Sua Vida e Morte, o primeiro grande filme sobre a vida de Keats, foi produzido em 1973 pela Encyclopædia Britannica, Inc. Foi dirigido por John Barnes. John Stride interpretou John Keats e Janina Faye interpretou Fanny Brawne. O filme de 2009, Bright Star, escrito e dirigido por Jane Campion, concentra-se no relacionamento de Keats com Fanny Brawne. Inspirado na biografia de Keats de 1997 escrita por Andrew Motion, Ben Whishaw interpretou Keats e Abbie Cornish interpretou Fanny. O poeta laureado Simon Armitage escreveu “Eu falo como alguém”, para comemorar o 200º aniversário da morte de Keats. Foi publicado pela primeira vez no The Times em 20 de fevereiro de 2021. Em 2007, uma escultura de Keats sentado em um banco, do escultor Stuart Williamso , foi inaugurada no Guys and Saint Thomas` Hospital, em Londres, pelo poeta laureado, Andrew Motion. Uma escultura de Keats aos 21 anos, de Martin Jennings, foi inaugurada por Michael Mainelli, o Lord Mayor de Londres, em Moorgate, na City de Londres, em 31 de outubro de 2024, no 229º aniversário do nascimento de Keats. As cartas de Keats foram publicadas pela primeira vez em 1848 e 1878. Os críticos do século XIX as desconsideraram como distrações de suas obras poéticas, mas no século XX elas se tornaram quase tão admiradas e estudadas quanto sua poesia, e são altamente consideradas no cânone da correspondência literária inglesa. T.S. Eliot as chamou de “certamente as mais notáveis ​​e mais importantes já escritas por qualquer poeta inglês”.  Ele usou o termo capacidade negativa para discutir o estado de ser em que somos “capazes de estar em incertezas, mistérios, dúvidas sem qualquer busca irritada por fatos e razão... [Estando] contentes com meio conhecimento”, onde se confia nas percepções do coração.                                 

Ele escreveu mais tarde que não tinha “certeza de nada além da santidade dos afetos do coração e da verdade da imaginação – o que a imaginação apreende como beleza deve ser verdade – tenha existido antes ou não – pois tenho a mesma ideia de todas as nossas paixões como do amor: todas elas são sublimes, criadoras da beleza essencial”, retornando constantemente ao que significa ser poeta. “Minha imaginação é um mosteiro e eu sou seu monge”, observa Keats a Shelley. Em setembro de 1819, Keats escreveu a Reynolds: “Como é bela a estação agora – Como o ar está agradável. Uma nitidez temperada... Nunca gostei tanto dos campos de restolho como agora – Sim, melhor do que o verde frio da primavera. De alguma forma, a planície de restolho parece quente – da mesma forma que algumas pinturas parecem quentes – isso me impressionou tanto em minha caminhada de domingo que compus sobre isso”. A estrofe final de sua última grande ode, “Ao Outono”, diz: Onde estão as canções da Primavera? Ah, onde estão elas?/Não pense nelas, tu também tens a tua música, –/Enquanto nuvens barradas florescem o dia que suavemente morre,/E tocam os campos de restolho com matiz rosado; “To Autumn” se tornaria um dos poemas mais aclamados da língua inglesa. Há áreas de sua vida e rotina diária que Keats omite. Ele menciona pouco de sua infância ou de suas dificuldades financeiras, aparentemente envergonhado de discuti-las. Não há menção a seus pais. Em seu último ano, à medida que sua saúde se deteriorava, suas preocupações frequentemente davam lugar ao desespero e a obsessões mórbidas. Suas cartas para Fanny Brawne, publicadas em 1870, focam-se nesse período e enfatizam seu aspecto trágico, dando origem a críticas generalizadas em seu tempo.

Bibliografia Geral Consultada.

GOLDMANN, Lucien, Per una Sociologia del Romanzo. Milão: Editore Bompiani, 1967; KEATS, John; GITTINGS, Robert, As Odes de Keats e Seus Primeiros Manuscritos Conhecidos. Kent: Kent State University Press, 1970; McCORMICK, Eric Hall, O Amigo de Keats: Uma Vida de Charles Armitage Brown. Nova Zelândia: Victoria University Press, 1989; SCOTT, Grant F., A Palavra Esculpida: Keats, Écfrase e as Artes Visuais. Hanover, NH: University Press of New England, 1994; KOTTOOR, Gopikrishnan, A Máscara da Morte: Os Últimos Dias de John Keats (Uma Peça Radiofônica). Índia: Writers Workshop Kolkata, 1994; COX, Jeffrey N. Poesia e Política na Escola Cockney: Keats, Shelley, Hunt e seu Círculo. Cambridge: Cambridge University Press, 2004; TURLEY, Richard Marggraf, A Imaginação Juvenil de Keats. Londres: Routledge, 2004; BADINTER, Elisabeth, Émilie, Émilie: A Ambição Feminina no Século XVIII. São Paulo: Discurso Editorial Duma Dueto; Editora Paz e Terra, 2003; CREVEL, Renê, As Irmãs Brontë: Filhas do Vento. Lisboa: Editor Assírio & Alvim, 2005; PLUMLY, Stanley, Keats Póstumo. Nova York: WW Norton & Co., 2008; HART, Christopher, “Saboreie a Poesia de John Keats no Jardim Onde Ele Escreveu”. In: The Sunday Times, 2 de agosto de 2009; SINGH, Anita, “Cannes 2009: filme retrata o romance de John Keats com Fanny Brawne – em Luton”. In: The Daily Telegraph, 15 de maio de 2009; FLOOD, Alison, “Erros do Médico São os Culpados pelo Fim Agonizante de Keats, Diz Nova Biografia”. In: The Guardian, 26 de outubro de 2009; Entrevista: “Mark Bradshaw, Compositor da Trilha Sonora de Bright Star”. In: filmsdelover.com, 24 de abril de 2010; Artigo: “Greig Fraser ganha o Prêmio Milli da ACS por Estrela Brilhante”. In: Revista IF, 1° de maio de 2011; BATE, Walter Jackson, Capacidade Negativa: A Abordagem Intuitiva em Keats (1965), reimpresso com uma nova introdução de Maura Del Serra. Nova York: Contra Mundum Press, 2012; MORIN, Edgar, Cultura de Massas no Século XX. O Espírito do Tempo: Neurose e Necrose. 11ª edição. Rio de Janeiro: Editora Forense, 2018; WILCOCKSON, Amy, “A Reputação Romântica de John Keats”. In: History Today, fevereiro de 2021, pp. 13–16; MENDEL, Jack, “Escultura de Bronze do Poeta John Keats Será Inaugurada em Londres”. In: City AM, 26 de outubro de 2024; MENDES, José Vieira, “Festival de Cannes 2026: A República dos Cineastas-autores Ainda Manda Nisto Tudo do Cinema”. Disponível em: https://visao.pt/atualidade/cultura/2026-04-09; entre outros.

Geração Beat – A Doce Viagem, Escritores, Surfistas & Motoqueiros.

                     “A felicidade consiste em perceber que tudo é um grande sonho estranho”. Jack Kerouac (1922-1969)  

              

         Jean-Louis Kérouac ou Jean-Louis Lebris de Kérouac reconhecido como Jack Kerouac (1922-1969)  é um escritor e poeta norte-americano. Considerado um dos mais importantes autores americanos do século XX, ele é reconhecido até mesmo pela Geração Beat como o “Rei dos Beats”. Seu estilo social rítmico e imediato, que ele chamava de “prosa espontânea”, inspirou muitos artistas e escritores, principalmente os cantores americanos Tom Waits e Bob Dylan. As obras mais conhecidas de Kerouac, On the Road, considerado o manifesto da Geração Beat, The Dharma Bums, Big Sur e The Lonesome Vagabond, narram etnograficamente suas viagens pelos Estados Unidos da América de forma ficcional. O gênero road movie é diretamente influenciado por suas técnicas e estilo narrativo. Jack Kerouac passou a maior parte da sua vida entre as vastas paisagens americanas e o apartamento da mãe. Este paradoxo reflete o seu estilo de vida: confrontado com as rápidas mudanças da sua época, lutou para encontrar o seu lugar no mundo, o que o levou a rejeitar os valores tradicionais da década de 1945-1950, dando origem ao movimento Beat. Os seus escritos refletem este desejo de se libertar das sufocantes convenções sociais. 

         Buscou esse sentido em drogas como a marijuana e a Benzedrina, no álcool, e na espiritualidade, em particular no budismo, e numa frenética onda de viagens. Um autoproclamado “poeta do jazz”, exaltava as virtudes do amor, proclamava a futilidade de qualquer tipo social de conflito armado e acreditava que “apenas pessoas amarguradas menosprezam a vida”. Jack Kerouac e seus escritos são vistos como precursores do estilo de vida da juventude dos anos 1960, a extraordinária Geração Beat, “que abalou a sociedade americana em seu âmago. Inspirou diretamente os movimentos de maio de 1968, a oposição à Guerra do Vietnã (1955-1975) e os hippies de Berkeley e Woodstock. No entanto, a Geração Beat também contribuiu para enriquecer o mito americano. On the Road, o romance mais reconhecido de Kerouac, é uma ode aos vastos espaços abertos, à jornada épica para o Oeste, à descoberta de novos mundos”.  A vida despreocupada deles se complica e, se torna trágica, depois que se envolvem com uma jovem misteriosa, Vickie, e motoqueiros. Vickie é estuprada por um motoqueiro e espancada pelo produtor de televisão Caswell, e decide voltar para sua família. Denny arruma um emprego em uma loja de ferragens. 

          O filme foi baseado num romance de William Murray, nascido em 8 de abril de 1926 em Nova Iorque, Estados Unidos, e falecido em 9 de março de 2005. Filho de William Murray, diretor de arte da filial nova-iorquina da William Morris Agency, e de Natalia Danesi Murray, ex-atriz, jornalista, editora e diretora da editora italiana Arnoldo Mondadori, ele nasceu em 1926 em Nova York. Seus pais se divorciaram em 1936 e ele passou a morar com a mãe, que mais tarde foi morar com a jornalista Janet Flanner (1892-1978).  Após um ano de estudos na Universidade de Harvard, ele passou cinco anos na Itália estudando música clássica. Ao retornar aos Estados Unidos da América, trabalhou como editor e colunista da revista The New Yorker por mais de trinta anos. A Doce Viagem (The Sweet Ride) tem como representação social um filme dramático norte-americano de 1968, com alguns elementos de filmes de “exploração sobre surfistas e motoqueiros”. É estrelado por Tony Franciosa, Michael Sarrazin e Jacqueline Bisset em um de seus primeiros papéis principais. O filme também conta com Bob Osbourne Denver (1935-205) no papel de Choo-Choo, um beatnik pianista que se esquivou do serviço militar. Sarrazin e Bisset foram indicados ao Globo de Ouro de Melhor Revelação, nas categorias masculino e feminino, respectivamente.                        

O filme “The Sweet Ride” foi dirigido por Harvey Hart (1928-1989) e escrito por Tom Mankiewicz (1942-2010), baseado no romance homônimo de 1967 de William Murray, autor, editor de ficção e natural da cidade de Nova York, que se mudou para o Sul da Califórnia em 1966. A banda de rock and roll de São Francisco, Moby Grape, contribuiu para a trilha sonora e apareceu, creditada, no filme, interpretando a música “Never Again” em uma boate da Sunset Strip chamada Tarântula. Outros locais famosos da Sunset Strip incluem o Gazzarri`s e o Scandia, além de filmagens em Malibu, conforme as críticas do filme. Dusty Springfield canta “Sweet Ride” durante os créditos de abertura do filme. A história em flashbacks, gira em torno de Collie, um tenista de meia-idade que divide uma casa de praia com o surfista Denny e o músico Choo Choo.  Ele iniciou sua carreira de escritor em 1956 com o romance Os Romanos Fugitivos. Posteriormente, publicou romances policiais e ensaios sobre a Itália, o mundo das corridas de cavalos e a cidade de Nova York. Ele também ajudou o falsificador e pintor Francis Lagrange a publicar suas memórias durante sua estadia nos Estados Unidos no início da década de 1960. Ele dedicou um livro à Ópera de Chicago em 2005. Em 1985, lançou uma série policial com as aventuras do mágico Shifty Lou Anderson e seu parceiro Jay Fox com o romance Dica sobre um Caranguejo Morto. Na França, duas de suas obras foram traduzidas, uma na coleção Super Noire (1978) e a outra na coleção Polar USA (1990).  

Em 2000, publicou o livro Janet, Minha Mãe e Eu: Uma memória de Crescer com Janet Flanner e Natalia Danesi Murray como uma homenagem ao relacionamento entre sua mãe e Janet Flanner. Na mesma cidade, encontra-se um escritor norte-americano, autor de vários romances policiais e diversos ensaios. Os direitos foram comprados pela 20th Century Fox, que atribuiu o projeto ao produtor Joe Pasternak (1901-1991), um produtor cinematográfico húngaro-estadunidense. Em 40 anos de carreira, ele tornou-se um dos maiores produtores de musicais de Hollywood. Se há algo constante na música popular ao longo dos primeiros 20 anos do século XXI, é a proeminência do produtor, liderando a vanguarda do pop tanto quanto qualquer um de seus maiores artistas. Embora superprodutores certamente existam desde os tempos de Phil Spector e Joe Meek, há mais de meio século, nas décadas passadas, esses criadores de sucessos nos bastidores muitas vezes passavam despercebidos na cultura pop — simplesmente um nome nos créditos da contracapa. Seus filmes arrecadaram um total de US$ 400 milhões. John Gregory Dunne (1932-2003), que abordou a produção do filme no seu livro sobre a Fox chamado The Studio (1969), descreveu-o como “um filme de surf sexy, um filme de programação que o estúdio esperava lançar no mercado de verão para um retorno rápido dos adolescentes em férias que constituem a maior parte do público dos cinemas drive-in”. William Murray pediu para adaptar seu romance para um roteiro, mas Pasternak recusou, pois Murray nunca havia escrito um roteiro cinematográfico antes. A tarefa de fazer o roteiro foi dada a Tom Mankiewicz, um realizador e argumentista de cinema norte americano, mais conhecido por ter escrito guiões para vários filmes da saga 007 que morava em Malibu, onde a história se passava, e que havia escrito um roteiro original que a Fox admirava. 

O diretor, Harvey Hart, estava trabalhando em Peyton Place para a Fox Broadcasting Company, uma telenovela norte-americana exibida no horário nobre da American Broadcasting Company (ABC), em episódios de meia hora, de 15 de setembro de 1964 a 2 de junho de 1969. Mankiewicz escreveu que o problema com The Sweet Ride era que “tentava abordar todos os temas ao mesmo tempo: drama, comédia, pornografia, desistentes, surfe, amor verdadeiro, um toque de perversão e o mal-estar geral dos jovens dos anos 1960.  Definitivamente não era Frankie e Annette”.  Mankiewicz também diz que o produtor Joe Pasternak sofreu um derrame pouco antes das filmagens, o que afetou sua eficácia. O filme acabaria sendo o último trabalho de Pasternak. Michael Sarrazin foi emprestado da Universal para interpretar o papel principal. Tony Franciosa foi o outro protagonista masculino. Joe Pasternak disse durante as filmagens que Franciosa “não atrai moscas nas bilheterias, mas é um bom ator. Você não está mais comprando bilheteria. Você está comprando talento”. Jacqueline Bisset tinha contrato com a Fox e foi escalada como protagonista feminina com base em sua breve aparição em Two for the Road, estrelado por Audrey Hepburn e Albert Finney. Quando The Sweet Ride foi lançado, ela já havia sido escalada para The Detective, estrelado por Frank Sinatra, e Bullitt, estrelado por Steve McQueen, graças às suas cenas gravadas em The Sweet Ride. As filmagens ocorreram em Point Dume, Malibu, onde o estúdio alugou uma casa de praia por dois meses. Jacqueline Bisset disse que sua cena de nudez no oceano foi miserável.

Jacqueline Bisset é filha de Arlette Alexander, advogada inglesa de origem francesa que se tornou dona de casa, e George Maxwell Fraser Bisset, um clínico geral de origem escocesa. Ela foi criada em Berkshire. Durante a ofensiva alemã na França em 1940, sua mãe teve que ir de bicicleta de Paris até um navio de transporte de tropas britânico para escapar dos alemães. Sua mãe a ensinou a falar francês fluentemente. Ela frequentou o Liceu Francês em Londres. Quando criança, ela teve aulas de balé e teatro e trabalhou como modelo para pagar por elas. Ela começou sua carreira no cinema como figurante, aparecendo em filmes de Roman Polanski e Stanley Donen, e depois se tornou coestrela de Frank Sinatra e Steve McQueen em Bullitt, em 1968. Na década de 1970, além de seu papel em O Juiz Fora da Lei (1972), de John Huston, Jacqueline Bisset não participou de nenhum filme americano de destaque. Na Europa, trabalhou com François Truffaut e Luigi Comencini, mas é mais conhecida pelo público francês por seu papel duplo como Christine e Tatiana ao lado de Jean-Paul Belmondo em O Magnífico (1973), de Philippe de Broca. Em 1978, ela interpretou o papel de Liz Cassidy, inspirada na personalidade de Jacqueline Kennedy Onassis, contracenando com Anthony Quinn em O Império Grego, de J. Lee Thompson (1914-2002). Jacqueline Bisset se consolidou como um símbolo sexual ao lado de Ryan O`Neal, Christopher Plummer, Jon Voight, Michael Sarrazin, Marcello Mastroianni, Charles Bronson, Nick Nolte, Paul Newman e outros. 

Na década de 1980, ela atuou em filmes como “Ricos e Famosos”, de George Cukor, onde contracenou com Candice Bergen, e “Sob o Vulcão”, de John Huston, com Albert Finney, além de interpretar, na televisão, os icônicos papéis de Anna Karenina e Josefina de Beauharnais. Em seguida, trabalhou com diretores europeus como Mario Monicelli, Élie Chouraqui, Jean-Charles Tacchella, Nadine Trintignant e, principalmente, Claude Chabrol em “A Cerimônia”. Interpretou Maria em “Jesus”, de Roger Young, e Sara em “No Princípio”, ao lado de Martin Landau como Abraão; também participou das séries de televisão “Ally McBeal”, “Law & Order: Special Victims Unit” e “Nip/Tuck”. Em 2003, interpretou Jackie Kennedy no telefilme biográfico “O Príncipe da América: A História de John F. Kennedy Jr.”, dirigido por Eric Laneuville. Em 2005, ela interpretou a mãe de Keira Knightley no filme Domino, de Tony Scott. Em 2011, ela fez parte do júri do 22º Festival de Cinema Britânico da cidade de Dinard, presidido pela atriz francesa Nathalie Baye. Em 22 de março de 2013 ela interpreta o papel de Anne Sinclair, substituindo Isabelle Adjani, no filme Wellcome to New York do diretor norte-americano Abel Ferrara. O filme é inspirado no caso Dominique Strauss-Kahn (2011), com Gérard Depardieu no papel de DSK. Em 2015, ela fez parte do júri do 37º Festival de Cinema de Moscou, presidido pelo diretor francês Jean-Jacques Annaud. Jacqueline Bisset é madrinha da atriz Angelina Jolie. Elas atuaram juntas em Sr. e Sra. Smith (2005), mas a cena foi censurada na edição. Embora tenha tido relacionamentos longos, ela nunca se casou. 

Viveu dez anos com o ator Michael Sarrazin seu parceiro em “Fúria na Praia” e “Acredite em Mim”, depois com o cineasta François Truffaut (1972-1973), o bailarino Alexander Godunov e, finalmente, com o ator suíço Vincent Perez. Ela vive entre a Inglaterra e Beverly Hills, na Califórnia. Segundo John Gregory Dunne, “o filme recebeu críticas negativas e foi lotado de cinemas drive-in e cinemas de bairro em todo o país”. A Variety escreveu que o filme “poderia ser resumido como uma festa de biquíni dos Hell`s Angels na praia do Vale das Bonecas perto de Peyton Place”, com “roteiro irregular, personagens de papel machê e direção rotineira”. O New York Times escreveu: “Mesmo com fotografia a cores e música rock, os filmes atuais de Pasternak não são muito diferentes dos que ele fez há 30 anos, exceto, talvez, que as heroínas de hoje estão mais inclinadas — como costumávamos dizer há 30 anos — a ir até ao fim”. De acordo com os registros da Fox, o filme precisou de US$ 3.950.000 em aluguéis para atingir o ponto de equilíbrio e, em 11 de dezembro de 1970, havia arrecadado US$ 2.600.000, resultando em prejuízo.  A resposta do filme resultou na saída de Pasternak da Fox.  A partitura foi composta, arranjada e conduzida por Pete Rugolo, exceto o tema principal escrito por Lee Hazlewood e interpretado por Dusty Springfield, com o álbum da trilha sonora lançado pela gravadora 20th Century Fox. A crítica de Tony Wilds no Allmusic observou: “Rugolo aborda muitas das mesmas áreas que tornaram várias trilhas sonoras de Lalo Schifrin ótimas, mas, ao contrário de Schifrin, Rugolo carece do instinto pop matador. Tudo soa como música de trilha sonora (a faixa média tem apenas cerca de dois minutos de duração) e não há nada aqui que não tenha sido feito melhor em outro lugar, antes”.

A geração beat ou movimento beat refere-se inicialmente a um grupo de escritores e poetas norte-americanos que surgiram durante a “era do amadurecimento” da chamada Geração Silenciosa (1946-1963) e se tornaram reconhecidos entre o final da década de 1950 e o começo da década de 1960. Posteriormente, o termo acabou por se estender a toda a subcultura inspirada por esse grupo. Os integrantes do movimento social foram chamados beatniks, denominação decerto depreciativa criada pelo colunista do San Francisco Chronicle, Herb Caen, em 1958. Beatnik resulta da junção do termo inglês beat empregado por Jack Kerouac, em 1948, com um sentido impreciso, para qualificar o seu “círculo de amigos escritores” (cf. Knight, 2010) notadamente Allen Ginsberg, William S. Burroughs e Neal Cassady com o sufixo russo ou iídiche -nik, usado para designar os membros de grupos políticos ou sociais. O uso do sufixo também se deveu à cosmologia em torno ideário do Sputnik, o primeiro satélite a orbitar o planeta, em 1957. O sufixo aparece em muitos sintagmas coloquiais da época, como nogoodnik (pessoa sem valor). Os artistas da geração beat levavam uma vida nômade ou fundavam comunidades. Foram o embrião in statu nascendi do movimento hippie, confundindo-se com esse movimento, posteriormente. Muitos remanescentes hippies se autointitulam beatniks, e um dos principais porta-vozes do movimento hippie, John Lennon, inspirou-se na palavra beat para “batizar” o seu grupo musical, The Beatles. Na verdade, a beat generation, tal como os Beatles, o movimento hippie e, antes de todos estes, o existencialismo, fizeram parte de um movimento maior, designado como contracultura (cf. Roszak, 1972).   

            Escólio: Geração Silenciosa representa um termo usado para se referir à população nascida entre 1925 e 1942, nomeadamente durante a Grande Depressão (1929-1939) e Segunda Guerra Mundial (1939-1945). Na idade adulta presenciaram a Guerra da Coreia, o nascimento do rock nos anos 1950 e movimentos de direitos civis nos anos 1960. Apesar de inicialmente aplicado ao povo da América do Norte, passou a abranger também aqueles nascidos na Europa Ocidental e Australásia. A revista Time usou pela primeira vez o termo “Geração Silenciosa” em um artigo de 5 de novembro de 1951 intitulado “The Younger Generation”, embora o termo pareça anteceder a publicação: O fato mais surpreendente sobre a geração mais jovem é o seu silêncio. Com raras exceções, os jovens não estão nem perto do púlpito. Em comparação com a Juventude Flamejante de seus pais e mães, a geração mais jovem de hoje é uma chama pequena e silenciosa. Eles não emitem manifestos, não fazem discursos nem carregam cartazes. Eles foram chamados de “Geração Silenciosa”. O artigo da Time usou anos de nascimento de 1923 a 1933 para a geração, mas o termo acabou migrando para os anos posteriores atualmente em uso.  Uma razão proposta posteriormente para esse silêncio percebido é que, como jovens adultos durante a Era McCarthy, muitos membros da Geração Silenciosa sentiram que não era prudente se manifestar. O termo “Geração Silenciosa” também é usado para descrever um grupo etário semelhante no Reino Unido, mas às vezes foi descrito como uma referência à disciplina infantil rigorosa que ensinava as crianças a serem “vistas, mas não ouvidas”. 

No Canadá, o termo tem sido usado com o mesmo significado que nos Estados Unidos. A coorte também é conhecida como “Geração Tradicionalista”. O Pew Research Center usa os anos de nascimento de 1928 a 1945 para essa coorte. De acordo com essa definição, as pessoas da Geração Silenciosa têm entre 80 e 98 anos. O Intergenerational Centre da Resolution Foundation usou os anos de 1926 a 1945, enquanto a Encyclopedia of Strategic Leadership and Management usa o intervalo de 1925 a 1945. Essa geração atingiu a maioridade já em 1946 e tão tarde quanto 1963, mas a maioria dos Silenciosos atingiu a maioridade na década de 1950, no rescaldo do movimento dos direitos civis, que foi seguido pelos boomers mais velhos na década de 1960. Os autores William Strauss e Neil Howe usam os anos de 1925 a 1942. Pessoas nascidas nos anos finais da Segunda Guerra Mundial (1939-1945) que eram jovens para ter qualquer lembrança direta do conflito são às vezes consideradas culturalmente, se não demograficamente, baby boomers. Os exemplos mais notáveis do macarthismo incluem a produção dos discursos, as investigações e os inquéritos do próprio Senador McCarthy; a Lista Negra de Hollywood, com as investigações conduzidas pelo Comitê de Atividades Antiamericanas; e as diversas atividades anticomunistas do FBI sob a direção de J. Edgar Hoover. O macarthismo foi um amplo fenômeno sociocultural que afetou a sociedade dos Estados Unidos da América em todos os níveis e gerou uma grande quantidade de debate e conflito interno naquele país. Muitos filmes foram produzidos sobre este período, retratando McCarthy e seguidores como figuras desprezíveis e a história como uma crise que foi superada. Dentre estes destaca-se Boa Noite e Boa Sorte (2005) dirigido por George Clooney e estrelado por David Strathairn, no papel do jornalista Edward R. Murrow. O filme narra os embates entre o jornalista e o Senador McCarthy, nos anos 1950, que contribuíram na decadência do senador. Um herói ou heroína de ação tem como representação social o protagonista de ação ou outra forma de entretenimento que retrata per se a ação, aventura e, muitas vezes, violência simbólica.

Outras mídias em que tais heróis aparecem incluem tradicionalmente filmes consagrados de capa & espada, de faroeste, rádio antigo, romances de aventura, romances baratos, revistas populares e folclore. A origem do herói de ação está no imperialismo com histórias escritas principalmente para meninos, para se imaginarem como homens em viagens e vivenciando uma ação emocionante. O que se tornou reconhecido como a Era McCarthy começou antes da ascensão de McCarthy à fama nacional. Após o colapso da aliança Leste-Oeste com a União Soviética, e com muitos se lembrando da Primeira Ameaça Vermelha, o presidente Harry S. Truman assinou uma ordem executiva em 1947 para examinar funcionários federais por possível associação com organizações consideradas “totalitárias, fascistas, comunistas ou subversivas”, ou defendendo “alterar a forma de Governo dos Estados Unidos por meios inconstitucionais”. No ano seguinte, o Golpe de Estado na Tchecoslováquia em 1948 pelo Partido Comunista da Tchecoslováquia aumentou a preocupação no Ocidente sobre partidos comunistas tomarem o poder e a possibilidade de subversão. Em 1949, um oficial de alto nível do Departamento de Estado dos Estados Unidos foi condenado por falso testemunho em um caso de espionagem, e a União Soviética testou uma bomba nuclear. A Guerra da Coreia no ano seguinte, eleva significativamente as tensões e medos de movimentações comunistas iminentes nos Estados Unidos da América. Em um discurso em fevereiro de 1950, McCarthy alegou ter uma lista de membros do Partido Comunista dos Estados Unidos trabalhando no Departamento de Estado, o que atraiu substancial atenção da imprensa, e o termo macarthismo, do ponto de vista ideológico foi publicado pela primeira vez no final de março daquele ano no The Christian Science Monitor, junto com uma charge política por Herblock no The Washington Post. 

O termo então assumiu um significado mais amplo, descrevendo os excessos de esforços semelhantes para reprimir elementos alegados “subversivos”. No início do século XXI, o termo é usado de forma mais geral para descrever acusações imprudentes e não substanciadas de traição e extremismo de esquerda, junto com ataques pessoais demagógicos ao caráter e patriotismo de adversários políticos. Os alvos principais de perseguição eram funcionários do governo, figuras proeminentes de entretenimento, acadêmicos, políticos de esquerda e ativistas sindicais. Suspeitas eram muitas vezes dadas credibilidade apesar de evidências inconclusivas e questionáveis, e o nível de ameaça representado por associações e crenças reais ou supostas de esquerda de uma pessoa era muitas vezes exagerado. Muitas pessoas sofreram perda de emprego e a tiveram suas carreiras compram e meios de subsistência como resultado das repressões políticas a comunistas suspeitos, e alguns foram presos sumariamente. A maioria dessas represálias foi iniciada por vereditos de julgamento que foram posteriormente derrubados, da mesma forma leis que foram posteriormente declaradas inconstitucionais, demissões por razões posteriormente declaradas ilegais ou processáveis, e procedimentos extrajudiciais, como as chamadas “listas negras” informais por empregadores e instituições públicas, que viriam a cair em descrédito geral, embora até então muitas vidas tivessem sido prejudicadas. Os exemplos mais notáveis de macarthismo incluem as investigações de comunistas alegados que foram conduzidas pelo Senador McCarthy, e as audiências conduzidas pelo Comitê de Atividades Antiamericanas da Câmara dos Representantes dos Estados Unidos (HUAC).

O período histórico que veio a ser conhecido como a era McCarthy começou bem antes do envolvimento do próprio Joseph McCarthy nele. Muitos fatores contribuíram para o macarthismo, alguns deles com raízes na Primeira Ameaça Vermelha [en] (1917-20), inspirada pela emergência do comunismo como uma força política reconhecida e perturbações sociais generalizadas nos Estados Unidos relacionadas a sindicalização e atividades anarquistas. Devido em parte ao seu sucesso em organizar sindicatos e sua oposição precoce ao fascismo, e oferecendo uma alternativa aos males do capitalismo durante a Grande Depressão, o Partido Comunista dos Estados Unidos aumentou sua quantidade de membros durante os anos 1930, alcançando um pico de cerca de 75.000 membros em 1940-41. Enquanto os Estados Unidos estavam envolvidos na Segunda Guerra Mundial e aliados com a União Soviética, a questão do anticomunismo foi amplamente silenciada. Com o fim da Segunda Guerra Mundial, a Guerra Fria começou quase imediatamente, à medida que a União Soviética instalou regimes comunistas fantoche em áreas que ocupou na Europa Central e Oriental. Em um discurso em março de 1947 ao Congresso, Truman enunciou uma nova doutrina de política externa que comprometeu os Estados Unidos a se opor à expansão geopolítica soviética. Esta doutrina veio a ser reconhecida como a Doutrina Truman, e guiou o apoio dos Estados Unidos a forças anticomunistas na Grécia e posteriormente na China e em outros lugares.                   

Embora os assuntos de Igor Gouzenko e Elizabeth Bentley tivessem levantado a questão da espionagem soviética em 1945, eventos em 1949 e 1950 aumentaram acentuadamente o senso de ameaça nos Estados Unidos relacionado ao comunismo. A União Soviética testou uma bomba atômica em 1949, mais cedo do que muitos analistas haviam esperado, elevando as apostas na Guerra Fria. No mesmo ano, o exército comunista de Mao Zedong ganhou controle do continente chinês apesar do pesado apoio financeiro americano aos opositores Kuomintang. Em 1950, a Guerra da Coreia começou colocando forças dos Estados Unidos da América, Organização das Nações Unidas e da Coreia do Sul contra comunistas da Coreia do Norte e China. Durante o ano seguinte, evidências de maior sofisticação nas atividades de espionagem soviética da Guerra Fria foram encontradas no Ocidente. Em janeiro de 1950, Alger Hiss (1906-1996), um oficial de alto nível do Departamento de Estado, foi condenado por falso testemunho. Hiss foi efetivamente considerado culpado de espionagem; o estatuto de prescrição havia expirado para esse crime, mas ele foi condenado por ter se perjurado quando negou essa acusação em testemunho anterior perante o HUAC. Na Grã-Bretanha, Klaus Fuchs confessou cometer espionagem em nome da União Soviética enquanto trabalhava no projeto Manhattan no Laboratório Nacional de Los Alamos durante a Guerra. Julius e Ethel Rosenberg foram presos em 1950 nos Estados Unidos sob acusações de roubar segredos da bomba atômica para os soviéticos, e foram executados em 1953.

Outras forças sociais encorajaram a ascensão do macarthismo. Os políticos mais conservadores nos Estados Unidos historicamente se referiam a reformas progressivas, como leis de trabalho infantil e sufrágio feminino, como “comunistas” ou “tramas Vermelhas”, tentando levantar medos contra tais mudanças. Eles usaram termos semelhantes durante os anos 1930 e a Grande Depressão quando se opunham às políticas do New Deal do presidente Franklin D. Roosevelt (1882-1945). Muitos conservadores equiparavam o New Deal ao “socialismo ou comunismo”, e pensavam que as políticas públicas eram evidência de muita influência propagandista por supostos formuladores de políticas comunistas na administração Roosevelt. Em geral, o perigo vagamente definido de “influência comunista” era um tema mais comum na retórica de políticos anticomunistas do que espionagem ou qualquer outra atividade de vigilância específica. Um exemplo disso foi Leland Olds (1890-1960), um economista que foi Presidente da Comissão Federal de Energia, mas falhou na renomeação devido a suspeitas anteriores de simpatias comunistas. As obras literárias mais conhecidas da geração beat são Howl (1956), de Allen Ginsberg; Naked Lunch (1959), de William S. Burroughs e On the Road (1957), de Jack Kerouac. Tanto Howl quanto Naked Lunch foram objeto de julgamentos por obscenidade, que, em última análise, ajudaram a liberalizar as publicações nos Estados Unidos da América.

Isto é, “após o bem-sucedido julgamento de Howl, revistas literárias francas e subversivas surgiram como cogumelos selvagens em todos os Estados Unidos”. Seus principais autores do grupo eram publicados pela City Lights Books, editora de San Francisco, pertencente ao poeta beat Lawrence Ferlinghetti (1919-2021). Os membros da Geração Beat adquiriram a reputação de hedonistas boêmios, que celebravam o inconformismo e a criatividade espontânea. As origens da Beat Generation são atribuídas a um grupo de estudantes da Universidade Columbia e ao encontro de Kerouac, Ginsberg, Lucien Carr, Hal Chase e outros. Jack Kerouac frequentou Columbia graças a uma bolsa de futebol. Embora os beats sejam geralmente considerados antiacadêmicos, muitas de suas ideias foram formadas em resposta a professores como Lionel Trilling e Mark Van Doren. Os colegas de classe Carr e Ginsberg discutiram a necessidade pragmática de uma “Nova Visão”, um termo de Arthur Rimbaud, para contrariar o que eles percebem como ideais literários conservadores e formalistas dos professores. Jack Kerouac introduziu o termo “Beat Generation” em 1948 (cf. Grace, 2007; Knight, 2010; Chandarlapaty, 2019) visando caracterizar movimento jovem anticonformista nova-iorquino perceptivelmente underground. O nome surgiu numa conversa com o escritor John Clellon Holmes (1926-1988). Kerouac admite o traficante Herbert Huncke (1915-1996), quem originalmente usou o termo “beat” numa discussão natural prévia com ele. O adjetivo “beat” poderia coloquialmente significar “cansado” ou “abatido” (beaten down) dentro da comunidade afro-americana do período e se desenvolveu fora da imagem “beat to his socks”, mas Kerouac se apropriou da imagem e alterou o significado para incluir as conotações “otimista” (upbeat) e “beatifico”, e a associação musical de estar “no ritmo” (on the beat).

          Burroughs teve interesse em comportamentos criminosos e se envolveu em lidar com bens roubados e narcóticos. Ele ficou logo viciado em opiáceos. O guia de Burroughs para o submundo criminoso, centrado em particular em torno do Times Square de Nova York foi o criminoso e viciado em drogas, Herbert Huncke. Os Beats foram atraídos para Huncke, que mais tarde começou a escrever a si mesmo, convencido de que ele possuía um conhecimento mundano vital que não lhes era oferecido por suas criações em grande parte da classe média. Ginsberg foi preso em 1949. A polícia tentou parar Ginsberg enquanto ele estava dirigindo com Huncke, seu carro estava cheio de itens roubados que Huncke planejava vender. Ginsberg bateu o carro na fuga e fugiu a pé, mas deixou cadernos incriminatórios para trás. Ele recebeu a opção de declarar insanidade para evitar uma prisão, e foi cometido por 90 dias no Hospital Bellevue, onde conheceu Carl Solomon, indiscutivelmente mais excêntrico do que psicótico. Um fã de Antonin Artaud (1896-1948), ele se dedicou a um comportamento “louco” de autoconsciência, como jogar salada de batata em um professor de Dadaísmo da faculdade. Antoine Marie Joseph Artaud, reconhecido como Antonin Artaud foi um poeta, ator, escritor, dramaturgo, roteirista e diretor de teatro francês de aspirações anarquistas. Ligado ao surrealismo, expulso do movimento por ser contrário à filiação ao partido comunista. Salomon recebeu tratamentos de choque em Bellevue; Este tornou-se um dos temas principais do Howl de Ginsberg, que foi dedicado a Salomon que se tornou o contato editorial que concordou em publicar o primeiro romance de Burroughs, Junkie, em 1953.  

        Os escritores e artistas Beats partiram para Greenwich Village, na cidade de Nova York, no final da década de 1950, devido ao baixo aluguel e ao elemento “pequena cidade” da cena. Cantigas, leituras e discussões frequentemente ocorriam no Washington Square Park. Allen Ginsberg foi uma grande parte da cena no Village, assim como Burroughs, que morava na Bedford Street, nº 69. Burroughs, Ginsberg, Kerouac e outros poetas frequentaram muitos bares na área, incluindo o San Remo na MacDougal Street, nº 93, no canto Noroeste de Bleeker, Chumley e Minetta Tavern. Jackson Pollock, Willem de Kooning, Franz Kline e outros expressionistas abstratos também foram frequentes visitantes e colaboradores dos beats. Críticos culturais escreveram sobre a transição da cultura Beat no Village para a cultura hippie boêmia da década de 1960. Ginsberg visitou Neal e Carolyn Cassady em San Jose, Califórnia, em 1954, e mudou-se para São Francisco em agosto. Ele se apaixonou por Peter Orlovsky no final de 1954 e começou a escrever Howl (Livro “O Uivo”). Lawrence Ferlinghetti, da nova livraria City Lights, começou a publicar a série City Lights Pocket Poets Series em 1955. O apartamento de Kenneth Rexroth tornou-se um salão literário de sexta-feira à noite (o mentor de Ginsberg, William Carlos Williams, um velho amigo de Rexroth, havia lhe dado uma carta introdutória). Quando solicitado por Wally Hedrick para organizar a leitura da Six Gallery, importante evento de poesia que ocorreu na sexta-feira, em 7 de outubro de 1955, na Fillmore Street, 3119, em São Francisco, Ginsberg queria que Rexroth servisse de cerimônias, no sentido de um amalgama de gerações. 

         Philip Lamantia, Michael McClure, Philip Whalen, Ginsberg e Gary Snyder leram em 7 de outubro de 1955, diante de 100 pessoas incluindo Kerouac, da Cidade do México. Lamantia leu poemas de seu falecido amigo John Hoffman. Em sua primeira leitura pública, Ginsberg executou a primeira parte de Howl. Foi um sucesso e a noite levou a muitas outras leituras dos agora famosos poetas da Six Gallery. Foi também um marco do início do movimento Beat, uma vez que a publicação de Howl (Uivo, livro de Ginsberg) em 1956 (City Lights Pocket Poets, nº 4) e seu julgamento por obscenidade em 1957 trouxeram a atenção nacional. O evento ocorrido na “Six Gallery” está contido no segundo capítulo do romance de 1958 de Kerouac, The Dharma Bums, cujo principal protagonista é “Japhy Ryder”, um personagem que na verdade é baseado em Gary Snyder. Kerouac ficou impressionado com Snyder e eles estiveram próximos por vários anos. Na primavera de 1955, eles moraram juntos na cabana de Snyder em Mill Valley, Califórnia. A maioria dos Beats eram urbanos e achavam Snyder quase exótico, com sua origem rural e experiência na selva, bem como sua educação em antropologia cultural e línguas orientais. Lawrence Ferlinghetti o chamou de “o Thoreau da Geração Beat”. Conforme documentado na conclusão de The Dharma Bums, Snyder mudou-se para o Japão em 1955, em grande parte para praticar e estudar intensivamente o Zen Budismo. Ele passaria a maior parte dos próximos 10 anos lá. O budismo é um dos principais assuntos de The Dharma Bums, e o livro,  ajudou a popularizar o budismo no Ocidente e continua sendo um dos livros mais lidos de Kerouac.

Bibliografia Geral Consultada.

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