Uma Canção de Gratidão – Família Musical & Vocação do Protestante Cristão.

                                                                   “Neutro é quem já se decidiu pelo mais forte”. Max Weber      

     

            A voz é uma característica especificamente humana intimamente relacionada com a necessidade de se agrupar e se comunicar. Ela é produto da sua evolução histórica e cultural, um trabalho em conjunto do sistema nervoso, respiratório e digestivo, e de músculos, ligamentos e ossos, atuando harmoniosamente para que se possa obter uma emissão eficiente em termos de qualidade vocal. As cordas vocais, primordialmente, não foram feitas para utilidade de uso da voz. Esta foi uma função na qual a laringe, onde se encontram as cordas vocais, se especializou, mas estes músculos foram desenvolvidos, em primeiro lugar, para as funções corpóreas de respiração, alimentação e esfincteriana. Consideradas do ponto de vista de suas estruturas, as cordas vocais superiores são pregas da mucosa da laringe, compreendendo em sua contextura uma lâmina fibro-elástica. As cordas vocais inferiores se compõem, essencialmente, de uma lâmina elástica, revestida por uma prega da mucosa da laringe, contendo em sua espessura um volumoso fascículo muscular, que a caracteriza. A voz está associada a reprodução no contexto social da fala, na realização da comunicação verbal, e pode variar quanto à questão da intensidade, altura, inflexão, ressonância, articulação e muitas outras características sociais. 

       A perfeição caracteriza um conceito ideal típico que reúne todas as qualidades humanas e não apresenta nenhum defeito, e circunstância que não possa ser melhorada. Na história das ideias o termo perpassa pelo conceito de entelecheia desenvolvido por Aristóteles, configurando um trabalho ativo para a realização pessoal, intrínseca à mesma coisa. Mas é também esse alvo, esse estágio social em que a organização alcançou todas suas potencialidades, e consequentemente, alcançou em sua démarche a perfeição. O conceito moderno de perfeição se origina do movimento idealista do século XVIII, e está estreitamente ligado à noção de progresso. Em Immanuel Kant (1724-1804) e seus antecessores, Christian Wolff (1679-1754) e Gottlieb Baumgarten (1714-1762) perfeição é uma noção ontológica em torno de completude como sendo “uma reunião de todas as disposições sujeitas a uma unidade harmoniosa”. O perfeito é completo, um manancial de ações potenciais. A perfeição é uma ideia, uma condição que pode ser alcançada, mas não deve necessariamente ser almejada se é a ética do homem. Na linguagem profissional, perfeição pode ser definida não como assunção dialética. Mas como alguém que apresenta limites, mas que esses seus limites são ofuscados pelas suas qualidades, fazendo com que eles se tornem invisíveis aos olhos das outras pessoas. O ato humano per se individual perturba a calma organização do mundo ético, e seu tranquilo desenvolvimento social.

            Uma Canção de Gratidão (Unsung Hero) tem como representação social um filme dramático cristão norte-americano de 2024, escrito e dirigido por Richard Ramsey e Joel Smallbone. O filme Unsung Hero foi lançado na América do Norte em 26 de abril de 2024. Recebeu críticas mistas e arrecadou US$ 21,1 milhões nas bilheterias. A trama dramatúrgica acompanha Rebecca, Joel e Luke Smallbone, da banda For King & Country, em processo de desenvolvimento e formação em sua jornada para se tornarem artistas cristãos. Anteriormente reconhecido como Joel & Luke e Austoville, é uma dupla de pop cristão composta pelos irmãos Joel, nascido em 5 de junho de 1984 e Luke Smallbone, nascido em 22 de outubro de 1986. Os irmãos são naturais da Austrália e imigraram para os Estados Unidos da América quando crianças, estabelecendo-se na área de Nashville. Após lançar um EP curto como Joel and Luke, eles lançaram seu álbum de música de estreia: Crave, em 2012. A banda foi declarada pela Billboard como um dos “Novos Artistas para Ficar de Olho” de 2012. A American Songwriter os descreveu como “a resposta australiana ao Coldplay”. Em 2014, eles lançaram seu segundo álbum de estúdio, Run Wild. Live Free. Love Strong, que ganhou um prêmio Grammy. Em 2018, lançaram Burn the Ships, que alcançou o status de ouro pela Associação Americana da Indústria de Gravação (em inglês: Recording Industry Association of America) – RIAA, uma organização comercial, sediada em Washington, D.C., que representa as gravadoras e distribuidores estadunidenses.                                             

Possui o objetivo merceológico de promover a vitalidade financeira dos negócios dos associados. Seus membros consistem em gravadoras e distribuidores, responsáveis em média por 85% das músicas gravadas legalmente nos Estados Unidos. A associação é conhecida popularmente por sua tradicional certificação de álbuns e canções ouro e platina nos Estados Unidos e também participa do gerenciamento de direitos coletivos de gravações. O álbum contou com três singles, incluindo “God Only Knows”, que alcançou o status de platina, e “Joy” e “Burn the Ships”, que alcançaram o status de ouro. Em 2020, lançaram um álbum natalino completo, A Drummer Boy Christmas. Em 2022, lançaram seu quinto álbum de estúdio, What Are We Waiting For? A banda demonstrou um apelo considerável na mídia mainstream, com mais de 2 bilhões de streams de sua música em 2024, e apresentações em eventos de concertos seculares como o CMA Country Christmas e o Houston Rodeo. Eles colaboraram com outros artistas em seu trabalho, incluindo Dolly Parton, Timbaland, Tori Kelly, Lecrae, CeCe Winans e Needtobreathe. Além da música, a banda esteve no centro de vários filmes (cf. Bourdieu, 1974), incluindo Priceless, Unsung Hero e o recente documentário No Turning Back, que compartilham títulos e temas com três de suas canções, bem como o filme musical Journey to Bethlehem. Um filme produzido por eles, chamado Drummer Boy, tem previsão de lançamento para 2026.

Em 1991, a família Smallbone mudou-se de Sydney, Austrália, para Nashville, Tennessee, em busca de um novo começo. Nashville é a capital e também a cidade mais populosa do estado norte-americano do Tennessee. É a sede do condado de Davidson, e localiza-se no centro do estado, nas margens do rio Cumberland. Com quase 690 mil habitantes, de acordo com o censo nacional de 2020, é a 21ª cidade mais populosa dos Estados Unidos e uma das cidades mais importantes na região sul do país. Quase 10% da população total do Tennessee vive em Nashville. Apelidada de Music City, U.S.A. (Cidade da Música), é um centro importante da indústria discográfica. Também é chamada a Atenas do Sul, por causa das suas várias instituições de ensino e da arquitetura clássica. Embora Nashville seja conhecida como um importante centro da indústria discográfica, as suas maiores indústrias são na realidade a assistência médica, a publicação, a financeira e o transporte. Foi fundada no dia de Natal de 1779, tendo como nome Fort Nashborough e tornou-se capital em 1843. Foi nomeada em homenagem a Francis Nash (1742-1777), um soldado da Revolução Americana. Em 1784 passou a chamar-se, Nashville. É cruzada por três rodovias: 40, 24 e 65. A Metropolitan Transit Authority é a responsável pelo serviço de mobilidade de autocarros dentro da própria cidade. Além disso, a cidade é servida pelo Aeroporto Internacional de Nashville.

            Na música a própria diferença entre cordas vocais ainda se faz mais saliente. Para certo número de autores especialistas, a função humana esfincteriana da laringe situa e igualmente categoriza o sentido da função respiratória. Ambas são, biologicamente, as mais importantes da laringe na escala filogenética as mais antigas, em relação àquela da fonação. A laringe é um órgão em forma de cone que se localiza na região anterior do pescoço. Ela permite a passagem do ar quando respiramos e também impede que corpos estranhos adentrem as vias respiratórias inferiores, causando infecções nos pulmões. A função esfincteriana na laringe é ser protetora das vias aéreas inferiores pela ação de dois conjuntos de esfíncteres: o superior, constituído pela epiglote, pregas ariteno-epiglóticas e aritenóides; e o inferior, formado pelas bandas ventriculares ou cordas vocais verdadeiras. Ambas, em conjunto, atuam e desempenham pontos de apoio aos músculos abdominais, intercostais e diafragma, correlacionando com os esforços da defecação, do trabalho de parto, tosse, espirro e suporte para os membros em torno da bacia escápulo-umeral, segundo suas ações primárias em abdutores, adutores, flexores, extensores e rotadores. As características de dinâmica da laringe são as de impedir a entrada de alimentos ou corpos estranhos nas vias aéreas inferiores e franquear sua passagem.

            A música se relaciona com vários aspectos sociais e culturais dos Estados Unidos, em termos da estrutura social e seus significados nos aspectos étnicos e raciais, religiosos, linguísticos, de gênero, assim como aspectos sexuais. Este relativismo permitiu ao antropólogo Claude Lévi-Strauss (1908-2009) criticar não só o pensamento evolutivo mal elaborado do século XIX, mas também versões mais sofisticadas de neoevolucionistas como ocorre nestes com o reconhecido antropólogo norte-americano Leslie White (1900-1975). Foi um antropólogo dos Estados Unidos, reconhecido por suas teorias quanto à evolução cultural (2009). Mas trata-se de um evolucionista recente que preconiza o regresso à chamada “culturologia”, isto é, elabora generalizações relativas à compreensão da evolução cultural. No entanto, a sua obra neoevolucionista teve poucos seguidores na antropologia atual. Renovou o interesse extraordinário da antropologia de Edward Tylor (1832-1917). Este havia tentado restabelecer o evolucionismo isento de juízos de valor “estabelecendo uma linha de progresso a partir de critérios objetivos, como a capacidade de utilizar e armazenar energia”. Claude Lévi-Strauss aceita a possibilidade em tese de situarmos as sociedades em uma sequência deste tipo social, mas adverte que ainda está se usando uma das obsessões da nossa civilização ocidental - a energia - para julgar analogamente outras sociedades, comparativamente, para as quais nem sempre ou de fato, este não é um valor condicionalmente importante. No século XIX, um  avivamento de fervor religioso ecoou entre pessoas nos Estados Unidos, especialmente na região Sul.

Hinos protestantes escritos na maior parte por pregadores religiosos da Nova Inglaterra, uma região geográfica extraoficial de grande valor histórico dos Estados Unidos, localizada na ponta Nordeste do país e que compreende seis estados: Connecticut, Maine, Massachusetts, New Hampshire, Rhode Island e Vermont. Boston é seu centro cultural e econômico, bem como sua cidade mais populosa que se tornara na prática, parte dos encontros campestres entre cristãos devotos do Sul. Ipso facto comparativamente o desenvolvimento da música negra nos Estados Unidos da América, independentemente da África e da Europa, tem sido um tema constante no estudo da história da música americana. Existem poucos registros da era colonial, quando estilos, canções e instrumentos da África ocidental se mesclaram no caldeirão da escravidão. Os Estados Unidos da América são bem reconhecidos por ser um “caldeirão” de músicas, com influência de várias partes do mundo e criando novos estilos culturais distintos dos outros. Embora os aspectos da música americana terem uma origem específicas, a origem de culturas particulares de músicas é problemática, devido à constante evolução da música americana de transplantar técnicas, instrumentos e gêneros. Elementos da música estrangeira entraram tanto pelos canais formais de patrocínio de eventos educacionais e de evangelismo por indivíduos e grupos musicais, por processos formais, como no transplante da música africana através do trabalho compulsório da escravidão, e da música irlandesa de homens brancos, admitida pela imigração específica de trabalho. As músicas norte-americanas mais distintas são resultado das misturas culturais espetaculares de contatos sociais. A escravidão aculturou inúmeras tribos resultando em uma tradição musical compartilhada que foi enriquecida com elementos étnicos e sociais de músicas e técnicas ancestrais indígenas, latinas e europeias em seu conjunto de práticas e saberes.     

A ética disciplinar, a religião e etnias diversificadas produziram vários gêneros de francês-africano, como na Louisiana creoles; nativas, como as músicas europeias e mexicanas unidas, e outros estilos como as músicas havaianas. Os ancestrais da população afro-americana foram traficados aos Estados Unidos da América como escravos, trabalhando primariamente nas plantações do Sul. Eles pertenceram às centenas de tribos através do Oeste da África, e trouxeram certos traços da música diversificada africana incluindo vocais chamadas e resposta e música rítmica complexa, como também as batidas síncope e acentos variáveis. A música da África tem como escopo canto e danças rítmicos trazidos para o chamado Novo Mundo, e aonde se tornou parte de uma cultura “folk” distinta que ajudou os africanos a “reter a continuidade com seu passado através da música”. Os primeiros escravos afro-americanos ou afrodescendentes cantavam músicas de trabalho, “gritos de campo” em louvor ao senhor, seguindo os rituais da cristianização, hinos. Quando negros começaram a cantar adaptações destes hinos, foram chamados exatamente de “espirituais negros”. E desta raiz, de mimetismo sociológico originam-se um processo comunicativo em que músicas espirituais, de trabalho e cantos de campo, onde o blues, jazz e o gospel se desenvolveram. No dia 13 de junho é celebrado do Dia Mundial do Rock, e  nos surge à mente abstrata ícones pop do ritmo. Mas a data marca a apresentação global do Live Aid, em 1985, um megaevento mundial, realizado no Wembley Stadium, em Londres; e no John F. Kennedy Stadium, na Filadélfia, que teve o objetivo de chamar a atenção para o problema da fome na Etiópia.

Não é muito certo quão antiga é a palavra Etiópia, cujo uso mais velho aparece na Bíblia em Gênesis, capítulo 2. E também na Ilíada, onde o nome aparece duas vezes, e na Odisseia, onde aparece três vezes. O uso mais antigo atestado na região é um nome cristianizado do Reino de Axum no século IV, em escrituras de pedra do Rei Ezana. O nome ge`ez ʾĪtyōṗṗyā e seu cognato português são considerados por estudiosos derivados da palavra grega Αἰθιοπία, Aithiopia, de Αἰθίοψ, Aithiops “um etíope”, derivado, por sua vez, de palavras gregas que significam “de rosto queimado”. No entanto, O Livro de Axum, uma crônica em ge`ez compilada no século XV, alega que o nome é derivado de “Ityopp`is” — um filho (não mencionado na Bíblia) de Cuxe, filho de Cam, quem, de acordo com a lenda, fundou a cidade de Axum. Plínio, o Velho alega, igualmente, que o nome da nação deriva de alguém cujo nome foi Aethiops. Uma terceira etimologia, sugerida por pesquisadores etíopes recentes e o poeta laureado Tsegaye Gabre-Medhin, condiciona o nome às palavras “egípcias, velhas e negras”: Et (Verdade ou Paz), Op (Alto ou Superior) e Bia (Terra ou País), sendo Etiópia a “terra de paz superior”. No português e fora da Etiópia, o país também foi historicamente chamado de Abissínia, derivado de Habesh, uma forma árabe do nome etíope-semítico Ḥabaśāt, atualmente Habesha, o nome nativo para os habitantes do país enquanto o país era chamado de Ityopp`ya. Em poucas línguas, Etiópia ainda é referido por nomes cognatos com Abissínia, por exemplo, à palavra árabe Al-Ḥabashah, que significa terra do povo Habasha.

Ipso facto, o termo Habesha, a rigor, se refere somente aos povos Amhara e Tigré-Tigrínio, que em seu devir dominaram o país politicamente, os quais juntos representam cerca de 36% da população humana da Etiópia. Algumas vezes, o termo é usado para designar os quase 45% da população etíope que usaram línguas semíticas desde tempos antigos, como os amáricos (30,1% da população), os tigrés (6,2%), os gurage (4,3%) e outras comunidades menores que falam línguas semíticas, como o povo Harari no sudeste da Etiópia. Desde que a língua amárica tornou-se o idioma oficial do país, muitos da população da Região das Nações, Nacionalidades e Povos do Sul (RNNPS) e uma porção significante das regiões Oromia e Benishangul-Gumuz usaram-na como segunda língua. Em contraste, na Etiópia contemporânea, a palavra Habesha é frequentemente utilizada para descrever todos os etíopes e eritreus. Abissínia pode estritamente se referir à apenas as províncias do Noroeste da Etiópia de Amhara e Tigré, bem como a Eritreia central, enquanto ela historicamente foi utilizada como um outro nome para a Etiópia. A Etiópia também foi conhecida por ser considerada a terra dos cuxitas. O nome foi originalmente derivado do hebreu, para referir-se às nações da costa leste do Mar Vermelho. No entanto, a Bíblia é clara ao alegar que os povos cuxitas são atualmente etíopes. Quando Moisés referiu-se ao povo de Cuxe, ele se referia a uma nação parente dos egípcios. Por causa das relações políticas próximas do Egito e a Etiópia, ambas as nações, em um ponto da história sob o termo Cuxe, concordaram com os historiadores hebreus.

Embora as intenções originais da palavra eram em referência a ambos os lados do Mar Vermelho, ficou demonstrado que partes da costa Leste não são pertencem aos etíopes. A consciência ética está realmente decidida por uma dessas potências, é essencialmente caráter. Como vê o direito somente de seu lado, e do outro, o agravo, a consciência que pertence à lei divina enxerga, do outro lado, a violência humana contingente. Mas a consciência, que pertence à lei humana, vê no lado oposto à obstinação e a desobediência do ser-para-si interior. Os mandamentos do governo são, com efeito, o sentido público universal, exposto à luz do dia; mas a vontade da outra lei é o sentido subterrâneo, enclausurado no interior, que em seu ser-aí se manifesta como vontade da singularidade, e que, em contradição com a primeira, comparativamente, lei é o delito. Assim, surge na consciência a oposição entre o sabido e o não-sabido, como também na substância a oposição entre o consciente e o carente de consciência – o direito absoluto da consciência-de-si ética entra em conflito tout court com o direito divino da essência. A efetividade objetiva, tem essência para a consciência-de-si como consciência; mas segundo sua substância essa consciência-de-si é a unidade de si e desse oposto, e a consciência-de-si ética é a consciência da substância. O objeto abstrato, oposto à consciência-de-si, perdeu por isso sua significação de ter essência para si. Como desvaneceram as esferas em que o objeto é apenas uma coisa, assim também as esferas em que a consciência solidifica algo de si, e faz, singular, a essência.

Vale lembrar que o interesse especial da paixão é, portanto, inseparável da realização do universal, pois o universal resulta do particular e definido e de sua negação. É o particular que se esgota na luta, onde parte dele é destruída. Não é a ideia geral que se envolve em oposição e luta expondo-se ao perigo, ela permanece no segundo plano, intocada e incólume. Isto pode ser chamado astúcia da razão, porque deixa as paixões trabalharem por si, enquanto aquilo através do qual ela se desenvolve paga o preço e sofre a perda. O fenomenal é que dialeticametne em parte é negativo e em parte, positivo. Em geral o particular é muito insignificante em relação ao universal, os indivíduos são sacrificados e abandonados. A ideia “paga” o tributo e o preço da existência humana e da transitoriedade sociologicamente, não de si mesmo, mas das paixões individuais (os sonhos) e coletivas. Podemos achar tolerável a ideia de que os indivíduos, seus objetivos e suas satisfações sociais sejam assim sacrificados e sua felicidade entregue ao domínio do acaso, a que ela pertence – e que em geral os indivíduos sejam vistos sob a categoria de seus recursos. Este é um aspecto dinâmico de representação da individualidade que devemos recusar a tomar exclusivamente a esta luz, mesmo em relação ao mais elevado, um elemento que absoluto não está subordinado, mas que existe nos indivíduos como essencialmente eterno e divino. Estamos falando da moral, da ética e da religião. 

Por prosperidade pode-se entender muitas coisas – a riqueza, a honra aparente e afins, mas ao falar-se de objetivo em si e por si, o que chamamos de prosperidade ou infelicidade deste ou daquele indivíduo isolado não pode ser visto como elemento essencial na ordem racional do universo. Com mais razão do que a simples felicidade ou as circunstâncias afortunadas dos indivíduos, requer-se do objetivo do mundo que os objetivos bons, morais e corretos encontrem aí sua satisfação e segurança realizadas de forma plena. O que faz os homens insatisfeitos moralmente – uma insatisfação de que eles se orgulham – é que não acham o presente adequado à realização de objetivos que em sua opinião são corretos e bons, especialmente os ideais das instituições políticas de nosso tempo. Comparam as coisas como elas são, com seu ideal de como deveriam ser. Neste caso, não é o interesse privado ou a paixão que deseja a satisfação, mas a razão, a justiça, a liberdade. Em seu nome as pessoas pedem o que lhes é devido e geralmente não estão apenas insatisfeitas, mas abertamente revoltadas contra a condição de mundo. Para julgar esses pontos de vista e esses sentimentos, ter-se-ia de examinar as exigências persistentes e as opiniões dogmáticas em questão. Em nenhuma época tanto como na nossa vida privada esse tipo de princípios e ideias gerais se apresentou com tamanha pretensão. Embora as paixões não faltem, a história demonstra uma luta de ideias justificáveis e, em parte, uma luta de paixões e interesses subjetivos sob as pretensões mais elevadas como possíveis. Isto é que tais pretensões são encaradas como legítimas em nome do suposto destino humano praticamente da Razão, têm assim validade como fins absolutos – da mesma maneira que a religião, a moral, a ética, o trabalho.

No amor, nunca é demais repetir, um indivíduo tema consciência de si na consciência do outro, ele vive de maneira altruísta. Nesta renúncia cada um ganha a vida do outro e também a sua, que é uma só com o outro. Contra tal unilateralidade tem a efetividade uma força própria: alia-se à verdade contra à consciência, e lhe mostra enfim o que é a verdade. Mas a consciência ética bebeu, da taça da substância absoluta, o olvido de toda a unilateralidade do ser-para-si, de seus fins e conceitos peculiares; e por isso afogou, ao mesmo tempo, nessa água do Estige toda essencialidade própria e significação independente da efetividade objetiva. É, portanto, seu direito absoluto que, agindo conforme à lei ética, não encontre outra coisa nessa efetivação que o cumprimento dessa lei mesma, e o ato não mostre outra coisa senão o agir ético. O ético, enquanto essência absoluta e ao mesmo tempo potência absoluta, não pode sofrer perversão de seu conteúdo. Fosse apenas a essência absoluta sem a potência, poderia experimentar uma perversão por parte da individualidade, mas essa, como consciência ética, com o abandonar de seu ser-para-si unilateral, renunciou ao perverter. Inversamente, a simples potência seria pervertida pela essência, caso fosse ainda um tal ser-para-si. A individualidade é pura forma da substância, que é o conteúdo; e o agir do pensamento à efetividade, o movimento de uma oposição carente-de-essência, cujos momentos não possuem conteúdo e essencialidade distintos entre si. O direito absoluto da consciência ética é o ato, a figura da efetividade, não seja outro, só o que ela sabe.     

Dois importantes jornais diário de Nashville são o Tennessean e o Nashville City Paper. David e sua esposa, Helen, deixaram para trás suas vidas e seus seis filhos – Rebecca, Daniel, Ben, Joel, Luke e Joshua – buscando refúgio em Nashville após o colapso da empresa musical de David na Austrália, na sequência de um prejuízo de 500 mil dólares com uma turnê de shows que não conseguiu vender ingressos suficientes em meio à crise econômica. À medida que a família se instala na nova casa, enfrenta inúmeros desafios, incluindo dificuldades financeiras e a árdua tarefa de recomeçar a vida em um país estrangeiro. Apesar da incerteza, a fé inabalável de Helen e a determinação de David os impulsionam, incutindo esperança e resiliência nos filhos. Após relutar devido às suas decepções na indústria musical, David ouve a esposa e tenta conseguir um contrato com uma gravadora para sua filha Rebecca, cujo talento vocal é reconhecido pelos amigos. Joel e Luke acabam formando a dupla For King & Country, como vimos, enquanto Rebecca embarca em uma carreira de bastante sucesso como cantora cristã. Música gospel, em português, evangelho ou música cristã ou evangélica, tem como representação um tipo de música composto para expressar a crença, individual ou comunitária, predominantemente cristã, e é considerada também oposição à música profana.

A música gospel é escrita e executada por muitos motivos com motivo religioso ou até cerimonial, ou como um produto de entretenimento para o mercado comercial. No entanto, o tema obrigatoriamente abordado na música gospel é o louvor, adoração ou graças a Deus. Em inglês, “gospel”, derivada do anglo-saxónico “god-spell” faz alusão como ao Evangelho bíblico que narra as “boas novas ao mundo”, a vinda de Cristo ao Mundo, pelos livros dos Evangelhos Canônicos de Mateus, Marcos, Lucas e João. Uma tradução literal da palavra grega, euangelion, ou seu derivado latino evangelium para o inglês antigo eu- “good”, -angelion “spell”, que significaria “message”, formando assim “god-spell” e depois “gospel”. Traduzindo para Português, “boa mensagem”. Originalmente, no grego Clássico, angelion referia-se a gorjeta que se dava ao mensageiro que entregava uma (eu = boa) mensagem ("o antigo correio"), e assim já dos anos de Cristo a palavra se cunhou no significado de "mensagem". A palavra grega, euangelion é também a fonte do termo "evangelista". Os autores dos Evangelhos Canônicos Cristão são conhecidos como os evangelistas, nos Estados Unidos, o termo gospel é uma referência a trabalhos do gênero de literatura cristã antiga.

Escólio: Antes do primeiro evangelho ser escrito (Marcos, ca. 65-70 DC), Paulo, o Apóstolo, usou o termo euangelion quando ele lembrou ao povo da Igreja de Corrinto: …o evangelho que vos anunciei … (I Coríntios 15:1).[4] Paulo asseverou que eles estavam sendo salvos pelo Evangelho, e ele caracterizou nos termos mais simples, enfatizando a aparição de Cristo após a Sua Ressurreição (15:3-8). O uso extensivo mais cedo de “euangelion” (gospel) para indicar um gênero específico de escrever datas ao Século II: o bispo Justino Mártir, por volta do ano 155, em “1 Apologia LXVI”, escreveu: “… os Apóstolos, nas suas memórias escritas por eles, a qual são chamadas de Evangelhos”. Na Introdução ao Antigo Testamento de Henry Barclay Swete (1835-1917), páginas 456-457, diz: “Euangelion no LXX ocorre somente no plural, e talvez somente no sentido clássico de uma recompensa pelas boas notícias” (II Sam. 4:10; 18:20; 18:22; 18:25-27[8] e II Reis 7:9. No Novo Testamento o termo aparece apropriadamente as circunstâncias das boas novas Messiânica (Marcos 1:1; 1:14), provavelmente derivando este novo significado do uso Euangelion em Isa. 40:9; 52:7; 60:6 e 61:1. No Novo Testamento, o “evangelho” significava a proclamação do poder da salvação de Deus através de Jesus de Nazareth, ou da mensagem do Ágape proclamada por Jesus de Nazaré. Este é o uso no Novo Testamento original por exemplo: Marcos 1:14-15 ou I Coríntios 15:1-9; veja também “G2098 de Strong”. A palavra ainda é usada neste sentido. O gospel representa a música cristã negra nos Estados Unidos da América. Talvez um dos mais velhos estilos da música negra que realmente se aproximou do gospel, foi o negro spiritual, em português, as canções harmoniosas dos “Espirituais dos Negros”.

O que é central desta breve história é a música que fluiu da igreja Afro-americana deu origem a vários estilos musicais como blues que influenciou a música country que constituem o folk contemporâneo, rhythm and blues conhecido como R&B, jazz, soul music , que deram origem ao rock and roll ao hip hop, que deram origem a música pop, e inspirou uma cornucópia de corais modernos, artistas do mercado R&B contemporâneo e o atual gospel contemporâneo (música cristã contemporânea), além de outros estilos musicais do gênero. Alimentado pela gigantesca indústria multibilionária de gravação musical nos Estados Unidos, o “pequeno infante” da música gospel pulou do seu berço humilde e cristão e atravessou as muralhas da igreja para um mercado bem diferente do mundo atual. E, o gospel continua a crescer. De acordo com a revista Norte-americana, gospel Today (2003-2008), sete gravadoras criaram divisões especiais para lidar com artistas gospel; as estatísticas da mesma publicação indicaram que os selos independentes cresceram 50%, e o rendimento das vendas só de música gospel chegou a triplicar nas últimas décadas, de US$180 milhões de dólares em 1980 a US$500 milhões em 1990.

Thomas A. Dorsey (1899-1993), compositor de sucesso tipo There Will Be Peace in the Valley, é considerado por muitos, O Pai da Música gospel. No início de sua carreira ele era um importante pianista de blues, conhecido aliás por Geórgia Tom. Ele começou a escrever gospel depois que ouviu Charles A. Tindley (1851-1933) numa convenção de músicos na Filadélfia, e depois, abandonando as letras mais agressivas de outras canções, não abandonou, contudo, o ritmo de jazz tão parecido com o de Tindley. A Igreja inicialmente não gostou do estilo de Dorsey e não achou apropriado para o santuário, na época. Em 1994, após o seu falecimento, a revista Norte-americana, Score, publicou um artigo com o título: The Father of Gospel Music (“O Pai da Música Gospel”); neste artigo a revista declara que quando Dorsey percebeu, no início de sua carreira com o gospel, que muita gente estava brigando contra a música gospel, ele estava “determinado para carregar a bandeira” a favor do gospel, bem entendido. Assim ele fez. Ele investiu em 500 cópias da canção dele, If you See My Saviour (“Se Você Ver o meu Salvador”) e enviou para diversas igrejas do país. Levou quase três anos para ele conseguir mais pedidos da música e ele quase retornou a tocar o Blues. Mas Dorsey não desistiu e com ajudas de outros bons músicos ele foi em frente. Trabalhou com as cantoras, Sallie Martin (1895-1988) e Willie Mae Ford Smith (1904-1994), escreveu centenas de músicas gospel e testemunhou a sua música subir no púlpito das igrejas - aonde, uma vez, recusaram ela de subir! 

Dorsey fundou a Convenção Nacional de Corais gospel nos Estados Unidos, em 1932, uma organização que ainda existe até hoje na origem da música gospel. Muitos outros novos nomes apareceram. Talvez fossem “prisioneiros de uma velha corrente, mas agora estavam salvos” prontos para alimentar a nova corrente do gospel, como Mahalia Jackson, Clara Ward e James Cleveland. Mahalia Jackson (1911-1972) foi convidada para cantar no televisionado Ed Sullivan Show, minutos antes do eternizado discurso pró-liberdade negra de Martin Luther King (1929-1968), que ele disse as palavras certas na hora certa: I have a dream (“Eu tenho um sonho”). Mahalia acabou sendo a convidada para cantar durante a cerimônia do funeral do Rev. King; talvez, como num toque de mágica, ela escolheu uma canção de Dorsey: Take My Hand, Precious Lord (“Precioso Senhor, Pegue Minha Mão”). Clara Ward (1924-1973) junto ao The Ward Singers, foi uma artista com presença e substância. Sua canção Surely God is Able foi comentada como o primeiro disco de platina após a 2ª guerra mundial (1939-1945). Mas esta informação não pode ser confirmada pois a RIAA mantém que Edwin Hawkins Singers foi o primeiro vencedor do disco de ouro com um gospel, em 1968, com o famoso sucesso, Oh, Happy Day, desde que a RIAA começou a manter as estatísticas sociais nas vendas dos discos, mas Ward influenciou muitos artistas com seu estilo, incluindo nomes como Little Richard e Aretha Franklin, que mantém que Ward era seu ídolo.

James Cleveland (1932-1991): se Dorsey foi aclamado, por muitos das indústrias e seus seguidores, como o pai da música gospel, o cantor Cleveland foi coroado, pelos seus admiradores, “The King of gospel” (“O Rei do gospel”). Ele recebeu nada menos do que quatro Grammys, incluindo um póstumo pelo seu álbum Having Church. Assim como Clara Ward, James Cleveland tinha muita presença com sua audiência. Ele não teve uma reputação de ter uma boa voz, mas ele conseguia agradar a todos que o ouvia. O seu grande feito foi fundar sua organização, em 1967, Gospel Music Workshop of America, considerada a maior convenção de gospel do mundo, com mais de 185 escritórios de representações distribuídos pelos Estados Unidos. O gospel Moderno em sua forma original era geralmente interpretado por um solista, acompanhado de um coro e um pequeno conjunto instrumental. Grandes intérpretes da música norte-americana começaram assim, como cantores de gospel nas igrejas. É o caso de Mahalia Jackson, Bessie Smith e Aretha Franklin, além de Ray Charles e Solomon Burke, entre outros. O gospel foi também se influenciando, assumindo formas às vezes surpreendentes em se tratando de música religiosa. É o caso dos quartetos gospel, surgidos após a Segunda Guerra Mundial, com suas músicas gritadas, com danças e roupas extravagantes. Deste estilo foram influenciados grupos e cantores rock dos anos 1950, desde o extraordinário “Bill Haley & His Comets”, passando por Jerry Lee Lewis, até Elvis Presley nos anos da década de 1960 e Michael Jackson com a música “Will You Be There” na década de 1990.

Desde as décadas de 1980 e 1990 tiveram grande importância os corais e solistas, com destaque para Kirk Franklin e Fred Hammond. Elvis Presley foi um dos maiores divulgadores desse gênero musical durante os meados do século XX. Elvis adorava esse tipo de música, inclusive, tanto quanto rock, blues, R&B, country e música erudita. Desde a década de 1950 ele já incorporava em seus álbuns e canções algumas influências desse gênero tipicamente americano. Como exemplo podemos citar, o acompanhamento vocal do grupo gospel “The Jordanaires”, logo depois, no final da década de 1960 até o começo da década de 1970, vieram os “The Imperials” e durante a mesma década os “The Stamps”, com a participação de J. D. Sumner e até mesmo um grupo vocal feminino de nome “Sweet Inspirations” e de outra cantora chamada “Kathy Westmoreland”. Elvis lançou quatro álbuns gospel: Peace In The Valley em 1957, His Hand in Mine em 1960, How Great Thou Art em 1967, considerado um dos “divisores de águas” em sua carreira e He Touched Me em 1972. Para se ter a real noção do que Elvis representou para o gospel americano, ele ganhou três Grammys por suas interpretações gospel, em 1967, 1972 e 1974. Em 2001 ele entrou para o Hall da fama do gospel, deixando para sempre marcado o seu nome nesse gênero musical americano tão importante e influente. 

Entre os seus sucessos gospel estão, “Peace in the Valley”, “Crying in the Chapel”, sucesso mundial em 1965, a para sermos breves, “How Great Thou Art” entre outras. Muitos o consideram um dos maiores intérpretes desse gênero tipicamente sulista nos Estados Unidos. Escólio: O elenco de Unsung Hero (2024) é formado por Daisy Betts como Helen Smallbone; Joel Smallbone interpreta David Smallbone, marido de Helen; Kirrilee Berger como Rebecca Smallbone, filha de Helen e David; Jonathan Jackson como Eddie DeGarmo; Lucas Black como Jed Albright; Hillary Scott como Luanne Meece; Candace Cameron Bure interpreta Kay Albright, esposa de Jed; Terry O`Quinn como Vovô James, pai de David; Diesel Cash La Torraca como Joel Smallbone, o terceiro filho de Helen e David; JJ Pantano como Luke Smallbone, o quarto filho de Helen e David; Paul Luke Bonenfant como Daniel Smallbone, o primeiro filho de Helen e David; Tenz McCall interpreta Ben Smallbone, o segundo filho de Helen e David; Angus K. Caldwell como Joshua Smallbone, o quinto filho de Helen e David; Beau Wirick como Matt; Don Most como Pierce; Lance E. Nichols como Art Meriweather; Rachel Hendrix como Amy Grant; Roslyn Gentle como “Nana” Jean Francis; Rebecca St. James como comissária de bordo; Kevin Downes de terno.  Em 30 de novembro de 2022, Joel e Luke Smallbone anunciaram pelas redes sociais que haviam realizado um filme com seu irmão Ben sobre sua mãe. O filme foi lançado em 26 de abril de 2024 pela Lionsgate e produzido pela Kingdom Story Company e Candy Rock Entertainment, uma produtora liderada por Candace Cameron Bure, que também atua no filme. O filme foi dirigido por Joel Smallbone, em sua estreia na direção, e escrito por Joel e Richard Ramsey.

O elenco inclui Jonathan Jackson, Bure, Kirrilee Berger, Lucas Black, Terry O`Quinn e Hillary Scott, uma cantora. Os produtores são Justin Tolley, Josh Walsh e Luke Smallbone. O filme foi lançado nos Estados Unidos em 26 de abril de 2024. Estava previsto o lançamento na Austrália em 30 de maio, coincidindo com a turnê musical “Homecoming” do For King & Country pela Austrália e Nova Zelândia. Na preparação para o filme, o For King & Country lançou uma versão atualizada de “Place in this World”, com Michael W. Smith, que lançou a música originalmente em 1991. Em 23 de junho de 2024, Unsung Hero ainda estava em ampla distribuição; nos Estados Unidos da América e Canadá, arrecadou em torno de US$ 21,1 milhões nas bilheterias contra um orçamento de produção de US$ 6,0 milhões. Durante as três primeiras semanas de exibição, esteve no Top 10 nas bilheterias nacionais, atingindo o pico de 2º lugar na primeira semana. No site agregador de críticas Rotten Tomatoes, 61% das 33 críticas são positivas, com uma classificação média de 6,1/10. O consenso do site diz: “Unsung Hero apresenta uma dramatização emocionante de sua história baseada em fatos reais, que é inspiradora o suficiente para compensar sua abordagem morna do drama da vida real”. O Metacritic, que usa uma média ponderada, atribuiu ao filme uma pontuação de 46 em 100, com base em 5 críticas, indicando avaliações “mistas ou médias”. O público pesquisado pelo CinemaScore deu ao filme uma nota média de “A+” em uma escala de A+ a F, enquanto aqueles pesquisados ​​pelo PostTrak deram uma pontuação positiva geral de 96%, com 90% dizendo que definitivamente o recomendariam.

Bibliografia Geral Consultada.

CLAGHORN, Charles Eugene, Biographical Dictionary of American Music. EUA: Parker Publishing Company, 1973; BOURDIEU, Pierre, “Gênese e Estrutura do Campo Religioso”. In: MICELI, Sérgio (Org.), A Economia das Trocas Simbólicas. São Paulo: Editora Perspectiva, 1974; HIRSCHMAN, Albert, The Passions and the Interests: Political Arguments For Capitalism Before Its Triumph. Princeton: Princeton University Press, 1977; TOURAINE, Alain, La Voix et le Regard. Paris: Éditions du Seuil, 1978; WILLIAMS, Eric, Capitalismo e Escravidão. Rio de Janeiro: Editores Palas, 1978; GENOVESE, Eugene, A Terra Prometida: O Mundo que os Escravos Criaram. Rio de Janeiro: Editora Paz e Terra, 1988; BERLIN, Ira, “Time, Space, and the Evolution of Afro-American Society on British Mainland North América”. In: The American Historical Review, vol. 85, nº 1, pp. 44-78, February, 1980; MINTZ, Sidney; PRICE, Richard, O   Nascimento da   Cultura   Afro-Americana:   Uma Perspectiva Antropológica. Rio de Janeiro: Editora Pallas; Rio de Janeiro: Universidade Cândido Mendes, 2003; BAILYN, Bernard, As Origens Ideológicas da Revolução Americana. Bauru: Editora da Universidade Sagrado Coração, 2003; NORTHUP, Solomon, Doze Anos de Escravidão: A História Real de Solomon Northup. São Paulo: Editora Companhia das Letras, 2014; WEBER, Max, A Ética Protestante e o Espírito do Capitalismo. 2ª edição. São Paulo: Pioneira Editora, 2003; Idem, Ciência e Política: Duas Vocações. São Paulo: Editora Martin Claret, 2015; BAPTIST, Edward, The Half Has Never Been Told: Slavery and the Rise of American Capitalism. New York: Basic Books Editor, 2014; MARQUESE, Rafael; SALLES, Ricardo (Org.), Escravidão e Capitalismo Histórico no Século XIX: Cuba, Brasil e Estados Unidos. Rio de Janeiro: Editora Civilização Brasileira, 2016; AZEVEDO, Mariana Perelló Lopes, Um Mapa Peregrino para Anne Carson. Algumas Entradas em Água Corrente. Dissertação de Mestrado. Programa de Pós-Graduação em Literatura, Cultura e Contemporaneidade. Departamento de Letras. Rio de Janeiro: Pontifícia Universidade Católica do Rio de Janeiro, 2025; Artigo: “Amazon Prime Vídeo – Uma Canção de Gratidão (Unsung Hero)”. Disponível em: https://www.coelhonocinema.com.br/2026/03/26; entre outros.

Annette Kellerman - Escritora & Atriz de Cinema, Estrela de Vaudeville.

                     “Creio no riso e nas lágrimas como antídotos contra o ódio e o terror”. Charles Chaplin  (1889-1977)  

          

            Os filmes de arte surgiram na França, em 1908, por iniciativa do empresário Paul Laffitte (1864-1949), que fundou a Le Film d`Art com a intenção de levar os intelectuais ao cinema. Para isso, a empresa realizou versões cinematográficas de obras literárias de autores famosos, como Charles Baudelaire, Émile Zola, Victor Hugo, Gustave Flaubert, Honoré de Balzac, Molière e outros. Louis Feuillade, diretor do estúdio Gaumont, se opõe a esse tipo de intelectualismo e leva seu estúdio a produzir cerca de 80 filmes por ano em todos os gêneros, incluindo comédias, dramas do cotidiano, épicos e melodramas, mas foram seus filmes seriados sobre crimes que o levaram à fama na França e nos Estados Unidos. Filme de arte é um termo que comumente se refere a produções cinematográficas quase que tipicamente “independentes” e voltadas a um nicho condicionado de mercado. Em oposição a obras de caráter hollywoodiano, que são direcionadas ao grande público de mercado, o “filme de arte” é pretendido ser um trabalho sério, artístico, muitas vezes experimental e não projetado para o apelo de massa, feito principalmente por razões estéticas em vez de lucro comercial, e contém conteúdo não convencional ou altamente simbólico. O termo é usado na América do Norte, Reino Unido e Austrália, comparado ao resto da Europa, onde está associado a filmes autorais e ipso facto, ao cinema nacional. Suspense, para o que nos interessa, representa um sentimento de incerteza ou ansiedade mediante as consequências de um fato social, mas à perceptividade da audiência em um trabalho de teor dramático.

          Não é, porém, uma exclusividade da ficção, pode ocorrer em qualquer situação onde há a possibilidade de um grande evento ou um momento dramático, com a tensão como emoção primária mediante a situação. Em uma definição mais ampla do suspense, tal emoção surge quando alguém está preocupado com sua falta de conhecimento sobre o desenvolvimento de um evento significativo; assim o suspense seria, então, a combinação da antecipação com a lide da incerteza e obscuridade do porvir. Toda ideia de suspense ou, mais precisamente, narrativa tensional, não tem boa reputação no campo da literatura tradicional, considerada por alguns como um aspecto social dinâmico do roteiro. Meir Sternberg, em uma visão retórica-funcionalista, considera o suspense como um dos vários componentes de interesse da narração. De acordo com ele, a narração pode ser definida como a interação entre suspense/curiosidade/surpresa e o tempo abstrato de comunicação per se em qualquer combinação, qualquer meio, qualquer manifesto ou forma latente. Nas mesmas linhas funcionais, ele define a narrativa como um discurso onde essa interação domina: a narratividade, então, ascende de um possível detalhe ou papel secundário, ao status de princípio regulador, o primeiro entre as prioridades de contar/ler. Nessa concepção, suspense pode ser o oposto de curiosidade, porque precisa de uma narração cronológica. o interesse estando na obscuridade do futuro, enquanto o segundo cria mistério modificando a ordem de exposição dos eventos, numa teleologia da narração.

Vaudeville representou um gênero de entretenimento de variedades culturais predominante nos Estados Unidos da América e Canadá do início dos anos 1880 ao início dos anos 1930. Desenvolvendo-se a partir de muitas fontes, incluindo salas de concerto, apresentações de cantores populares, “circos de horror”, museus populares e literatura burlesca, o vaudeville tornou-se um dos mais populares tipos de empreendimento e também entretenimento teatral dos Estados Unidos. A cada noite, uma série de números era levada ao palco, sem nenhuma relação direta entre eles, como músicos tanto clássicos quanto populares, dançarinas ou dançarinos, comediantes, animais variados treinados, mágicos, imitadores de ambos os sexos, acrobatas, peças inteiras em um único ato ou cenas de peças, atletas, palestras dadas por celebridades, cantores de rua e também filmes o que seria representaria um circo. Na França, o vaudeville foi um gênero de poesia e composição dramática muito popular. O uso de drama em um sentido mais restrito para designar um tipo específico de peça data da Era Moderna. Drama, neste sentido, refere-se qualitativamente a uma peça tetral que não é comédia nem tragédia, como Thérèse Raquin (1873) de Émile Zola ou Ivanov (1887) de Chekhov. É esse sentido que as indústrias cinematográficas in statu nascendi e televisiva, juntamente com a filmologia, adotaram para descrever o drama como um gênero dentro de suas respectivas mídias. O termo drama radiofônico tem sido usado em ambos os sentidos, originalmente transmitido em uma apresentação ao vivo.  

                                

Também pode ser com utilidade de uso (cf. Marx, 2013) para se referir ao final mais intelectual e sério da produção dramática do rádio. A encenação do drama no teatro, realizada por atores em um palco diante de uma plateia, pressupõe modos de produção colaborativos e uma forma coletiva de recepção. A estrutura dos textos dramáticos, ao contrário de outras formas de literatura, é diretamente influenciada por essa produção colaborativa e recepção coletiva. A mímica é uma forma de drama onde a ação de uma história é contada apenas através do movimento corporal. O drama pode ser combinado com a música: o texto dramático na ópera é geralmente cantado; como em alguns balés, a dança “expressa ou imita emoção, caráter e ação narrativa”. Os musicais incluem diálogos falados e canções; e algumas formas específicas de drama autenticidadde detêm música incidental ou acompanhamento musical enfatizando o diálogo como ocorre historicamente no melodrama e japonês Noh, por exemplo. É uma palavra sino-japonesa para habilidade é uma importante forma de dança-drama clássica japonesa, apresentada desde o século XIV. É a mais antiga arte teatral importante do Japão ainda encenada com certa regulariedade. É frequentemente baseado em contos da literatura de fato tradicional, apresentando um ser sobrenatural transformado em um herói humano que narra a história.

O Noh integra máscaras, figurinos e diversos adereços em uma performance baseada na dança, exigindo atores e músicos altamente treinados. As emoções são transmitidas principalmente por gestos convencionais estilizados, enquanto as máscaras icônicas representam papéis específicos, como fantasmas, mulheres, divindades e demônios. Com forte ênfase na tradição em vez da inovação, o Noh é altamente codificado e regulamentado pelo sistema iemoto. Embora os termos Noh e nōgaku sejam às vezes usados ​​como sinônimos, nōgaku engloba tanto o Noh quanto o kyōgen . Tradicionalmente, um programa completo de nōgaku incluía várias peças de Noh com peças cômicas de kyōgen entre elas; um programa abreviado com duas peças de Noh e uma de kyōgen tornou-se comum. O kanji para Noh significa “habilidade”, “arte” ou “talento”, particularmente no campo das artes cênicas neste contexto. A palavra Noh pode ser usada sozinha ou com gaku entretenimento, música) para formar a palavra nōgaku. Noh é uma tradição clássica muito valorizada atualmente. Quando usado sozinho, Noh se refere ao gênero histórico de teatro que se originou do sarugaku em meados do século XIV e continua a ser apresentado. Um dos precursores mais antigos do Noh e do kyōgen é o sangaku, que foi introduzido no Japão vindo da China no século VIII. O termo sangaku se referia a vários tipos de apresentações com acrobacias, canto e dança, bem como esquetes cômicas. Sua adaptação subsequente à sociedade japonesa levou à assimilação de outras formas de arte tradicionais. 

   

Vários elementos de artes cênicas no sangaku, bem como elementos do dengaku (celebrações rurais realizadas em conexão com o plantio de arroz), sarugaku  (entretenimento popular incluindo acrobacias, malabarismo e pantomima), shirabyōshi (danças tradicionais realizadas por dançarinas na Corte Imperial no século XII), gagaku (música e dança realizadas na Corte Imperial a partir do século VII) e kagura (danças xintoístas antigas em contos populares) evoluíram para o Noh e o kyōgen. Estudos sobre a genealogia dos atores de Noh no século XIV indicam que eles eram membros de famílias especializadas em artes cênicas. Segundo a lenda, a Escola Konparu, considerada a tradição mais antiga do Noh, foi fundada por Hata no Kawakatsu no século VI. No entanto, o fundador da Escola Konparu, amplamente aceito entre os historiadores, foi Bishaō Gon no Kami (Komparu Gonnokami) durante o período Nanboku-chō, no século XIV. De acordo com a árvore genealógica da Escola Konparu, Bishaō Gon no Kami é um descendente após 53 gerações de Hata no Kawakatsu. A Escola Konparu descendia da trupe sarugaku, que desempenhou papéis ativos em Kasuga-taisha e Kofuku-ji, na província de Yamato. 

Outra teoria, de Shinhachirō Matsumoto, sugere que o Noh se originou de párias que lutavam para reivindicar um status social mais elevado, servindo aos poderosos, ou seja, à nova classe samurai dominante da época. A transferência do xogunato de Kamakura para Kyoto no início do período Muromachi marcou o crescente poder da classe samurai e fortaleceu a relação entre o xogunato e a corte. Como o Noh se tornou a forma de arte favorita do xogum, ele pôde se tornar uma forma de arte cortesã por meio dessa relação recém-formada. No século XIV, com forte apoio e patrocínio do xogum Ashikaga Yoshimitsu, Zeami conseguiu estabelecer o Noh como a forma de arte teatral mais proeminente. Annette Marie Sarah Kellerman nasceu em Marrickville, em 6 de julho de 1886 e faleceu em Southport, em 5 de novembro de 1975. Foi uma nadadora e mergulhadora campeã australiana profissional, atriz de cinema e vaudeville, escritora e empresária. Uma pioneira na utilização do fato de banho de uma peça só e criação do maiô até hoje é atribuída a ela. Annette também foi a primeira australiana a atuar em um filme mudo nos Estados Unidos. Filha do violinista Frederick William Kellerman e sua esposa Francesca Alice Ellen Charbonnet, professora de música e piano, Annette foi diagnosticada com raquitismo aos 6 anos o que exigiu o uso doloroso de cintas de aço para poder andar. A fim de continuar o tratamento, seus pais colocaram-na em aulas de natação para fortalecer suas pernas, em Sydney. Com a idade de 13 anos, suas pernas estavam praticamente normais, e com 15, ela já havia dominado todos os segredos da natação. Nesta idade também ganhou sua primeira prova. Nessa época, ela também estava competindo em provas de saltos ornamentais. Em 1902, Kellerman decidiu levar entrar para a natação profissional e posteriormente, ganhou as provas de 100 jardas e a milha de Nova Gales do Sul no tempo recorde de 1minuto, 22 segundos, e de 33 minutos, 49 segundos.

            Em 24 de agosto de 1905, com 18 anos, Annette Kellerman se mudou para Londres e foi a primeira mulher a tentar atravessar a nado o Canal da Mancha. Apesar de não ter conseguido tal feito, Annette foi noticiada por sua ousadia não só na travessia, mas também em sua roupa de natação que, assim como as masculinas, deixavam as pernas à mostra. Kellerman ficou famosa por defender os direitos de as mulheres usarem maiôs de uma peça, o que não era aceito na época de extremo conservadorismo. De acordo com um jornal australiano: “No início de 1900, as mulheres usavam pesadas combinações e calças quando nadavam. Em 1907, no auge da popularidade, Kellerman foi presa em Revere Beach, Massachusetts, por atentado ao pudor por usar um de seus maiôs de uma peça. A popularidade de seus maiôs resultou na sua criação própria marca com uma linha de roupa de banho específico para mulheres. Os maiôs “Annette Kellermans”, como eram reconhecidos, foram o primeiro passo para as roupas de banho femininas modernas. Em 1912, Kellerman casou-se com seu empresário, James Raymond Louis Sullivan, em Danbury, Connecticut. Depois de sua tentativa de atravessar o Canal, Annette ganhou a corrida de 7 milhas “Nado em Paris Através do Sena”, derrotando 16 homens. O evento contou com meio milhão de espectadores, a maior audiência já vista em uma corrida de natação. Annette também desafiou e venceu Walpurga von Isacescu, a mais conhecida nadadora austríaca, em uma corrida de 22 milhas no Danúbio de Tuin até Viena. Annette Kellerman também era vegetariana e advogava um estilo de vida saudável. 

Quando sua carreira no cinema começou a acabar, ela se torna dona de uma loja de alimentação natural em Long Beach, Califórnia. Ela e seu marido voltaram a morar na Austrália em 1970, e em 1974, foi homenageada pelo International Swimming Hall of Fame em Fort Lauderdale, Flórida. Ela permaneceu ativa até uma idade avançada, continuando a nadar e a fazer exercícios até pouco tempo antes de sua morte. Ela morreu em um hospital em Southport, Queensland, Austrália, em 5 de novembro de 1975, aos 89 anos e foi cremada seguindo ritos católicos. Suas cinzas foram espalhadas na Grande Barreira de Corais. Ela não deixou filhos. Em 1916, Kellerman foi a primeira australiana a atuar em Hollywood e também foi a primeira grande atriz a fazer uma cena de nudez, quando ela apareceu no filme A Daughter of the Gods. Realizado pela Fox Film Corporation. Este também foi o primeiro filme com uma produção envolvendo merceologicamente de milhões de dólares. A maioria dos filmes de Kellerman tinham temas de aventuras aquáticas devido a suas capacidades extraordinárias de mergulho e natação. Disciplinada ela era seu próprio dublê, realizando cenas perigosas, incluindo um mergulho de 28 metros no mar e 18 metros em uma piscina de crocodilos. 

Muitas vezes ela representava sereias que recebiam seu nome próprio ou variações dele. Seus “filmes de conto de fadas”, como ela chamava, começaram com The Mermaid, no qual ela foi a primeira atriz a vestir um traje de sereia que lhe permitisse nadar no filme, abrindo o caminho para outras atrizes nadadoras que estrelaram em filmes com este tema em Hollywood, como Glynis Johns e Esther Williams.  Ela também desenvolveu seus próprios trajes de natação de sereia e, por vezes ela mesmo os fabricava. Depois de 5 filmes, Annette retornou ao Hipódromo de Nova Iorque com “o maior espetáculo de sereia já visto no palco”. Sua vida é retratada nas telas e interpretada por Esther Williams no filme Million Dollar Mermaid (1952). Kellerman participou em um dos últimos filmes feitos em Prizma Color, Venus of the South Seas, uma coprodução EUA/Nova Zelândia, onde um trecho do filme colorido de 55 minutos, foi filmado embaixo d`água. O filme Venus of the South Seas foi restaurado pela Biblioteca do Congresso estadunidense em 2004 e é o único longa-metragem estrelado por Annette Kellerman que existe em sua forma completa. Além dos filmes e a carreira no teatro, Kellerman escreveu vários livros incluindo, How To Swim (1918), Physical Beauty: How to Keep It (1919), e um livro de histórias infantis Fairy Tales of the South Seas (1926) e My Story, uma autobiografia não publicada. Ela também escreveu numerosos folhetos para correspondência sobre saúde, beleza e fitness.

Em 2016, Pénélope Bagieu desenhou a sua biografia que foi publicada com outras mulheres no livro Les Culottées, publicado em Portugal com o título Destemidas, nome que também foi dado à série de animação transmitida pela RTP, Rádio e Televisão de Portugal (RTP). MHIH é uma empresa pública portuguesa que inclui estações de rádio e televisão públicas. Antes do ano de 2004, a Radiodifusão Portuguesa (RDP) e a Radiotelevisão Portuguesa (RTP), empresas públicas de rádio e televisão respetivamente, estavam separadas e eram entidades jurídicas independentes e distintas. Em 2004, foram reestruturadas e fundidas numa única empresa pública, prestadora do serviço público, a Rádio e Televisão de Portugal. Desde então, a sigla RTP passou a designar o grupo inteiro de Rádio e Televisão de Portugal. Kellerman deixou uma extensa filmografia, além de sua grande coleção de roupas de natação e material teatral como herança para o Sydney Opera House. Atualmente, grande parte de suas peças de natação originais e itens pessoais estão no museu do Powerhouse Museum em Sydney, Austrália. Em 2002, sua vida é tema do documentário australiano premiado chamado The Original Mermaid. Em 2010, um complexo de natação em Marrickville recebeu o seu nome. Annette também tem uma estrela com seu nome na Calçada da Fama, em Hollywood Boulevard, é uma calçada ao longo das ruas Hollywood Boulevard e Vine Street em Hollywood, Califórnia, Estados Unidos da América, constituído por mais de 2 000 lajes com estrelas, fazendo menção a celebridades honradas pela Câmara do Comércio de Hollywood pelas suas contribuições para a indústria do entretenimento. Gene Autry e Britney Spears são exemplos destacados na Calçada da Fama: ele por ser a única pessoa com estrelas em todas as cinco categorias e ela por ser a pessoa mais jovem a receber uma, com apenas 21 anos.

Annette Kellerman é considerada a primeira estrela - masculina ou feminina - a aparecer nua em uma grande produção de Hollywood. O drama A Daughter of the Gods (“Uma Filha dos Deuses”) teve a atriz no papel de Alícia, uma mulher que se apaixona por um príncipe e pede ajuda dos habitantes da Terra dos Gnomos. O elenco do filme mudo incluiu um sultão, uma Bruxa do Mal, uma Fada do Bem, e diversos eunucos. Acredita-se que não existam mais cópias da produção, mas os arquivos dos jornais demonstram que houve grande interesse. Quando A Daugther of the Gods estreou na Austrália, o país natal de Kellerman, uma revista local exaltou o filme ao dizer que aqueles que não o viram “tinham perdido um dos maiores eventos na história” australiana. Mas se foi inédito para a Hollywood, o filme foi apenas um de uma série de eventos notáveis na vida de Kellerman. Campeã de natação, pioneira do teatro vaudeville, estilista de trajes de banho, dublê e guru de saúde e boa forma. – “Ela simbolizava o corpo feminino em forma, ativo e espetacular. Ela conclamou outras mulheres a jogar fora seus corpetes e investir numa vida saudável”, diz Angela Woolacott, historiadora da Universidade Nacional da Austrália. “Algumas pessoas a viram como um ícone da feminilidade moderna”. 

Um filme mudo não possui a trilha sonora de acompanhamento que corresponde às imagens exibidas, sendo esta lacuna substituída normalmente por músicas ou rudimentares efeitos sonoros executados no momento da exibição. Nos filmes mudos para o entretenimento, o diálogo é transmitido através de gestos suaves, mímica e letreiros explicativos. A ideia de combinar filmes com sons gravados é quase tão antiga quanto o próprio cinema, mas antes do fim dos anos 1920, os filmes eram mudos em sua maior parte, devido à inexistência de tecnologia para tornar isso possível. Os anos anteriores à chegada do som ao cinema são reconhecidos como a chamada “era muda”, ou, a chamada “era silenciosa” entre os estudiosos do tema e historiadores. Considera-se que a arte cinematográfica atingiu a maturidade plena antes da substituição dos filmes mudos para a passagem de “filmes sonoros” e alguns cinéfilos defendem que a qualidade dos filmes baixou durante alguns anos, até que o novo meio sonoro estivesse totalmente adaptado ao cinema. A qualidade visual e perceptível dos filmes mudos - especialmente aqueles produzidos na década de 1920 - muitas vezes foi alta. No entanto, há um equívoco extensamente divulgado sobre esses filmes serem “primitivos” e mal interpretados para os padrões modernos. Este equívoco resulta de filmes mudos sendo reproduzidos na “velocidade errada” e em “estado deteriorado”. Muitos desses filmes mudos existem apenas em cópias de segunda ou terceira geração.

O épico de três horas e meia de duração apresenta quatro linhas narrativas emaranhadas de um período de 2 500 anos: a) um melodrama contemporâneo sobre crime e redenção; b) uma história bíblico-galileia, elevando a missão de Jesus e a dimensão da morte; c) uma história renascentista francesa com eventos antecedendo o Massacre da Noite de São Bartolomeu em 1572; d) uma história babilônica com destaque para a queda do Império perante os Persas em 539 a. C., na batalha de Opis, no rio Tigre, localizado a cerca de 80 km ao Norte da moderna Bagdá. As cenas são ligadas por imagens de uma mulher balançando um berço, representando a ideia da cristandade do “crescei-vos e multiplicai-vos enchei e dominai a terra” (Gen. 1, 28), da maternidade eterna. Ipso facto, o filme Intolerância foi realizado parcialmente em resposta às críticas ao filme de D. W. Griffith, The Birth of a Nation. A quantidade exata do investimento pelo filme é quase desconhecida. Mas estima-se que tenha sido gasto cerca de 2,5 milhões de dólares, uma soma sem precedentes em seu tempo para investimento. Mesmo assim, o filme não foi bem recebido pelas jovens plateias, e “é considerado o primeiro grande fracasso do cinema”. A Triangle Studios, foi à falência e Griffith ficou endividado por anos.

Bibliografia Geral Consultada.

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O Homem Invisível – Consciência, Visão & Indivisibilidade Individualizada.

              “On ne peut être juste tout seul, à l`être tout seul on cesse de l`être”. Maurice Merleau-Ponty  (1908-1961)    

                                                   

        A indivisibilidade de controle humano e consentimento constituído através da legitimidade pelos grupos na sociedade, tornam necessário que se percebam as organizações formais como sistemas cooperativos, ampliando a estrutura de referência dos relacionados com a manipulação de recursos da organização. No ponto de ação da decisão executiva, o aspecto econômico da organização proporciona instrumentos inadequados de controle da estrutura concreta. Esta ideia poderá ser prontamente percebida se se voltar a atenção para o papel do indivíduo na economia da organização. Do ponto de vista da organização social como sistema formal, os homens são encarados funcionalmente, quanto ao seu papel, como participantes de segmentos determinados do sistema cooperativo. Na realidade, porém, os indivíduos se mostram propensos à despersonalização, a exceder os limites de seu papel segmentário, para participar como integrais. Os sistemas formais não podem abranger as modificações assim introduzidas e, consequentemente, falham como instrumento de controle, quando se confia apenas neles. O indivíduo integralmente cria novos problemas para a organização. Em parte por causa das necessidades de sua própria personalidade, parcialmente porque traz consigo um conjunto de hábitos arraigados, talvez, como obrigações com determinados grupos especiais fora da organização. Na adequação de sistemas formais de coordenação, pesquisa & desenvolvimento, as necessidades individuais não permitem a devida atenção às metas enunciadas do sistema, na medida que se incluem na ordem planetária. O perigo inerente à delegação surge essencialmente daí. 

         A delegação é um ato social em que dispomos de organização, relacionado com designações formais de funções e poderes.  Em tese, sociologicamente, estas designações se referem a reprodução social de papéis ou funções oficiais, e não ao indivíduo, como tal, que nem sempre coincide com as metas do sistema formal. Há muito historicamente é lugar comum compreender que o discurso filosófico correlacionou racionalmente verdade e ser. Se verdade se encontra, justificadamente, num nexo originário com a constituição do ser, então o fenômeno da verdade remete ao âmbito da problemática ontológica fundamental. Três teses caracterizam a apreensão tradicional da essência da verdade e a opinião gerada em torno de sua primeira definição: 1. O “lugar” da verdade é o enunciado (o juízo). 2. A essência da verdade reside na “concordância” entre o juízo e seu objeto. 3. Aristóteles, o pai da lógica, não só indicou o juízo como o lugar originário da verdade, como também colocou em voga a definição da verdade como “concordância”. A famosa questão, com a qual se supunha colocar os lógicos em apuros, é: O que é a verdade? Se ela consiste na concordância do conhecimento com o seu objeto deve distinguir-se dos demais. Um conhecimento é falso quando não concorda com o objeto a que é submetido, mesmo que tenha algo que possa valer para outros objetos. O que significa “concordância”? A concordância de algo tem o caráter formal da relação de algo com algo. Toda concordância e, toda “verdade” é nada mais do que a memória social de uma relação. Mas nem toda relação é uma concordância. Quer dizer, um sinal só assinala para o assinalado.

Ipso fato, a importância social da ênfase abstrata do sistema cooperativo como tal origina-se da introspecção, que permite verificar determinadas ações e consequências que são determinadas independentemente da personalidade das pessoas no caso envolvidas. Assim, ao aludir ao paradoxo da organização - a tensão criada pelas consequências inibitórias de determinados tipos de estruturas não-convencionais nas organizações, não significa que as próprias pessoas estejam em dúvida ou enfrentando dilemas. É a natureza das consequências da interação de interesses divergentes que cria a condição, resultado este que poderá surgir independentemente a percepção consciente ou das qualidades dos participantes individuais. Portanto, os sistemas de ação racional são característicos tanto de indivíduos como na constituição de organizações. Reconhecer a relevância sociológica das estruturas formais da ciência, nada tem a ver com a importância deliberadamente, ao longo deste caminho, com a natureza da autoridade nas organizações, encarecendo os fatores sociais de coesão e persuasão como fontes legais ou coercitivas. Tal redefinição é, a mesma com que se introduziu o conceito de Eu, que se origina na filosofia da história de Friedrich Hegel (cf. Colliot-Thélène, 1992), como histórico e depois no âmbito da sociologia. Desta forma, a definição de autoridade, por exemplo, é condicionada por fatores sociológicos de sentimento e coesão social ou, mais generalizada, a definição de organizações formais como sistemas cooperativos apenas marca os limites iniciais de elaboração de um procedimento na organização mediada pelo método de análise e processo de trabalho.                                       

O espírito, em sua verdade simples, é consciência, e põe seus momentos fora um do outro. A ação o divide em substância e em consciência da substância, e divide tanto a substância quanto a consciência. A substância, como essência universal e fim, contrapõe-se em si mesma como à efetividade singularizada. O meio-termo infinito à consciência-se-si que sendo em si unidade de si e da substância, torna-se agora, para si, o que unifica a essência universal e sua efetividade singularizada: eleva à essência de sua efetividade e opera eticamente; faz a essência descer à efetividade, e implementas o fim, isto é, a substância somente pensada; produz a unidade de seu Si e da substância como obra sua e, portanto, como efetividade. No dissociar-se da consciência em seus momentos, a substância simples conservou, por um lado, a oposição frente à consciência-de-si, e por outro lado apresenta nela mesma a natureza da consciência – de diferenciar-se em si mesma, como um mundo organizado em suas massas. A substância se divide, assim, em uma essência ética diferenciada: em uma lei humana e uma lei divina. A consciência-de-si, que se lhe contrapõe, atribui-se, segundo sua essência dessa potência; e como saber se cinde na ignorância do que faz e a respeito disso: um saber que é, por isso, enganoso.

           A consciência-de-si é em seu ato a contradição daquelas potências em que a substância se divide, e sua mútua destruição, como também a contradição entre seu saber sobre a eticidade da sua ação, e o que é ético em si e para si; e aí encontra sua própria ruína. Porém, a substância ética, mediante esse movimento, veio-a-ser consciência-de-si efetiva; ou seja, este Si se tornou algo em-si-e-para-si-essente. Mas nisso, precisamente, a eticidade foi por terra. A substância simples do espírito se divide como consciência. Ou seja: assim como a consciência do ser sensível abstrato passa à percepção, assim também a certeza imediata do ser ético real; e como, para a percepção sensível, o ser simples se torna uma coisa de propriedades múltiplas, assim para a percepção ética, o caso do agir é uma efetividade de múltiplas relações éticas. Contudo, como para a percepção sensível a supérflua multiplicidade das propriedades se condensa filosoficamente entre singularidade e universalidade – com maior razão a percepção ética, que é a consciência substancial e purificada -, a multiplicidade dos momentos éticos se torna a dualidade de uma lei da singularidade e de uma lei da universalidade. Cada uma dessas massas de substância permanece sendo o espírito todo. Se, na percepção sensível, isto é, as coisas não tem outra substância, as duas determinações de singularidade e universalidade exprimem apenas a oposição assimétrica superficial recíproca dos dois lados.

            Essa diferença da essência e o exemplo, entre a imediatez e a mediação, quem faz não somos nós apenas, mas a encontramos na própria certeza sensível; e deve ser tomada na forma em que nela se encontra, e não como nós acabamos de determina-la. Na certeza sensível, um momento é oposto como o essente simples e imediato, ou como a essência: o objeto na sua humanidade. O outro momento, porém, é posto como o inessencial e o mediatizado, momento que nisso não é “em-si”, mas por meio do Outro: o Eu, um saber, que sabe o objeto só porque ele é; saber que pode ser ou não. Mas o objeto é o verdadeiro e a essência: ele é, tanto faz que seja conhecido ou não. Permanece mesmo não sendo conhecido - enquanto o saber não é, se o objeto não souber que pode ser, assim da singularidade de apreensão do objeto. O outro momento, porém, é posto como o inessencial e o mediatizado, momento que nisso não é “em-si”, na démarche da consciência, mas por meio de Outro: o Eu, um saber, que sabe o objeto só porque ele é; saber que pode ser ou não. Mas o objeto é o verdadeiro e a essência: ele é, tanto que seja conhecido ou não. Permanece mesmo não sendo conhecido - enquanto o saber não é, se o objeto não é. O objeto, portanto, deve ser examinado, para vermos se é de fato, na certeza sensível mesma, aquela essência que ela lhe atribui; e se esse seu conceito - de ser uma essência - corresponde de imediato como se encontra na certeza sensível.   

Quer dizer, não temos de refletir sobre o objeto, nem indagar o que possa ser em verdade; mas apenas através da ideia de formação em “considerá-lo como a certeza sensível o tem nela”. O tempo, como a unidade negativa do ser-fora-de-si, é igualmente um, sem mais nem menos, abstrato, ideal. O tempo é como o espaço uma pura forma de sensibilidade ou do intuir, é o sensível, mas, assim como a este espaço, também ao tempo não diz respeito a diferença de objetividade e de uma consciência subjetiva contra ela. Quando se aplicam estas determinações de espaço e tempo, então seria aquele a objetividade abstrata, do tempo, porém a subjetividade abstrata. O tempo é o mesmo princípio que o Eu=Eu da autoconsciência pura; mas é o mesmo princípio ou o simples conceito ainda em sua total exterioridade e abstração – como o mero vir-a-ser intuído, o puro ser-em-si como simplesmente um vir-fora-de-si. O tempo tem como representação social o entendimento contínuo como o espaço, pois ele é a negatividade abstrata e nela ainda não há nenhuma diferença real. No tempo, diz-se, tudo surge e tudo passa e perece, se se abstrai de tudo, do recheio do tempo e do recheio do espaço, fica de resto o tempo vazio comparativamente como o espaço vazio – isto é, são então postas e representadas estas abstrações de exterioridade, como se elas fossem existentes por si. Mas não é o que no tempo surja e pereça tudo, porém o próprio tempo é este vir-a-ser, surgir e perecer, o abstrair essente. 

O real de análise é bem diverso do tempo, mas também essencialmente idêntico a ele. O real é limitado, e o outro para esta negação está fora dele, a determinidade é assim nele exterior a si, e daí a contradição de seu ser; a abstração opera nessa exterioridade de sua contradição e a inquietação da mesma é o próprio tempo. O finito é transitório e temporário, porque ele não é, como ocorre na representação do conceito nele mesmo, a negatividade total, mas em si, como sua essência universal, entretanto, diferentemente da mesma essência, é unilateral, e se relaciona à mesma essência como à sua potência. Mas tais conceitos na sua identidade conseguem livremente existente para si, Eu=Eu, é “em si” e “para si” a absoluta negatividade e liberdade. Por isso o tempo não é potência dele, nem ele está no tempo nem é algo temporal. Mas ele é muito mais a potência do tempo, como sendo este apenas esta negatividade como exterioridade. Só o natural, é, enquanto é finito, sujeito ao tempo; na constituição da ideia, o espírito que é eterno.  Estamos em busca de satisfazer nossos desejos, a essência da vida tinha a dor, pois a satisfação do que queremos está atrelada a concepção de felicidade, o que acaba por se tornar insustentável, nos fadando a frustrações. No filme o pai de Tim tem uma revelação para fazer, um segredo sobre os homens da família: eles são capazes de viajar no tempo. Há algumas regras, como não poder voltar a um passado que não se viveu nem avançar ao futuro. 

De resto, a coisa é simples; “basta entrar num lugar fechado, um armário, por exemplo, fechar os olhos, cerrar os punhos e pensar no momento que se quer reviver”. Tim, claro, não acredita no pai. Este tampouco achava que ele fosse crer nessa história de viagem no tempo. Todo o diálogo entre os dois é levado num tom de deboche da situação, sacada astuta de Curtis que sabe que é exatamente o que o espectador está pensando no momento. Achando-se ridículo, Tim entra em seu guarda-roupa, memoriza um momento metafisicamente no ato de pensar – a festa de réveillon ocorrida dias antes em casa – e voilá, em segundos está revivendo o tempo. A cena, já vista anteriormente pelo espectador, é historicizada no sentido anterior à Marx, no plano abstrato da concepção de teoria no plano disciplinar e Tim aproveita a repetição para corrigir erros, que vão desde trivialidades como não derrubar uma mesa de bebidas a coisas mais sérias, como não ferir os puros sentimentos de uma garota.      

Essa sexualidade, segundo Alberoni (1986) está vinculada à inteligência e à fantasia, ao ardor, à paixão propriamente dita; enfim, está em estado de fusão com tudo isso ao nosso redor. Mas a sua natureza é de subverter, transformar, romper os laços exteriores. E Eros é uma força revolucionária, ainda restrita a duas pessoas. Por isso mesmo, não se pode direcionar a sexualidade extraordinária de acordo com o nosso desejo, visto que ela determina nossos ciclos vitais ou tentativas de mudança, e por essa razão é perigosa. Apesar de a sexualidade ser para nós uma aspiração permanente e uma fonte constante de nostalgia, temo medo dela. Para nos defendermos do medo de amar, usamos a mesma palavra para indicar o Eros e a sexualidade quotidiana, ou seja, o comer e o beber do sexo sobre o qual fazemos pesquisas demoscópicas para descobrirmos sempre as mesmas coisas que já sabemos, mas que nos tranquilizamos porque nos revelam que também os outros vivem os mesmos sofrimentos humanos diante de nosso quotidiano. No enamoramento, a pessoa mais simples e limitada vê-se obrigada, para se exprimir, a usar a linguagem da poesia, da sacralidade e do mito.  É assim, porque na sacralidade do mito também nasceram da experiência extraordinária que é o comum de diversos movimentos na concepção de tempo e espaço. O enamoramento desafia as instituições de seus fundamentos de valor. Sua natureza reside em não ser um simples desejo ou capricho pessoal, mas um portador de projetos e criador de instituições.    

The Invisible Man (O Homem Invisível) tem como representação social um filme de 2020, dos gêneros ficção científica e terror, escrito e dirigido por Leigh Whannell, baseado no romance homônimo de 1897 de H. G. Wells, anteriormente adaptado pela Universal Studios em 1933. Whannell nascido em 17 de janeiro de 1977 é um cineasta e ator australiano. Ele escreveu vários filmes que foram dirigidos por seu amigo James Wan, incluindo Saw (2004), Dead Silence (2007), Insidious (2010) e Insidious: Capítulo 2 (2013). Whannell fez sua estreia na direção com Insidious: Capítulo 3 (2015) e, desde então, dirigiu mais três delicados filmes: Upgrade (2018), O Homem Invisível (2020) e O Lobisomem (2025). Whannell e Wan são os criadores da franquia Saw. Whannell escreveu o primeiro filme, co-escreveu o segundo e o terceiro, foi produtor ou produtor executivo de todos os filmes e apareceu como o personagem Adam Stanheight em três dos filmes. Ele também foi o roteirista do videogame Saw (2009) e co-roteirista do filme Cooties (2014). É estrelado por Elisabeth Moss enquanto uma mulher que acredita “estar sendo perseguida e manipulada por seu suposto ex-namorado falecido” (Oliver Jackson-Cohen) depois que ele “adquire a habilidade de se tornar invisível”. Aldis Hodge, Storm Reid, Harriet Dyer, e Michael Dorman participaram em papéis coadjuvantes. Herbert George Wells, reconhecido como H. G. Wells (1866-1946), foi um escritor britânico e membro da Sociedade Fabiana, uma organização socialista britânica cujo propósito é promover os princípios da social-democracia e do socialismo democrático através de esforços gradualistas e reformistas, e não pela revolução propriamente ocorrida.

Como uma das organizações fundadoras do Comitê de Representação Trabalhista em 1900, e como uma importante influência sobre o Partido Trabalhista que cresceu a partir dele, a Sociedade Fabiana teve uma poderosa influência na política britânica. Outros membros da Sociedade Fabiana incluíram líderes políticos de outros países, como Jawaharlal Nehru (1889-1964), que adotaram os princípios fabianos como parte de suas próprias ideologias políticas. A Sociedade Fabiana fundou a London School of Economics em 1895. A sociedade funciona principalmente como um think tank e é uma das 20 sociedades socialistas afiliadas ao Partido Trabalhista. Sociedades semelhantes existem na Austrália (Australian Fabian Society), no Canadá (Douglas-Coldwell Foundation e a agora dissolvida League for Social Reconstruction), na Sicília (Sicilian Fabian Society) e na Nova Zelândia (The NZ Fabian Society). O fabianismo era caracterizado pelo pragmatismo, rejeitando a proposição das ideias utópicas. Não consistia em um movimento revolucionário, mas tinha, como escopo, a progressão das instituições existentes. O fabianismo era a favor de uma alternativa à propriedade dos meios de produção para pôr um fim ao sistema econômico denominado capitalismo. Defendeu, também, a saúde pública e o ensino gratuito para todos os cidadãos, assim como a normatização detalhada das condições de trabalho visando a atenuar o abuso do emprego de mão de obra de crianças e o exacerbado número de acidentes de trabalho. Os primeiros folhetos defendiam os princípios da justiça social, como a introdução de um salário-mínimo em 1906 e a criação de um sistema de saúde universal em 1911.

Recebeu esse nome por valer-se de uma tática gradual e temporizada que lembrava, sob alguns aspectos, a política do cônsul Fábio Máximo, o Cunctator (traduzido do latim, “o que adia”), que, na sua luta contra Aníbal e os cartagineses na Segunda Guerra Púnica, adotou uma estratégia bélica de espera e de lento atrito, em uma guerra de desgaste. É bastante provável que Fábio tenha participado da Primeira Guerra Púnica (264-241 a.C.), mas não se sabe em que função. Além de seu desejável teor estratégico sobre a determinação de condições importantes para Roma, teve também a sua colação sobre o valor de seu transbordo causado pelo ímpeto necessário para resguardar suas estratégias enquanto ordenava suas tropas. Mas, terminada a guerra, sua ascensão foi bastante rápida. Em 233 a.C., foi eleito cônsul com Mânio Pompônio Matão. Enquanto seu colega lutava fisicamente na Sardenha, Fábio obteve um triunfo sobre os lígures e, em agradecimento, dedicou o Templo da Honra e da Virtude. O fabianismo acredita na gradual evolução da sociedade, através de reformas incipientes e de forma evolucionista, que conduzam gradualmente ao socialismo, diferenciando-se do marxismo, que prega uma passagem revolucionária ao socialismo. Era inspirado nas ideias de Stuart Mill e sustentava que “o bem-estar da maioria exigia o intervencionismo da máquina estatal”. Entre os proeminentes membros da Sociedade Fabiana, estão os escritores George Bernard Shaw, Leonard Woolf, Virginia Woolf, H. G. Wells, Annie Wood Besant (1847-1933), Salama Moussa, Bertrand Russell, e G. K. Chesterton, a anarquista Charlotte Wilson (1854-1944), a feminista Emmeline Pankhurst (1858-1928), o sexólogo Havelock Ellis, o militante Edward Carpenter, o físico Oliver Lodge, e o político Ramsay Macdonald. 

No núcleo da Sociedade Fabiana, estavam Sidney Webb e sua esposa Beatriz Webb. Eles escreveram estudos sobre a Grã-Bretanha industrial, incluindo alternativas de economia cooperativa que se aplicavam a posse de capitais, bem como de terra. A Sociedade Fabiana foi componente essencial na criação do Partido Trabalhista, fundado em 1906, e que, em 1922, tornou-se a segunda maior força política no Reino Unido, ultrapassando os liberais. A ligação entre a Sociedade Fabiana e o Partido Trabalhista manteve-se por toda a primeira metade do século XX. Uma característica da compreensão moderna do mundo é a secularização. É um processo através do qual a religião perde a sua influência sobre as variadas esferas da vida social. Essa perda de influência repercute-se na diminuição do número de membros das religiões e de suas práticas. Na perda do prestígio das igrejas e organizações religiosas. Na influência na sociedade, na cultura, na diminuição das riquezas das instituições religiosas, e, last but not least, na desvalorização das crenças e dos valores a elas associados. A partir do século XIX, houve um progressivo declínio da influência das instituições religiosas tradicionais. Este declínio verificou-se tanto na prática dos fiéis, como na dificuldade crescente em recrutar clero para o desenvolvimento e manutenção da instituição. A maior parte dos estudos acadêmicos versou a tentativa de compreensão deste âmbito. A investigação já não se centra tanto nas causas e nas razões da secularização, mas nas possibilidades da relação social da modernidade com o religioso. 

Vale lembrar historicamente que, os movimentos sociais de corte religioso que culminaram na grande reforma religiosa do século XVI tiveram início desde a Idade Média, através dos teólogos John Wycliffe (1328-1384) e Jan Huss (1369-1415). Esses movimentos sociais foram reprimidos, mas, na Inglaterra e Boêmia, Alemanha, os ideais reformistas preservaram em circunstâncias mormente em relação às tendências que romperam a revolta religiosa na Alemanha. O colonialismo moderno começou com a chamada Era dos Descobrimentos (cf. Braga, 1995). Portugal e Espanha descobriram novas terras do outro lado do oceano e construíram feitorias. Para algumas pessoas, é esta construção de colônias em outro continente que diferencia o colonialismo de outros tipos de expansionismo. Essas novas terras foram divididas entre o Império Português e o Império Espanhol, primeiro pela bula papal Inter Coetera e depois pelo Tratado de Tordesilhas (1494) e o Tratado de Saragoça (1529). Este período também é associado com a Revolução Comercial. O final da Idade Média viu reformas na contabilidade e sistema bancário na Itália e no Mediterrâneo oriental. Essas ideias foram adotadas e adaptadas na Europa Ocidental para os altos riscos e benefícios associados aos empreendimentos coloniais. No século XVII, ocorreu a criação do império colonial francês e do Império Colonial Neerlandês, bem como do Império Colonial do Reino de Inglaterra, que mais tarde tornou-se o Império Britânico. Também ocorreu a criação de algumas colônias suecas e um império colonial dinamarquês. A disseminação dos impérios coloniais foi reduzida no final do século XVIII e início do século XIX pela Guerra Revolucionária Americana e a independência da América Espanhola. No entanto, muitas novas colônias foram estabelecidas após esse tempo, inclusive para o império colonial alemão e o império belga. No final do século XIX, muitas potências europeias estavam envolvidas na partilha da África.

O Império Russo, Império Otomano e o Império Austríaco existiam ao mesmo tempo, como os impérios historicamente constituídos, mas não expandiram exatamente sobre os oceanos. Em vez disso, esses impérios expandiram através da rota comercial imperialista mais tradicional de conquista de territórios vizinhos. Havia, porém, alguma colonização russa das Américas através do Estreito de Bering. O Império do Japão modelou-se nos impérios coloniais europeus. Os Estados Unidos da América em territórios ultramarinos após a Guerra Hispano-Americana e o termo “Império americano” foi cunhado. A palavra etnia é derivada do grego ethnos, significando povo que tem o mesmo ethos, costume, incluindo língua, raça, religião etc. Esse termo era tipicamente utilizado para se referir a povos não gregos, então também tinha conotação de estrangeiro. No posterior uso cultural católico-romano, havia a conotação adicional de gentio. A palavra deixou de ser relacionada com o paganismo em princípios do século XVIII. O uso do sentido moderno, mais próximo do original grego, começou a ocorrer na metade do século XX, tendo se intensificado desde então. Assiná-la, ainda que as etnias se distingam das nações por intermédio da intensidade de seus vínculos afetivos, visto que a solidariedade assim constituída subsiste para além da dissolução do grupo que a produziu como entidade sociopolítica, e permanece como identidade e fator de distinção de outros grupos sociais. No século XIX, os Estados modernos, e ocidental do processo de colonização, procuravam reclamando a representação constitucional e conceitual de “nações”. Nos Estados-nação incluem, mormente, “populações” indígenas que foram excluídas do projeto político de construção da nação, ou recrutam trabalhadores do exterior como massa de mão-de-obra das suas fronteiras.

Estas pessoas constituem, tipicamente, grupos étnicos. Consequentemente, os membros de grupos étnicos costumam conceber a sua identidade como algo que está fora da história nativa do Estado-nação, quer como alternativa histórica quer em termos não históricos, quer em termos de uma religação ao Estado-nação. Esta identidade se expressa através de tradições e motivações variadas que embora sejam frequentemente invenções recentes, apelam certamente para a sua constituição à memória e a noção de passado. Por se tratar de um fenômeno universal, não raro presente em toda a história da humanidade, desde as tribos nômades, índios e povos africanos, para não falarmos na sobrevivência de povos latino-americanos, conflitos étnicos têm uma justificativa na retomada de valores e ideias que sendo societário não podem ter sido esquecidos. No estudo comparativo das religiões e etnias, fundamentalismo pode se referir a movimentos antimodernistas nas várias religiões. Por extensão de sentido o termo fundamentalismo passou a ser usado por outras ciências para significar uma crença irracional e exagerada, uma posição dogmática ou até certo fanatismo em relação a determinadas opiniões, como no mercado econômico ocorre com o “fundamentalismo de livre mercado”. O fundamentalismo étnico, essencialmente, pode referir-se a movimentos sociais antimodernistas decorrentes de várias etnias, com a manutenção de ideias separatistas, representando um conjunto estipulado de características tradicionais do grupo que se mescla a um grupo maior determinado pela diversidade cultural, social, política e econômica. 

Metafísica é uma disciplina fundamental da filosofia que examina a natureza essencial da realidade, incluindo a relação existente entre mente e matéria, entre substância e atributo e entre potencialidade e atualidade. Os sistemas metafísicos, na sua forma clássica, tratam de problemas centrais da filosofia teórica: são tentativas de descrever os fundamentos, as condições, as leis, a estrutura básica, as causas ou princípios, bem como o sentido e a finalidade da realidade como um todo ou dos seres em geral. Um ramo central da metafísica é a ontologia, a investigação sobre as categorias básicas do ser e como elas se relacionam umas com as outras. Outro ramo central da metafísica é a cosmologia, o estudo da totalidade de todos os fenômenos no universo. Concretamente, isso significa que a metafísica clássica tem como representação a questão tópica do ser e se ocupa das “questões últimas” da filosofia, situando a seguinte questão: há um sentido último para a existência do mundo? No começo do século XVI, a Igreja passava por um período delicado. A venda de cargos eclesiásticos e de indulgências, assim como o enfraquecimento das influências papais pelo prestígio crescente dos soberanos europeus, que muitas vezes influenciavam diretamente nas decisões da Igreja, proporcionaram um ambiente social religioso e muito oportuno a um movimento reformista. A hipótese da viagem no tempo se refere ao conceito de mover-se para trás e/ou para frente através de pontos diferentes no tempo, em um modo análogo à mobilidade pelo espaço. Algumas interpretações de viagem no tempo sugerem a possibilidade de viajar através de realidades paralelas. 

A possibilidade real de uma viagem no tempo é, hoje em dia, praticamente nula do ponto de vista prático, devido ao fato de que as partes responsáveis pela descoberta de meios para se efetuar uma viagem temporal não terem conseguido ainda produzir a suposta tecnologia capaz de possibilitar (ou resistir) a viagem. No entanto a viagem no tempo é teoricamente possível, embora ainda não exista a tecnologia necessária para tal. O conceito é constantemente abordado na ficção-científica, sendo que o mais famoso autor de obras sobre o tema é Herbert George Wells, reconhecido sociologicamente como H. G. Wells (1866-1946), um escritor britânico e membro da Sociedade Fabiana. Nascido no distrito Borough da Grande Londres, na juventude foi aprendiz de negociante de panos, a sua experiência nesta ocupação, veio mais tarde a ser usada como material para o romance Kipps. Em 1883, tornou-se professor na Midhurst Grammar School, até ganhar uma bolsa na Escola Normal de Ciências em Londres, para estudar biologia com T. H. Huxley. Nos seus primeiros romances, descritos ao mesmo tempo como “romance científico”, inventou uma série de temas que foram posteriormente aprofundados por outros escritores de ficção científica, e que entraram na cultura popular em trabalhos como seu primeiro livro: A Máquina do Tempo (1895), publicada originalmente em capítulos na revista semanal Pearson`s Magazine, O Homem Invisível (1897) e A Guerra dos Mundos (1897). 

Outros romances, de natureza realista, não fantástica, ou mágica, foram bem recebidos, sendo a sátira à publicidade edwardiana Tono-Bungay (1909) e Kipps. Visionário, chegou a discutir em obras do início do século XX questões sempre atuais, como a ameaça de guerra nuclear, o advento de Estado mundial e a ética na manipulação de animais. Desde muito cedo na sua carreira, Wells sentiu que devia haver uma maneira melhor de organizar a sociedade, e escreveu alguns romances utópicos. Começavam, em geral, com o mundo a caminhar inexoravelmente em direção a uma catástrofe, até que as pessoas se apercebiam da existência de uma maneira melhor para viver, ou através dos gases misteriosos de um cometa, que fariam com que as pessoas começassem subitamente a comportar-se racionalmente (Os Dias do Cometa), ou pela tomada do poder por um conselho mundial de cientistas, como em The Shape of Things to Come (1933), livro que Wells adaptou mais tarde para o filme de Alexander Korda (1893-1956), Daqui a Cem Anos (1936), onde descrevia, com demasiada exatidão, a guerra anunciada, com cidades a serem destruídas por bombardeamentos aéreos. Viagens no tempo geralmente são o que estamos acostumados de assistir nos filmes, hic et nunc, ainda mais quando está relacionado a questão do amor e enamoramento a um amor perdido. O que “Questão de Tempo” (“About Time”, 2013) nos apresenta não é necessariamente a noção de tempo pragmática como prega o “carpe diem”. Mas Richard Curtis contempla uma história surpreendente, viva que é mais do que a representação do amor como base da família ou amizade.

A relação sexual converte-se num desejo de estar no corpo do outro, um viver e um ser vivido por ele numa fusão de corpos que se prolonga como ternura por suas fraquezas, suas ingenuidades, seus defeitos e imperfeições. Não importa mesmo quem seja essa pessoa, pois na paixão nasce uma força terrível que nos leva à fusão e nos torna insubstituíveis, únicos um para o outro. O ente amado se converte naquele que não pode ser senão ele - o absolutamente especial. E isso acontece mesmo contra a nossa vontade, e apesar de acreditarmos por algum tempo que podemos viver sem ele, e que podemos encontrar essa mesma felicidade em outra pessoa qualquer. Mas não ocorre bem assim. Basta uma breve separação para termos a certeza de que este amado é portador de algo inconfundível, algo que sempre nos faltou, que se revelou através dele e que sem ele não podemos encontrar de novo, enfim, que represente simbolicamente a diversidade e a unicidade de quem amamos. Os fatos sociais por si mesmos, só aparentemente nos demonstram que nossa sexualidade de manifesta de maneira comum, quotidiana e de maneira extraordinára, afetiva, descontínua. 

A sexualidade se transforma no meio pelo qual a vida explora as fronteiras do impossível, os horizontes do imaginário e da natureza, o que é revelador, acidental ou não, é que estamos diante do estado nascente. Em tal período, historicamente falando, a maior parte dos indivíduos nomeados ministros do Trabalho eram ou tinham sido membros da Sociedade Fabiana. Nascido no distrito Borough da Grande Londres, na juventude foi aprendiz de negociante de panos, a sua experiência nesta ocupação, veio mais tarde a ser usada como material para o romance Kipps (1905). Em 1883, tornou-se professor na Midhurst Grammar School, até ganhar uma bolsa na Escola Normal de Ciências em Londres, para estudar biologia com T. H. Huxley (1825-1895). Nos seus primeiros romances, descritos ao mesmo tempo como “Romance científico”, inventou uma série de temas que foram mais tarde aprofundados por outros escritores de ficção científica, e que entraram na cultura popular em trabalhos como A Máquina do Tempo, O Homem Invisível e A Guerra dos Mundos. Outros romances, de natureza não fantástica, foram bem recebidos, sendo exemplos a sátira à publicidade eduardiana Tono-Bungay e Kipps. Visionário, chegou a discutir em obras do início do século XX questões como a ameaça de guerra nuclear, o advento de Estado Mundial e a Ética na manipulação de animais. 

Desde muito cedo na sua carreira, Wells sentiu que devia haver uma maneira melhor de organizar a sociedade, e escreveu alguns romances utópicos. Começavam, em geral, com o mundo a caminhar inexoravelmente em direção a uma catástrofe, até que as pessoas se apercebiam da existência de uma maneira melhor para viver, ou através dos gases misteriosos de um cometa, que fariam com que elas propriamente começassem a comportar-se racionalmente (Os Dias do Cometa), ou pela tomada do poder por um conselho mundial de cientistas, como em The Shape of Things to Come (1933), livro que o próprio Wells adaptou mais tarde para o filme de Alexander Korda (1893-1956), Daqui a Cem Anos (1936). Aqui descrevia-se, com demasiada exatidão, a guerra que estava a chegar, com cidades a serem destruídas por bombardeamentos aéreos. Ele analisa a dicotomia entre a natureza e a educação e questiona a humanidade em livros como A Ilha do Dr. Moreau (1996). Nem todos os seus romances terminam em feliz Utopia, como demonstra o distópico When the Sleeper Awakes (1899). Ipso facto, “A Ilha do Dr. Moreau” ainda é mais sombria. O narrador, após ficar encurralado numa ilha cheia de animais vivissectados (sem sucesso) até se transformarem em seres humanos, acaba por regressar à Inglaterra e, tal como Gulliver no regresso do país dos Houyhnhms, vê-se incapaz de afastar a percepção dos membros da sua própria espécie como bestas só ligeiramente civilizadas, regressando pouco a pouco à sua natureza animal.

Etnograficamente o desenvolvimento de um novo filme baseado em O Homem Invisível começou em 2006. O projeto cinematográfico foi revivido como parte do universo cinematográfico compartilhado dos monstros clássicos da Universal Dark Universe, com Johnny Depp anexado para estrelar o filme. Depois que The Mummy foi lançado em 2017 e foi um aparente fracasso crítico e financeiro, o desenvolvimento foi interrompido em todos os projetos. No início de 2019, o estúdio mudou seus planos de um universo serializado para filmes baseados em histórias individualizadas e o projeto reentrou no desenvolvimento. A filmagem principal durou de julho a setembro de 2019 em Sydney, Austrália. O Homem Invisível foi lançado nos Estados Unidos da América em 28 de fevereiro de 2020 pela Universal Pictures. O filme recebeu críticas positivas da crítica, com elogios ao desempenho de Moss, sua modernização inventiva da trama do romance e a combinação de sustos com “uma narrativa inteligente sobre como as pessoas podem ser manipuladas e abusadas em relacionamentos prejudiciais”, e faturou US$145 milhões em todo o mundo globalizado contra um orçamento de US$7 milhões. Afinal, do que se trata no novo filme? Cecilia “Cee” Kass planeja sua fuga da mansão de seu namorado abusivo Adrian Griffin, um rico cientista especializado em óptica, e o faz drogando-o com Diazepam, um medicamento do grupo de benzodiazepinas que, normalmente, produz um efeito calmante.   

Costuma ser utilizado para tratar pessoas com diferentes condições de saúde, incluindo ansiedade, síndrome de abstinência alcoólica, síndrome de abstinência benzodiazepínica, espasmos musculares, convulsões, insônias e a chamada síndrome das pernas inquietas. Também é utilizado antes de certos procedimentos clínicos ou exames, como a endoscopia e tomografia, e de procedimentos cirúrgicos, para induzir amnésia anterretrógrada. Pode ser tomado via oral, inserido através do reto, injetado no músculo ou numa veia. Quando administrado numa veia, os efeitos começam a aparecer dentro de um a cinco minutos e duram até uma hora. Por via oral, os efeitos podem demorar cerca de 40 minutos a aparecer. Os efeitos secundários mais comuns incluem sonolência e problemas de coordenação. Os efeitos secundários graves são raros, e podem suscitar pensamentos suicidas, diminuição da frequência respiratória e aumento do risco de convulsões se usado com muita frequência em pessoas com epilepsia. Ocasionalmente pode causar excitação ou agitação psicomotora.

Os pacientes de longo prazo podem vir a adquirir tolerância ao BZD, dependência ou sintomas de abstinência com a redução da dose. A abrupta interrupção do uso do medicamento a longo prazo pode ser extremamente perigosa. Podem persistir problemas cognitivos por seis meses ou mais. Não é aconselhável o seu uso durante a gravidez ou amamentação. O seu mecanismo de ação dá-se sobre o neurotransmissor de ácido gama-aminobutírico (GABA), provocando a inibição da transmissão da serotonina. O Diazepam foi sintetizado pela primeira vez por Leo Sternbach (1908-2005), e foi pela primeira vez manufaturado por Hoffmann-La Roche. Tem sido um dos medicamentos mais receitados no mundo desde que foi lançado, em 1963. Nos Estados Unidos da América, foi a medicação mais comercializado entre os anos 1968 e 1982, com vendas que ultrapassaram os dois bilhões de comprimidos só em 1978. Em 1985, à data do termo da patente, havia na altura mais de 500 marcas disponíveis no mercado. O Diazepam consta na Lista de Medicamentos Essenciais da OMS, um dos mais importantes medicamentos essenciais num sistema básico de saúde. O custo grossista no mundo em desenvolvimento é de cerca de 0,01 dólares por dose desde 2014. Nos Estados Unidos é de cerca de 0,40 dólares por dose.

James Wan, nascido em 26 de fevereiro de 1977 é um cineasta australiano nascido na Malásia. Ele trabalhou principalmente no gênero de terror como cocriador das franquias Jogos Mortais e Sobrenatural e criador do Universo Invocação do Mal. Este último é a franquia de terror de maior bilheteria, com mais de US$ 2 bilhões. Wan também é o fundador da produtora de cinema e televisão Atomic Monster. Wan estreou na direção de longas-metragens com Saw em 2004. A franquia Saw tornou-se um sucesso comercial, arrecadando mais de US$ 1 bilhão mundialmente. Após um período de contratempos, Wan encontrou novo sucesso com a série Insidious, na qual dirigiu o primeiro filme em 2010 e sua sequência em 2013. No mesmo ano do segundo Insidious, Wan dirigiu o primeiro filme de Invocação do Mal, obtendo sucesso de crítica e público. Ele dirigiu o segundo filme da franquia em 2016 e produziu os filmes subsequentes. Fora do gênero terror, Wan dirigiu Velozes e Furiosos 7 (2015), o sétimo filme da franquia Velozes e Furiosos, e os filmes de super-heróis do Universo Estendido da DC, Aquaman (2018) e sua sequência, Aquaman e o Reino Perdido (2023). Tanto Velozes e Furiosos 7 (2015) quanto Aquaman (2018) arrecadaram mais de US$ 1 bilhão, tornando Wan o oitavo diretor com dois filmes a atingir esse marco. Ele é o 16º diretor com maior bilheteria de todos os tempos em 2021, com seus filmes tendo arrecadado mais de US$ 3,7 bilhões em todo o mundo.

James Wan nasceu em 26 de fevereiro de 1977 em Kuching, Sarawak, Malásia, filho de pais sino-malaios. Wan e sua família mudaram-se para Perth, Austrália Ocidental, quando ele tinha sete anos. Wan freqüentou a West Leederville Primary School seguida pela Willetton Senior High School em Perth, e depois o Lake Tuggeranong College em Canberra. Wan então se mudou para Melbourne, onde frequentou o Royal Melbourne Institute of Technology (RMIT). Ele se formou no RMIT com um Bacharelado em Artes em mídia em 1999. No início de 2013, Wan iniciou negociações com a Universal Pictures para dirigir o sétimo filme da franquia de ação Velozes e Furiosos, depois que Justin Lin, que dirigiu as quatro sequências anteriores, confirmou que não continuaria como diretor em janeiro de 2013. Wan estava entre os finalistas para a direção, juntamente com Jeff Wadlow, Baltasar Kormákur e Harald Zwart. A confirmação final de que Wan dirigiria o filme foi revelada em abril de 2013, com a aprovação de Lin. O filme, Velozes e Furiosos 7, foi lançado em abril de 2015. Tornou-se o filme de maior sucesso comercial da franquia, arrecadando mais de US$ 1,516 bilhão e recebeu críticas positivas. Wan fechou posteriormente um acordo para dirigir Invocação do Mal 2 como parte de um importante contrato de longo prazo com a New Line Cinema. O chefe da New Line, Toby Emmerich, explicou que Wan é o único diretor com quem o estúdio assinou um contrato, pois a New Line considera Wan “único”.   

 O filme foi lançado em 10 de junho de 2016, com grande aclamação da crítica e sucesso comercial. No mesmo mês, Wan lançou sua própria produtora, Atomic Monster, na New Line Cinema. Com a empresa, ele desenvolve e produz filmes de baixo orçamento nos gêneros de ficção científica, terror e comédia. Os filmes produzidos pelo selo incluem Invocação do Mal 2 e Quando as Luzes se Apagam. Wan produziu posteriormente Demonic, um filme de terror da Dimension Films com lançamento previsto para dezembro de 2014, juntamente com Lee Clay. Wan concebeu a ideia para o filme, que foi dirigido por Will Canon e tem Maria Bello no papel principal. Max La Bella escreveu o roteiro. O filme foi finalmente lançado em VOD em agosto de 2017. Ele então produziu Annabelle, um spin-off de Invocação do Mal que serviu como prelúdio para o filme de 2013. O spin-off foi lucrativo, feito com um orçamento de US$ 6,5 milhões e arrecadando mais de US$ 256 milhões. Como parte da franquia, ele produziu o filme prelúdio Annabelle: A Criação (2017), outro filme de terror derivado de Invocação do Mal, A Freira (2018), e Annabelle 3: De Volta para Casa (2019). Wan co-escreveu A Freira e Annabelle 3: De Volta para Casa com Gary Dauberman. Em 2018, Wan dirigiu o filme de super-herói do Universo Estendido da DC, Aquaman. O filme arrecadou mais de US$ 1,148 bilhão em todo o mundo, tornando-se o filme de maior bilheteria do Universo Estendido da DC, bem como o filme de maior bilheteria baseado em um personagem da DC Comics, superando Batman: O Cavaleiro das Trevas Ressurge.

 Em 2019, Wan desenvolveu uma série de televisão baseada no personagem Monstro do Pântano para o serviço de streaming DC Universe. Em 7 de agosto de 2015, Wan assinou contrato para produzir o reboot de Mortal Kombat da New Line Cinema em 2021. Quatro anos depois, o orçamento do governo da Austrália do Sul incluiu um grande aumento para a South Australian Film Corporation, com o reboot de Mortal Kombat, a maior produção cinematográfica da história do estado, sendo um dos principais beneficiários. Em fevereiro de 2018, foi confirmado que Wan seria o produtor executivo da adaptação animada da série de quadrinhos Usagi Yojimbo, de Stan Sakai. A série animada estreou na Netflix em 2022 com o título Samurai Rabbit: The Usagi Chronicles. Em 2021, Wan dirigiu o filme de terror Malignant, estrelado por Annabelle Wallis, e coproduziu a adaptação cinematográfica do romance slasher There`s Someone Inside Your House, de Stephanie Perkins, sob seu selo Atomic Monster, juntamente com a 21 Laps Entertainment de Shawn Levy para a Netflix. Também em 2021, Wan foi produtor executivo da adaptação televisiva de Eu Sei o Que Vocês Fizeram no Verão Passado para a Amazon Prime. Em 16 de novembro de 2022, foi anunciado que a produtora de Wan, Atomic Monster, estava em negociações para se fundir com a Blumhouse Productions de Jason Blum, tendo um acordo de prioridade compartilhada com a Universal Pictures. Ambas as empresas continuariam a operar como selos separados, mantendo cada uma sua própria autonomia criativa e identidade de marca.

Bibliografia Geral Consultada.

WELLS, Herbert George, História Universal. Tradução por Anísio Teixeira. São Paulo: Companhia Editora Nacional, 1956; DELBÈE, Anne, Une Femme. Paris: Presses de la Renaissance, 1982; CESAREIA, Eusebio de, La Préparation Évangelique. Paris: Éditions du Cerf, 1982; DE MASI, Domenico (Organizzazione), L`Emozione e la Regola. I Gruppi Creativi in Europa dal 1850 al 1950. Bari: La Casa Editrice Laterza, 1991; COLLIOT-THÉLÈNE, Catherine, Le Désenchantement de l`État: de Hegel a Max Weber. Paris: Éditions Minuit, 1992; FONTAINE, Laurence, Histoire du Colportage, XVe-XIXè Siècles. Paris: Éditions Albin Michel, 1993; JUNGBLUT, Airton Luiz, Nos Chats do Senhor: Um Estudo Antropológico sobre a Presença Evangélica no Ciberespaço Brasileiro. Tese de Doutorado. Programa de Pós-Graduação em Antropologia Social. Porto Alegre: Universidade Federal do Rio Grande do Sul, 2000; ELLISON, Ralph, Invisible Man. Londres: Éditeur Random House, 2002; JASMIN, Marcelo, Alexis de Tocqueville: A Historiografia como Ciência da Política. 2ª edição. Belo Horizonte: Editora da Universidade Federal de Minas Gerais; Rio de Janeiro: Instituto Universitário de Pesquisas do Estado do Rio de Janeiro, 2005; MERLEAU-PONTY, Maurice, Le Primat de la Perception et ses Conséquences Philosophiques, Précédé de, Projet de Travail sur la Nature de la Perception. Lagrasse: Éditions Verdier, 1996; Idem, Le Visible et le Invisible. Paris: Éditions Gallimard, 1996; Idem, O Visível e o Invisível. 4ª edição. São Paulo: Editora Perspectiva, 2007; ZILLI, Bruno Dallacort, A Perversão Domesticada: Estudo do Discurso de Legitimação do BDSM na Internet e seu Diálogo com a Psiquiatria. Dissertação de Mestrado em Medicina Social. Programa de Pós-Graduação em Saúde Coletiva. Rio de Janeiro: Universidade do Estado do Rio de Janeiro, 2007; WEBER, Max, La Objetividad del Conocimiento en la Ciencia Social y en la Política Social. Madrid: Alianza Editorial, 2009; MONTEIRO, Daniel Lago, William Hazlitt, um Ensaísta ao Rés-do-chão: Ensaio e Crítica. Tese de Doutorado. Programa de Pós-Graduação em Teoria Literária e Literatura Comparada. Departamento de Letras. Faculdade de Filosofia, Letras e Ciências Humanas. São Paulo: Universidade de São Paulo, 2016; MEUCCI, Arthur; HONNETH, Axel, “A Invisibilidade Social como Desrespeito na Teoria do Reconhecimento de Axel Honneth”. In: Violência, Dor e Sofrimento • Estud. Av. 40 (116) • Jan.-Apr. 2026; entre outros.