“A música tem força para lutar contra as injustiças do mundo”. Gal Costa
Gal Maria da Graça
Penna Burgos, nascida Maria da Graça Costa Penna Burgos em Salvador, em 26
de setembro de 1945 e falecida em São Paulo, em 9 de novembro de 2022, foi uma
cantora, compositora e musicista brasileira. Considerada uma das cantoras mais
pluralistas do Brasil e do mundo, Gal Costa transitou em quase todos os gêneros
musicais e foi a cantora brasileira mais bem posicionada na lista de 200
maiores cantores e cantoras de todos os tempos pela revista Rolling Stone,
bem como foi eleita, pela revista Time, uma das 10 maiores cantoras do
mundo. A Rolling Stone foi fundada em 1967, na cidade de São Francisco,
Califórnia, por Jann Wenner, Editor e publicista e pelo crítico musical Ralph
J. Gleason (1917-1975). Para fazer a revista comercial “sair do chão”, Wenner
pediu emprestado US$7.500,00 de seus parentes e da família de Jane Wenner, que
era sua noiva na ocasião. A Rolling Stone, a princípio, foi uma revista
dedicada à contracultura hippie da década de 1970. Contudo, a revista foi se
distanciando dos jornais underground de seu tempo, como o Berkeley
Barb, adotando padrões jornalísticos mais tradicionais e evitando as
políticas radicais do jornalismo underground que tem sido tem sido
empregado com mais frequência para se referir aos jornais subterrâneos
publicados e distribuídos de forma independente, associados à contracultura do
final dos anos 1960 e início dos anos 1970 na Índia e em Bangladesh, na Ásia,
nos Estados Unidos e no Canadá, na América do Norte, e no Reino Unido e em
outras nações ocidentais.
Também pode se referir
aos jornais produzidos de forma independente em regimes repressivos. Na Europa
ocupada pelos alemães, por exemplo, uma próspera imprensa subterrânea operou,
geralmente em associação com a Resistência. Outros exemplos notáveis incluem
o Samizdat e o bibuła, que operaram na União Soviética e na
Polônia, respectivamente, durante a chamada Guerra Fria. Na primeira edição,
Wenner escreveu que a Rolling Stone “não é só sobre música, mas sobre as
coisas e atitudes que a música envolve”. Isto se tornou o de facto motto
da revista, isto é, um acontecimento real ou uma prática que visível que
ocorre, independentemente do reconhecimento oficial. Nos anos de 1970, Rolling
Stone começou a fazer sua marca pela sua cobertura política, como o
jornalismo gonzo de Hunter S. Thompson escrevendo para a seção de política da
revista. A revista era tão popular durante este tempo que foi realizado um single,
interpretado por Dr. Hook & the Medicine Show, chamado “Cover of the
Rolling Stone” escrito por Shel Silverstein que se tornou um sucesso. Dr Hook,
eventualmente, teve o seu sonho realizado saindo na capa da revista Rolling
Stone. Na década de 1980 a revista
mudou-se para a cidade de Nova Iorque, para ficar mais próxima das agências de
propaganda, e muitos articulistas dizem que sua mudança de cultura começou
neste ponto. No início da década de 2000, encarando uma competição maior de
revistas masculinas como FHM, a Rolling Stone reinventou-se contratando o
ex-editor da For Him Magazine (FHM), Ed Needham.
É uma revista britânica mensal internacional que se dirige ao público masculino. É publicada em mais de 25 países. A revista começou a focalizar numa faixa etária menor, e oferecendo conteúdo mais orientado para cada sexo, o que levou frequentemente a focalizar em sexys jovens atores de filmes ou televisão e também de música pop. Na ocasião alguns leitores fiéis protestaram contra a revista, dizendo que tinha caído de sua qualidade musical e observadora da contracultura para um tabloide superficial, com mais ênfases per se no estilo do que na substância. Desde então, Rolling Stone retornou a sua “mistura” tradicional de conteúdo, incluindo entrevistas políticas a fundo, e tem visto suas publicações atualmente 1.4 milhões e lucros subindo. Em 2007 o lucro da revista subiu 23,3 porcento. Em 2007 a revista ganhou o National Magazine Award por excelência em geral. Indo em direção a edição da revista de título “50th Anniversary of Rock”, em 2004, Rolling Stone começou a publicar uma série de listas comerciais de “melhores de todos os tempos” para reconhecer realizações históricas no campo de Música. Os 100 melhores guitarristas de todos os tempos e os 500 melhores álbuns de todos os tempos apareceram em 2003, seguidos pelos “50 momentos que mudaram a história do Rock & Roll” e “500 melhores canções de todos os tempos” em 2004. A revista também publicou: “Os imortais da Rolling Stone” e a lista de “100 melhores artistas do nosso tempo”. Em 2006 a Rolling Stone publicou a sua extraordinária 1000ª tiragem em termos de produção-consumo. A capa da revista, que foi influenciada pela capa do disco dos Beatles, Sgt. Pepper`s Lonely Heart Club Band, demonstrava algumas das mais influenciadoras celebridades sobre as quais a Revista já havia escrito matérias.
Desnecessário dizer que
a palavra rock representa uma longa história de vida no idioma inglês
como uma metáfora para to “shake up, to disturb or to incite”. Em
1937, Chick Webb (1905-1939) e Ella Fitzgerald (1917-1996) gravaram “Rock It
for Me”, que incluía na letra o verso “So won`t you satisfy my soul with the
rock and roll”. Entretanto,
o termo “Rocking” era usado por cantores negros gospel no Sul dos Estados
Unidos da América para dizer algo semelhante ao êxtase espiritual. Pela década
de 1940, no entanto, o termo foi usado como um duplo sentido, referindo-se
pretensamente a dançar e ao ato sexual, como em “Good Rocking Tonight”, de Roy
Brown. O verbo “roll” era uma metáfora medieval que significava “ter relações
sexuais”. Durante centenas de anos, escritores têm utilizado expressões como
“They had a roll in the hay” (Eles tinham um rolo no feno) ou “I rolled her in
the clover” (Eu transei com ela no trevo). Os termos eram muitas vezes
utilizados em conjunto (“rocking-and-rolling”) para descrever o
movimento de um navio no mar, por exemplo, como na canção “Rock and Roll”, das
Irmãs Boswell, em 1934, que apareceu no filme: “Transatlantic Merry-Go-Round”,
naquele mesmo ano, e na canção “Rockin ´Rollin` Mama”, de Buddy Jones em 1939.
O cantor country Tommy Scott se referia ao movimento de um trem na
ferrovia em “Rockin e Rollin”, de 1951.
Durante as décadas de
1930 e 1940, o cinema norte-americano viveu sua chamada “Era de Ouro”. O país
se recuperava da Grande Depressão ocasionada pela primeira grande crise do
capitalismo, e o cinema era uma forma de incentivo para a reconstituição moral da
população. O rock and roll, conhecido também como rock`n`roll, é um
estilo musical que surgiu nos Estados Unidos da América no final dos anos 1940
e início dos anos 1950, com raízes nos estilos musicais norte-americanos, como:
country, blues, R&B e gospel, e que rapidamente se espalhou
para o resto do mundo ocidental. O instrumento comum neste estilo é guitarra,
sempre presente nas bandas, podendo possuir um único instrumentista, ou dois
com funções diferenciadas de guitarrista base e solo. Na origem e significado
do “rock and roll”, também se utilizava o piano ou o saxofone frequentemente
como instrumentos bases, mas estes foram substituídos ou suplantados geralmente
pela guitarra a partir da metade dos anos 1950. A batida é essencialmente um
blues com country com contratempo acentuado, este último quase fornecido pelo
recurso utilizado por uma caixa-clara. A enorme popularidade e eventual visão
no mundo inteiro do rock and roll deu-lhe um impacto social único. Muito além
de ser um gênero musical, como visto pela epifania dos filmes e na televisão e
de acordo com a mídia que se desenvolvia comercialmente influenciou estilos de
vida, moda, atitudes e linguagem.
Poucos músicos negros de rhythm and blues, notadamente Louis Jordan, The Mills Brothers e The Ink Spots, alcançaram algum sucesso, embora em alguns casos, como o da canção “Choo Choo Ch`Boogie”, de Jordan, este êxito tenha sido alcançado com canções escritas por compositores de origem branca. O gênero “western swing” da década de 1930, geralmente tocado por músicos brancos, também seduziu o blues e diretamente influenciou o “rockabilly” e o “rock and roll”, como pode ser ouvido, por exemplo, na canção “Jailhouse Rock”, de Elvis Presley, de 1957. Vale lembrar que o desenvolvimento do rock and roll foi um processo evolutivo, em que não há um registro etnográfico único que pode ser identificado como inequivocamente “o primeiro” disco de rock and roll. Candidatos para o título de “primeiro disco de rock and roll” incluem “Strange Things Happening Everyday” de Rosetta Tharpe (1944); “Rock Awhile” de Goree Carter (1949); “Rock the Joint” de Jimmy Preston (1949), que mais tarde foi regravado por Bill Haley & His Comets, em 1952; “Rocket 88” de Jackie Brenston and his Delta Cats, na verdade, Ike Turner e sua banda The Kings of Rhythm, gravada na Sun Records de Sam Phillips em março de 1951, em termos de seu grande impacto cultural norte-americano e em outros lugares e espaços do mundo ocidental consumidor, “Rock Around the Clock” de Bill Haley, gravada em 1954, não foi um sucesso comercial até o ano seguinte. É um marco, mas foi precedida de muitas gravações das décadas anteriores em que seus elementos podem ser detectados.
Em primeiro lugar,
“contracultura” é um movimento que tem seu auge na década de 1960 quando teve
lugar e espaço um estilo de mobilização e contestação social e utilizando novos
meios de comunicação em massa. Jovens inovando estilos, voltando-se mais para o
antissocial aos olhos das famílias mais conservadoras, com um espírito mais
libertário, resumido como uma cultura underground, “cultura alternativa”
ou “cultura marginal”, focada principalmente nas transformações da consciência,
dos valores e do comportamento, na busca de outros espaços e novos canais de
expressão para o indivíduo e pequenas realidades do cotidiano, embora o
movimento hippie, que representa esse auge, almejasse a transformação da
sociedade como um todo, através da tomada de consciência, da mudança de atitude
e conhecimento do protesto político. O movimento hippie foi um comportamento
coletivo de contracultura dos anos 1960. Embora tendo uma relativa queda de
popularidade nos anos 1970 nos Estados Unidos da América, a célebre máxima paz
e amor (“Peace and Love”), que precedeu a expressão “Ban the Bomb”, a qual
criticava severamente o uso de armas nucleares. As questões ambientais, a
prática de nudismo (ou naturismo) e a emancipação sexual eram ideias
respeitadas recorrentemente através de atos públicos e caminhadas por estas
comunidades.
A contracultura no âmbito dos estudos e
pesquisas sobre as humanidades pode ser definida como um ideário altercador que
questiona valores centrais vigentes e instituídos na cultura ocidental.
Justamente por causa deste ponto de vista, são pessoas que costumam se excluir
socialmente e algumas que se negam a se adaptarem às visões aceitas pelo mundo.
Com o vultoso crescimento dos meios de comunicação massivos, a difusão de
normas, valores, gostos e padrões de comportamento se libertavam das amarras
tradicionais e locais - como a religiosa e a familiar -, ganhando uma dimensão
mais universal e aproximando a juventude de todo o globo, de uma maior
integração cultural e humana. Destarte, a contracultura desenvolveu-se na
América Latina, Europa e principalmente nos Estados Unidos onde os indivíduos
pragmáticos buscavam valores novos. Em
1971, foi organizado no vale de Avándaro perto da cidade de Toluca, uma vizinha
Cidade do México, e ficou conhecido como O Woodstock Mexicano. Nudez,
uso de drogas, bem como a presença da bandeira dos Estados Unidos
escandalizaram a sociedade mexicana conservadora a tal ponto que o governo
reprimiu performances de rock and roll pelo tempo restante da década. O
festival, comercializado como prova da modernização do México, nunca esperou
atrair as massas como se fez, e o governo teve de evacuar os participantes
encalhados em massa no final. Isso ocorreu durante a era do presidente Luis
Echeverría, uma época extremamente repressiva na história mexicana.
Os tempos estão
corridos, mutatis mutandis, para Sophie Charlotte. A atriz, que chegou
aos cinemas ontem como protagonista de “Meu nome é Gal”, vem cumprindo uma
agenda agitada de divulgação do longa, que incluiu pré-estreias em Salvador,
Recife, Belo Horizonte, Rio de Janeiro e São Paulo, além de entrevistas e
participações em programas de TV. Na manhã seguinte à première do longa-metragem
no Festival do Rio, no último sábado no Cine Odeon, em sessão
emocionante, marcando quase um ano da morte de Gal Costa, a atriz já estava no
Santos Dumont para embarcar para a capital paulistana. E foi no meio da
correria, em pleno aeroporto, que a atriz sentou com jornal O Globo para
falar sobre o projeto que considera “o filme de sua vida”. “Meu nome é Gal”, de
Dandara Ferreira e Lô Politi, retrata o período do desabrochar de Gal, nos anos
1960, quando a cantora deixa a Bahia a caminho do Rio de Janeiro, onde
reencontra Caetano Veloso, Gilberto Gil e Maria Bethânia. Juntos, transformam a
música brasileira e promovem a liberdade em um período de repressão. — Foi um
convite irresistível. A Dandara e a Lô me convidaram e eu falei um “sim”
imediatamente. Só depois que fui pensar nas consequências dessa
responsabilidade com relação a Gal e a tudo que ela representa na cultura
brasileira — diz a atriz de 34 anos, que está há cinco anos envolvida na
produção. Em 2014, a atriz cantou “Sua estupidez”, música de Roberto Carlos imortalizada
por Gal, em cena da novela “O rebu” (2014), uma refilmagem de um grande sucesso
de Bráulio Pedroso, exibido na telinha em 1974. No ano foi chamada por Roberto para
dividir o palco em seu especial de fim de ano, quando foi apresentada pelo Rei
como “uma alemãzinha brasileiríssima de nome francês”.
A apresentação foi
vista por Gal Costa (1945-2022), que não só deu o aval para a escolha de
Sophie, como disse para Dandara que a atriz tem um timbre de voz parecido com o
dela. — É surreal pensar nisso. Um sonho absoluto. Foi muito lindo ter essa
benção e essa permissão para viver essa aventura. Sem isso, acho que não
conseguiria, porque respeito muito a Gal, queria que ela ficasse feliz. Isso
foi o norte do filme — conta Sophie, que conheceu a cantora ao longo do
processo. — Estar na presença dela era sempre luminoso, ela sempre me tratou
com muito carinho. Tímida e discreta como a cantora que interpreta, Sophie
conta que a experiência no longa ajudou com que se sentisse mais solta
cantando, embora não tenha pretensões de trocar de profissão. Ela brinca que
agora se sente mais confortável para apresentar ao público algo que já faz no
chuveiro de casa, ou seja, soltar a voz. Além do trabalho para o longa, a atriz
pôde conviver com Gal brevemente durante um projeto musical de seu marido, o
ator Daniel de Oliveira. A cantora gravou uma música do ator, ainda inédita. —
Tive a oportunidade de ver o processo dela num estúdio. Ela pegou a música na
hora, não ficou estudando. Ela escutou, entrou no estúdio e fez um vocalize que
era uma conexão musical tão absoluta com uma coisa divina que fiquei
impressionada. Casada há nove anos com Daniel, com quem tem o filho Otto, de 7
anos, Sophie aproveitou o passado do marido com cinebiografias para pedir
dicas. O ator de 46 anos foi o protagonista de “Cazuza - O tempo não para”
(2004).
- Foi muito importante
essa troca com o Daniel, saber do processo dele e ter alguém do lado que
entendia os meus medos. Eu tinha 14 anos quando assisti (“Cazuza”) e me marcou
muito. Comecei a ouvir Cazuza a partir do filme. Agora, fico pensando se alguém
vai se interessar por Gal a partir do meu trabalho, seria lindo. Filha do
cabeleireiro paraense José Mário da Silva e da bióloga alemã Renate Elisabeth
Charlotte Wolf, Sophie viveu em Hamburgo, na Alemanha, até os 8 anos, quando se
mudou para o Brasil. Ela conta que o Brasil se fazia presente através da música
de nomes como Gal, Caetano, Gil, Chico, Bethânia e Milton. Para mim, eles são
os super-heróis que temos. Dava para fazer uma franquia com um filme de cada
um. São histórias tão ricas e incríveis. Nosso filme é sobre Gal, mas também
sobre essa geração do tropicalismo, com jovens artistas que imprimiram uma
marca da liberdade e da alegria em um momento político duro. A atriz dedica o
novo trabalho ao pai, que não chegou a ver o filme pronto, mas ficou
extremamente feliz ao saber que a filha interpretaria Gal Costa. Sophie sorri
ao lembrar que ele, morto em janeiro de 2021, chegou a comprar para ela vários
discos.
Ela tenta reproduzir
com o pequeno Otto a “educação através da arte e da cultura” que recebeu os
pais. — Meu imaginário foi criado a partir do meu pai e da minha mãe e do
encantamento deles pela arte. Eles me apresentaram a filmes clássicos e a
músicos que até hoje fazem parte da minha playlist — aponta. — Vim
dirigindo com o Otto e ele ama “Tô”, do Tom Zé. Ele ficou muito tempo fissurado
com “Barato total”, mas hoje fala que a música favorita da Gal dele é
“Atenção”, que é “Divino maravilhoso” (risos). Os próximos meses seguirão
movimentados para a atriz. No dia 26, ela chega aos cinemas com “O assassino”,
filme de David Fincher estrelado por Michael Fassbender para a Netflix (estreia
10 de novembro no streaming). Em novembro, ela embarca para o Sul, aonde irá
rodar “Virgínia e Adelaide”, novo filme de Jorge Furtado e Yasmin Thainá. No
mês seguinte, começa a atuar na refilmagem de “Renascer”. — Parece que eu estou
numa festa de aniversário de semanas, numa alegria total. Tenho um privilégio
de trabalhar com o que eu amo. O contorno entre “estou trabalhando” versus
“estou descansando” se mistura muito. Nos últimos anos, quando estava descansando,
eu também pesquisava e ouvia Gal — conta a atriz, feliz pelas oportunidades de
trabalhar no exterior. — Me interessa continuar trabalhando fora, mas não em
detrimento de qualquer coisa. Amo o cinema brasileiro e amo trabalhar em
novelas.
Deixa sua família para servir a pátria. Ele chega ao Central Park onde se encontra um grupo de jovens. um grande parque dentro da cidade de Nova Iorque. Possui uma área de 3,41 km² e está localizado no distrito de Manhattan. Foi o primeiro parque público nos Estados Unidos, inaugurado em 1857 com 3,15 km², e é considerado, por muitos nova-iorquinos, um oásis dentro da grande floresta de arranha-céus existente na região. É um lugar onde as pessoas podem diminuir o ritmo frenético de Nova Iorque. Com os aproximadamente 42 milhões de visitantes anualmente, o Central Park é o parque mais visitado da cidade e aparece em muitos filmes e programas de televisão, tornando-o conhecido no mundo todo. É geralmente sede de grandes filmes hollywoodianos e programas norte-americanos famosos. Embora o parque pareça natural, ele é, na verdade, ajardinado quase inteiramente e contém diversos lagos artificiais, trilhas para caminhadas, duas pistas de patinagem no gelo, um santuário vivo e campos diversos. Considerado pelo Guiness Book o lado verde de Nova Iorque, o parque foi projetado para dar um clima aconchegante a cidade e esquecer os arranha-céus espalhados por todos os lugares. Berger está lendo em voz alta para o grupo a convocação para o alistamento militar: - “Quem alterar, fraudar, destruir propositadamente, danificar propositadamente ou modificar de algum modo essa convocação, pode ser multado em até 10.000 dólares ou ser preso por até 5 anos”. Em seguida, o grupamento social como representação da contracultura queima a convocação e foge dos policiais que assistiam a tudo e passam a persegui-los. Está aí definida segundo escritor marxista francês Guy Debord (1966), a “dis-posição” cultural conscientemente ardilosa dos hippies frente à guerra de movimento de extermínio humano imperialista.
Maria da Graça Costa Penna Burgos era filha de Mariah Costa Penna, sua grande incentivadora, falecida em 1993, e de Arnaldo Burgos. Sua mãe contava que durante a gravidez passava horas concentrada ouvindo música clássica, como num ritual, com a intenção de que esse procedimento influenciasse na gestação e fizesse que a criança que estava por nascer fosse, de alguma forma, uma pessoa musical. O pai de Gal, morto quando ela estava com quatorze anos, aparentemente foi uma figura ausente, vazio plenamente preenchido pelo amor de sua mãe, além dos parentes. Por volta de muito tempo se torna amiga das irmãs Sandra e Dedé (Andreia) Gadelha, futuras esposas dos compositores Gilberto Gil e Caetano Veloso, respectivamente. As duas a apelidaram “Gau”, nome comum na Bahia como diminutivo de Maria da Graça. Em 1959, ouviu pela primeira vez o extraordinário cantor e músico João Gilberto cantando “Chega de Saudade” (Tom Jobim/Vinícius de Morais) no rádio; João também exerceu uma influência muito grande na carreira da cantora, que também trabalhou como balconista da principal loja de discos de Salvador, a Roni Discos. Em 1963, foi apresentada a Caetano Veloso por Dedé Gadelha, iniciando-se grande amizade e admiração mútua. Gal estreou ao lado de Caetano Veloso, Gilberto Gil, Maria Bethânia, Tom Zé e outros, o espetáculo Nós, Por Exemplo... em 22 de agosto de 1964, que inaugurou o Teatro Vila Velha, em Salvador.
Neste mesmo ano participou de Nova Bossa Velha, Velha
Bossa Nova, no mesmo local e com os mesmos parceiros. Deixou Salvador para
viver na casa da prima Nívea, no Rio de Janeiro, seguindo os passos de Maria
Bethânia, que havia “estourado”, como se dizia naquele tempo, como cantora no
espetáculo Opinião. A primeira gravação em disco se deu no disco de
estreia de Maria Bethânia (1965): o duo Sol Negro (Caetano
Veloso), seguido do primeiro compacto, com as canções: “Eu vim da Bahia”, de
Gilberto Gil, e “Sim, foi você”, de Caetano Veloso - ambos lançados pela Radio
Corporation of America (RCA), que posteriormente transformou-se em Bertelsmann
Music Group (BMG) atualmente Sony BMG, gravadora à qual Gal Costa retornaria em
1984, com o álbum Profana. No fim do ano conheceu João Gilberto
pessoalmente. No início da carreira e no primeiro compact disk, a
cantora se apresentava como “Maria da Graça”. Por sugestão do produtor
Guilherme Araújo, no entanto, adotou o nome artístico “Gal”, derivado de seu
apelido e soletrado seguindo a sugestão jocosa “GAL: Guilherme Araújo Limitada”.
Caetano Veloso não gostou da mudança, com razão, argumentando que “Gal” é
abreviatura de general, de modo que o nome “Gal Costa” a fazia parecer homônima
do então Presidente da República, o Gal. Costa e Silva. Em entrevista concedida
a Jô Soares, em 2013, a cantora revelou que havia alterado o registro civil
para incluir o apelido pelo qual ficou reconhecida nacionalmente, passando a se
chamar oficialmente Gal Maria da Graça Penna Burgos Costa.
Participou do I Festival Internacional da Canção, em 1966, interpretando a canção “Minha Senhora” de autoria de Gilberto Gil e Torquato Neto, mas que não emplacou. O primeiro Long Play foi lançado em 1967, ao lado do também estreante Caetano Veloso, Domingo, pela gravadora Philips, que posteriormente transformou-se em Polygram, atualmente Universal Music, permanecendo neste selo até 1983. Deste disco fez grande sucesso a canção “Coração Vagabundo”, de Caetano Veloso. Participou também do III Festival de Música Popular Brasileira defendendo as canções “Bom Dia” (de Gilberto Gil/Nana Caymmi) e Dadá Maria (de Renato Teixeira), esta última em dueto com Sílvio César no festival e com Renato Teixeira na gravação. Em 1968 participou do disco Tropicália ou Panis et Circencis (1968), com as canções “Mamãe Coragem” (de Caetano Veloso e Torquato Neto), “Parque Industrial” (de Tom Zé) e “Enquanto seu lobo não vem” (de Caetano Veloso), além de Baby (de Caetano Veloso), o primeiro grande sucesso solo, que se tornou um clássico da MPB. Em novembro participou do IV Festival da Record defendendo a canção “Divino Maravilhoso” (de Caetano Veloso e Gilberto Gil).
Lançou seu primeiro disco solo, Gal Costa (1969), que além de “Baby” e “Divino Maravilhoso” trouxe “Que Pena (Ele já não gosta mais de mim)” (de Jorge Ben Jor) e “Não Identificado” (de Caetano Veloso), todos grandes sucessos. Neste ano gravou o segundo disco solo, “Gal”, reconhecido como o psicodélico, que trouxe os hits “Meu Nome É Gal” (de Roberto e Erasmo Carlos) e “Cinema Olympia” (de Caetano Veloso). Deste disco foi gerado o espetáculo Gal!, e o mesmo figura como um dos registros mais radicais já feito na história da música brasileira. Em 1973 gravou o disco Índia, dirigido por Gil, que trouxe os sucessos “Índia” (de J. A. Flores e M. O. Guerreiro com versão José Fortuna) e “Volta” (de Lupicínio Rodrigues), e desse disco faz outro show muito bem-sucedido, também dirigido por Waly Salomão (1943-200), “Índia”. Nesse ano participou do festival Phono 73, que gerou três discos, onde Gal gravou com sucesso as músicas “Trem das Onze” (de Adoniran Barbosa) e “Oração de Mãe Menininha” (de Dorival Caymmi), em dueto com Maria Bethânia. Em 1974 Gal gravou o disco “Cantar”, dirigido por Caetano Veloso, que trouxe os sucessos “Barato total” (de Gilberto Gil), “Flor de maracujá” e “Até quem sabe” (ambas de João Donato e Lysia Enio) e “A Rã” (de João Donato e Caetano Veloso). Desse disco gerou o show “Cantar”, mas que curiosamente não foi bem recebido pelo público de Gal, por se tratar de disco muito suave, contrastando com a imagem singular que a cantora criara a partir do movimento tropicalista ou Tropicália foi um movimento cultural brasileiro de ruptura, que socialmente surgiu em 1967 e se desenvolveu até 1969, influenciando a música, arte, o cinema, o teatro e a literatura. Marcado pela mistura de elementos da tradição brasileira com a vanguarda e o rock internacional, o movimento propunha uma arte que refletisse as contradições do Brasil, tendo como expoentes artistas como Caetano Veloso, Gilberto Gil, Gal Costa, Os Mutantes e Tom Zé.
Em 1981, em seu Especial
produzido e exibido na TV Globo no programa Grandes Nomes, ao qual o nome do
seu especial foi seu nome de batismo, “Maria da Graça Costa Penna Burgos”, ao
qual no fim do especial usou uma roupa de franjas rosas, que foi comparado a um
boneco infantil da época. Exibida
mensalmente, a Série Grandes Nomes apresentou diferentes cantores e
compositores brasileiros. Cada programa era “batizado” com o nome completo do
artista homenageado. No entanto, os
críticos disseram que o que salvou o Especial foi sua apresentação com a
renomada cantora Elis Regina — o encontro de duas divas populares, além de uma
aula de musicalidade. Nessa participação, Gal começou cantando “Amor Até o Fim”,
música que fazia parte da discografia das duas, e ao meado da canção Elis
Regina chegou fazendo um dueto com Gal. Em seguida Elis cantou uma música
recém-lançada, “Aprendendo a Jogar”, e mais dois duetos: “Ilusão À Toa” e “Estrada
do Sol”. Além disso, também teve outro encontro histórico de revisitar o
repertório de Grande Otelo, música gravada originalmente por Carmen Miranda e
depois regravada por ele e Eliana Macedo em 1952, sendo que dessa vez foi
interpretada por ele e Gal numa interpretação bem-humorada de ambos. Em 1982
Gal gravou outro disco de sucesso, “Minha Voz”, em que se destacaram as
gravações de “Azul” (de Djavan), “Dom de Iludir, “Luz do Sol” (ambas de Caetano
Veloso), “Bloco do Prazer” (de Moraes Moreira & Fausto Nilo), “Verbos do
Amor” (de João Donato e Abel Silva) e “Pegando Fogo” (de Francisco Mattoso &
José Maria de Abreu). Em 1983 Gal gravou outro disco bem-sucedido
comercialmente, “Baby Gal”, que também se tornou um show, e que trouxe os
sucessos “Eternamente” (de autoria de Tunai, Sérgio Natureza e Liliane), “Mil
Perdões” (de Francisco Buarque de Hollanda, mais reconhecido como Chico
Buarque, é um cantor, compositor, violonista, dramaturgo, escritor e ator
brasileiro. É considerado por muitos críticos o maior artista vivo da música
brasileira, “Rumba Louca” (de Moacyr Albuquerque & Tavinho Paes), além da
regravação de “Baby”.
Com o descobrimento do
arquivo pessoal de Sebastião Bernardes de Souza Prata (1915-1993), reconhecido como
Grande Otelo, e sua recuperação com o apoio da empresa estatal de economia
Petrobras, o jornalista e crítico musical Sérgio Cabral pôde recompor passo a
passo a démarche pessoal e profissional deste notável artista, um lendário
“duende encantado e encantador” como definiu o ator Paulo José Gómez de Souza
(1937-2021). Da infância em Uberabinha, onde aos seis ou sete anos de idade, já
cantava para hóspedes de hotel “em troca de um tostão”, passando pelo mundo dos
circos e das companhias teatrais da década de 1920, pelo teatro de revistas, o
rádio, o cinema e a televisão, este livro narra a história social do garoto que
trocou família mais de uma vez, compôs a dramatis personae “morador de
rua” e Abrigo de Menores, e que, movido por uma extraordinária vocação para o
palco, chegou ao Rio de Janeiro, de onde sua fama se espalharia pelo resto do
país e do mundo. Sérgio Cabral (2007) nasceu no Rio de Janeiro, em 17 de maio
de 1937. É jornalista, escritor, compositor e pesquisador brasileiro, pai do
também jornalista e político Sérgio Cabral Filho, nascido no bairro suburbano
de Cascadura, na Zona Norte, no Rio de Janeiro, foi criado no subúrbio de
Cavalcante. Órfão de pai com 4 anos de idade, começou sua carreira em 1957,
como repórter policial do Diário da Noite, um jornal vespertino carioca
fundado em 1929 dos Diários Associados, o 3º maior conglomerado de mídia
e corporação maior da história da imprensa no Brasil.
Originalmente idealizado para a montagem do ballet teatro do Balé Teatro Guaíra (Curitiba, 1982), o espetáculo O Grande Circo Místico foi lançado em 1983. Gal Costa integrou o grupo seleto de artistas da Música Popular Brasileira que viajaram pelo país apresentando o projeto, um dos maiores e mais completos espetáculos teatrais, para uma plateia de mais de 200 mil pessoas, em quase 200 apresentações. Gal interpretou a canção A História de Lili Braun, musicado pela dupla Chico Buarque e Edu Lobo. O espetáculo narra a história de amor entre um aristocrata e uma acrobata e a saga da família austríaca proprietária do Circo Knie, que vagava pelo mundo nas primeiras décadas do século. Em 1984, Gal deixou a gravadora Philips e assina contrato com a RCA, onde gravou o disco “Profana”, como vimos, que trouxe os hits “Chuva de Prata” (de Ed Wilson & Ronaldo Bastos), “Nada Mais (Lately)” (de Stevie Wonder com a versão de Ronaldo Bastos), “Atrás da Luminosidade”, tema do Programa de Domingo da Rede Manchete e “Vaca Profana” (de Caetano Veloso). Em 25 de março de 1981, o governo anunciou os vencedores da licitação. Em 23 de julho de 1980, o governo federal anunciou a abertura da concorrência para duas novas redes de televisão, que surgiram das concessões das extintas Rede Tupi, TV Excelsior e TV Continental. O general-presidente João Figueiredo realizou as concessões aos grupos de Silvio Santos e Adolpho Bloch, e ainda nos decretos nº 85.841 e nº 85.842.
Das nove emissoras cedidas, quatro ficaram com o Grupo Silvio Santos e as outras cinco com o Grupo Bloch, que correspondiam aos canais 6 do Rio de Janeiro (antiga TV Tupi Rio de Janeiro), 9 de São Paulo (antiga TV Excelsior), 4 de Belo Horizonte (antiga TV Itacolomi), 2 de Fortaleza (antiga TV Ceará) e 6 do Recife (antiga TV Rádio Clube). Em 19 de agosto de 1981, os empresários assinaram os contratos definitivos das concessões. O SBT foi lançado pelo Grupo Silvio Santos nesta data, enquanto o Grupo Bloch decidiu adiar o lançamento para poder preparar o projeto da nova rede, investindo 50 milhões de dólares em instalações, equipamentos e enlatados e contratando 800 profissionais. O sobrinho de Adolpho Bloch, Pedro Jack Kapeller seguiu para os Estados Unidos e Japão, trazendo os equipamentos mais modernos. Bloch teria sido escolhido porque a revista Manchete elogiava o governo e porque seu sobrinho, Oscar Siegelman, era amigo do general Otávio Medeiros, do Serviço Nacional de Informações. Mas quase não a ganhou por causa da maneira como a revista cobria o carnaval: “Assim eu não vou dar a televisão para vocês”, disse Figueiredo a Oscar Siegelman. “Eu estive vendo a Manchete, é uma vergonha. Só dá bicha e mulher pelada e vocês vão colocar isso na televisão”. O presidente mudou de opinião depois que o jornalista Alexandre Garcia, seu ex-assessor de imprensa, disse que seria o diretor do Departamento de Jornalismo da emissora e não permitiria que cenas consideradas impróprias fossem ao ar. Em 20 de março de 1981, o Sindicato dos Radialistas do Estado de São Paulo divulgou uma nota oficial lamentando a decisão do Ministério das Comunicações em ceder duas concessões simultaneamente aos grupos de Adolpho Bloch e Silvio Santos, afirmando-se “de luto” e considerando que “foram ganhadoras as duas piores propostas, pois o Sr. Adolpho Bloch já fala numa rede para exibir filmes enquanto o Sr. Sílvio Santos está preocupado com o seu negócio Baú da Felicidade para a venda de carnês”. Em relação a Adolpho Bloch, o sindicato se referiu ao empresário como “proprietário de uma não muito promissora editora de revistas”.
Em janeiro de 1982, a
nova rede já tinha encomendado cerca de 35 milhões de dólares em equipamentos
(americanos, japoneses e ingleses), mais da metade do orçamento total estimado
em 50 milhões. Todas as instalações físicas da emissora estavam prontas à espera
dos equipamentos. Enquanto isso, o arquiteto Oscar Niemeyer trabalhava no
projeto do centro de produção nacional que funcionaria num terreno de 100 mil
m² na Barra da Tijuca (e que anos depois, foi erguido no bairro de Irajá). A
previsão, até então, era que a Manchete entraria no ar entre setembro e
novembro de 1982. Em relação à futura programação, era dito que seria dirigida
a “um público inteligente que assiste ou não à televisão (“classe A e B”) e
que, com certeza, estará voltada para temas brasileiros, dentro de um padrão
que mais se aproxima do europeu. Mais sério, menos apelativo e menos eletrônico”.
A direção explicou: “Em televisão tudo é muito veloz. O que se planeja muda
muito rápido. Quem sabe se até lá a TVS não será a campeã de audiência?”,
adiantando que a “Rede Manchete de Televisão será alegre, extrovertida, jovial,
mas também séria e a menos eletrônica possível”. Novamente, a estreia foi
adiada para março de 1983: “A gente não tem pressa: o Adolpho Bloch quer fazer
tudo direito, como manda o figurino. Sem dúvida vai ser a TV mais moderna do
mundo porque, além dos equipamentos ultrassofisticados, vai ser a primeira rede
que já começa com tudo pronto”, afirmava Rubens Furtado, diretor-geral.
Finalmente, em maio de 1983, foi anunciado que em 15 dias, em 5 de junho, às
19h, a Manchete iria iniciar suas transmissões em quatro estados: Rio de
Janeiro, São Paulo, Minas Gerais e Rio Grande do Sul, onde estava a sua
primeira afiliada, a TV Pampa de Porto Alegre. A expectativa da
inauguração foi crescendo desde a primeira transmissão experimental da emissora
às 15h27 do dia 13 de maio, uma sexta-feira.
Adolpho Bloch
representou um dos grandes incentivadores do governo do presidente Juscelino
Kubitschek (JK), defendendo especialmente a construção da nova capital. Foi
graças à divulgação por ele promovida que o slogan “50 anos em cinco” (cf.
Benevides, 1976), retirado de um discurso de campanha de Juscelino, se tornou
famoso como símbolo do governo JK, entre 1956 e 1961. Sua eleição foi marcada
pelo plano de ação “Cinquenta anos em cinco”, marca do desenvolvimentismo, já
que o ideal era trazer ao Brasil o desenvolvimento econômico e social. Segundo
JK, se com outros governantes este processo levaria cinquenta anos, com ele
levaria apenas cinco. Trouxe diversas empresas estrangeiras para o país, entre
elas, as automobilísticas Chrysler e Ford através do Grupo Executivo da
Indústria Automobilística, já que ele queria incentivar o comércio de carros,
além de televisões e outros bens de consumo duráveis. Em resumo, procurou
alinhar a economia brasileira à economia norte-americana. Foi também o primeiro
a abrir um escritório jornalístico no Planalto Central, para onde enviou dois
repórteres. Apostando no desenvolvimentismo do programa de metas de Juscelino e
publicando reportagens sobre a construção de Brasília, a Manchete
aumentou sua tiragem e seu volume de publicidade e, com a decadência de O
Cruzeiro, tornou-se a primeira revista brasileira. Com a situação
favorável, Bloch reequipou seu parque gráfico e criou revistas: Fatos e Fotos,
Jóia, Pais & Filhos, Ele & Ela, Desfile, Amiga, Sétimo Céu e outras.
A densidade de Manchete
com o programa das metas de JK fez com que o já então ex-presidente se
aproximasse do editor, justamente no momento em que a política dava uma
reviravolta e JK era cassado e obrigado a se exilar, sendo seu nome proibido de
receber menção na imprensa. Adolpho não tomou conhecimento da proibição e
continuou a dar ampla cobertura e corajosa defesa a JK. Com o nascimento da
primeira neta de Juscelino, em Portugal, Adolpho foi convidado a ser padrinho
de batismo. Em 1968, inaugurou a nova sede da sua editora, na Praia do Russel
(zona sul do Rio), com três prédios projetados por Oscar Niemeyer. Tornou-se
amigo íntimo de Juscelino Kubitschek e, quando este foi cassado e exilado pelo
regime militar golpista de 1º de abril de 1964, dois meses depois desconsiderou
a proibição que seu nome recebesse menção na imprensa, continuando a promover
publicamente a defesa do ex-presidente da República, de quem editaria as
memórias em três volumes. Embora mantivesse fidelidade a JK, Bloch apoiou a
ideologia do “Brasil Grande” promovida pelo regime militar instaurado em 1964.
Em novembro de 1968, inaugurou a nova sede de sua editora na praia do Russel,
Zona Sul da cidade do Rio de Janeiro, projetada pelo arquiteto comunista Oscar
Niemeyer, onde funcionariam, as redações do grupo, as emissoras de FM/AM, o
Museu de Arte Brasileira e o Teatro Adolfo Bloch, inaugurado em 1973.
Do saguão do prédio da
Manchete sairia, em 22 de agosto de 1976, o enterro do ex-presidente Juscelino
Kubitschek. A história social de Brasília, a capital do Brasil, localizada no
Distrito Federal, iniciou-se com as primeiras ideias da capital brasileira no
centro do território nacional. A necessidade de interiorizar a capital do país
parece ter sido sugerida pela primeira vez em meados do século XVIII, ou pelo
Marquês de Pombal, ou pelo cartógrafo italiano a seu serviço Francesco Tosi
Colombina. A ideia foi retomada pelos Inconfidentes, e foi reforçada logo após
a chegada da corte portuguesa ao Rio de Janeiro em 1808, quando esta cidade era
a capital do Brasil. A primeira menção ao nome de Brasília para a futura cidade
apareceu em um folheto anônimo publicado em 1822, e desde então seus sucessivos
projetos apareceram propondo a interiorização. A primeira Constituição da
República, de 1891, fixou legalmente a região onde deveria ser instalada a
capital, mas foi somente possível ocorrer em 1956, com a eleição de Juscelino
Kubitschek, através de uma aliança política formada por seis partidos,
Juscelino foi eleito Presidente da República em 3 de outubro de 1955, com
35,68% dos votos válidos, a menor votação de todos os presidentes eleitos de
1945 a 1960. Assim teve início a efetiva construção da cidade, inaugurada
incompleta em 21 de abril de 1960 após um apertado cronograma de trabalho,
seguindo o plano urbanístico de Lúcio Costa e orientação arquitetural de Oscar
Niemeyer. Os edifícios mais complexos, como os palácios e a catedral, seguiram
os projetos estruturais elaborados pelo engenheiro Joaquim Cardozo.
A partir desta data
histórica iniciou-se a transferência dos principais órgãos da administração
pública federal para a nova capital, e na abertura da década de 1970 estava em
pleno funcionamento. No desenrolar de sua história social e política, Brasília,
como capital nacional, e Distrito Federal testemunhou uma série de eventos e
palco de grandes manifestações populares. Planejada para 500 mil habitantes em
2000, segundo o Instituto Brasileiro de Geografia Estatística ela possuía nesta
data 2,05 milhões, sendo 1,96 milhões na área de zona urbana e cerca de 90 mil
na área de zona rural. Este é apenas um dos paradoxos que colorem a história de
Brasília. Concebida como um exemplo de ordem e eficiência urbana, como uma
proposta de vida moderna e otimista, que deveria ser um modelo de convivência
harmoniosa e integrada entre todas as classes, Brasília sofreu na prática
importantes distorções e adaptações em sua proposta “idealista primitiva”,
permitindo um crescimento desordenado e explosivo, segregando as classes
subalternas para a periferia e consagrando o Plano Piloto para o uso e
habitação das elites sociais e políticas, além da organização urbana não ter-se
revelado tão convidativa para convívio social e familiar como imaginaram seus
idealizadores, pelo menos para os primeiros de seus habitantes, que estavam
habituados a tradições diferentes. Controversa desde o início, custou aos
cofres públicos uma fortuna, jamais calculada exatamente, o que esteve
provavelmente entre as causas das crises financeiras nacionais dos anos
seguintes à sua construção. O projeto foi combatido como uma insensatez por
muitos, e aplaudido como resposta visionária e ao desafio
da modernização brasileira.
Em 1985 grava o disco “Bem
Bom”, com os sucessos “Sorte” (de Celso Fonseca & Ronaldo Bastos), cantada
em dueto com Caetano Veloso, e “Um Dia de Domingo” (de Michael Sullivan &
Paulo Massadas), em dueto com o extraordinário Tim Maia. Valendo-se ainda do
filão engajado da pós-ditadura e feminismo, cantou no coro da versão brasileira
de We Are the World, o hit americano que juntou vozes e levantou fundos para a África
no USA for África. O projeto Nordeste Já (1985) abraçou a causa da “seca
nordestina”, unindo 155 vozes numa criação coletiva, com as canções Chega de
Mágoa e Seca D`água. Elogiado pela competência das interpretações
individuais, o disco foi, no entanto, injustamente criticado pela incapacidade
de harmonizar as vozes e o enquadramento de cada uma delas no coro. Em atitude
que surpreendeu muitos dos fãs, em fevereiro deste mesmo ano, a cantora posou nua para a edição 127 da extinta revista Status,
poucos meses antes de completar 40 anos.
Lançou em 1987 o disco e o espetáculo Lua de Mel Como o Diabo Gosta,
aparentemente um fracasso de crítica, mas que trouxe mais alguns sucessos à
carreira da cantora: “Lua de mel” (de Lulu Santos), “Me faz bem” (de Milton
Nascimento & Fernando Brant) e “Viver e reviver (Here, There and
Everywhere)” (de Lennon & McCartney com versão de Fausto Nilo). Em
1988, Gal grava com grande sucesso a música “Brasil” (escrita por Cazuza, Nilo
Romero e George Israel) para a abertura da telenovela da TV Globo, Vale Tudo,
exibida de 16 de maio de 1988 a 6 de janeiro de 1989, em 204 capítulos.
Em 1990 gravou o disco “Plural”,
que trouxe os sucessos de “Alguém me disse” (de Jair Amorim & Evaldo
Gouveia), “Nua ideia” (de João Donato & Caetano Veloso) e “Cabelo” (de Jorge
Ben Jor & Arnaldo Antunes). Em 1992 lançou o disco “Gal”, com repertório em
boa parte extraído do show “Plural”, e do qual fez sucesso a música “Caminhos
cruzados” (de Tom Jobim & Newton Mendonça). Em 1993, Gal lançou o premiado
disco “O sorriso do gato de Alice”, produzido por Arto Lindsay, um cantor,
guitarrista, produtor musical e compositor estadunidense com o sucesso “Nuvem
negra” (de Djavan). Desse disco gerou-se o show de mesmo nome, com direção de
Gerald Thomas Sievers, um autor e diretor de teatro brasileiro com carreira
internacional. Seus trabalhos se dividem entre o Brasil, a Inglaterra, a
Alemanha e os Estados Unidos, que causou polêmica por Gal cantar a música “Brasil”
com os seios nus. Em 1994, reuniu-se com Gil, Caetano e Bethânia, na quadra da escola
de samba Mangueira, para o show “Doces Bárbaros na Mangueira”, que comemorou os
18 anos dos Doces Bárbaros. Em 1995, lançou “Mina d`água do meu canto”,
trazendo apenas composições de Chico Buarque e Caetano Veloso, e do qual fez
sucesso a música “Futuros amantes” (de Chico Buarque). Em 1997, gravou o CD “Acústico
MTV”, sucesso de vendas, no qual cantou vários sucessos de sua carreira e
lançou com sucesso uma nova versão de “Lanterna dos Afogados”, cantando ao lado
do autor da canção, Herbert Vianna. Em 1998 gravou o CD “Aquele frevo axé”, com
o hit “Imunização racional (Que beleza)” (de Tim Maia). Em 1999, lançou
um disco duplo ao vivo “Gal Costa Canta Tom Jobim Ao Vivo”, realizando o
projeto do maestro, que era fazer um disco com a cantora, embora sozinha.
Em 2001, gravou o CD “Gal
de tantos amores”, contendo a música “Caminhos do mar” (de Dorival Caymmi,
Danilo Caymmi e Dudu Falcão). Nesse mesmo ano, foi incluída no Hall of Fame
do Carnegie Hall, única cantora brasileira a participar do Hall, após
participar do show “40 anos de Bossa Nova”, em homenagem a Tom Jobim, ao lado
de César Camargo Mariano e outros artistas. Em 2002, lançou o CD “Bossa
Tropical”, no qual registrou a faixa “Socorro” (de Alice Ruiz & Arnaldo
Antunes), sucesso originalmente gravado pela cantora Cássia Eller. Em 2003
lançou o CD “Todas as Coisas e Eu”, contendo clássicos da MPB, como “Nossos
momentos” (de Haroldo Barbosa & Luis Reis), que fez um grande sucesso. Em
2005, lançou pela gravadora Trama o CD “Hoje”, produzido por César
Camargo Mariano, arranjador, pianista, tecladista, compositor, produtor e
empresário, tendo desenvolvido uma expressiva e aclamada carreira desde seus 16
anos de idade. onde Gal reuniu várias canções de compositores pouco conhecidos
do grande público, tendo se destacado “Mar e Sol” (de Carlos Rennó e Lokua
Kanza). Em 2006 realiza temporada na casa de shows Blue Note, em Nova
York, espetáculo que é gravado e lançado em setembro no CD Gal Costa Live At
The Blue Note, lançado originalmente nos Estados Unidos e Japão e somente
em 2007 no Brasil. Ainda em 2006 lançou pela gravadora Trama o CD e DVD “Gal
Costa Ao Vivo”, gravados durante a temporada do show “Hoje”. Em 2008, ficou na
90ª posição em uma lista dos 200 maiores cantores e cantoras de todos os tempos
elaborada pela revista estadunidense Rolling Stone, sendo a cantora
brasileira mais bem colocada e uma das três pessoas brasileiras a aparecerem na
lista junto com João Gilberto e Caetano Veloso.
Em 2009, reclusa nos últimos anos para se dedicar ao filho, Gabriel, Gal Costa volta aos palcos como convidada de Dionne Warwick, cantora norte-americana, prima da cantora Whitney Houston, irmã de Dee Dee Warwick e sobrinha de Cissy Houston. Ganhou fama como intérprete preferida dos compositores Burt Bacharach e Hal David, isto é, em show que estreou no Rio de Janeiro, passando por Curitiba, São Paulo e Porto Alegre. “Aquarela do Brasil” - o samba-exaltação de Ary Barroso que deu título a discos lançados tanto por Gal (em 1980) como por Dionne (em 1995), é um dos duetos do show, Em dezembro de 2011 lançou o álbum “Recanto”, produzido por Caetano Veloso e Moreno Veloso. O álbum teve arranjos eletrônicos idealizados por Caetano Veloso, Moreno Veloso e Kassin. Elogiadíssimo pela crítica, foi eleito o melhor álbum de 2011. Em 2012, Gal Costa foi eleita “a sétima maior voz da música brasileira de todos os tempos, pela revista Rolling Stone Brasil”. Depois de sete anos longe de discos e shows, Gal Costa estreou a turnê do elogiado álbum Recanto no Rio de Janeiro. Com direção de Caetano Veloso, autor de todas as músicas do CD, o show inaugurou a sofisticada casa de shows, à beira da lagoa Rodrigo de Freitas, Miranda. No repertório, além de canções inéditas como “Neguinho”, “Segunda”, “Tudo Dói” e “Miami Maculelê”, sucessos da carreira da cantora, entre eles, “Um Dia de Domingo”, “Baby”, “Meu Bem”, “Meu Mal”, “Modinha pra Gabriela”, “Força Estranha” e “Vapor Barato”, e canções que há muito ela não cantava, como “Da Maior Importância” e “Mãe”. No palco, Gal esteve acompanhada pelo trio Domenico Lancellotti (bateria e MPC), Pedro Baby (guitarra e violão) e Bruno Di Lullo (baixo e violão). O show seguiu em turnê pelo país e pelo exterior, como Portugal, Países Baixos, Israel, Itália e terminou na Festa Literária Internacional de Paraty em 2014, um festival literário lançado no ano de 2003 e realizado pela Associação Casa Azul. Acontece anualmente na cidade fluminense de Paraty, seguido de um último show no Uruguai.
No segundo semestre de 2014, Gal lançou o elogiadíssimo show Espelho d`água, título extraído da canção homônima que ganhou dos irmãos Camelo, e resgatou antigos sucessos como “Sua Estupidez”, “Tuareg”, “Caras e Bocas” e “Tigresa”. Nesse ano ainda foi lançado em CD e LP o registro de um show de Gal e Gil fizeram em Londres em novembro de 1971, gravado em estéreo diretamente da mesa de som no Student Centre da City University London, “Live in London ´71”. O repertório inclui muitas músicas do show “Fa-tal - Gal a Todo Vapor” é um álbum ao vivo da cantora lançado em 1971, que estreara um mês antes no Rio de Janeiro. Um destaque do disco é a enérgica gravação ao vivo de Acauã, onde Gal e Gil cantam juntos. Em 2015, Gal Costa realizou uma turnê em homenagem ao centenário de nascimento de Lupicínio Rodrigues (1914–2014). Idealizado pelo cantor, compositor e produtor musical J. Velloso, e produzido por Mauricio Pessoa, o show “Ela disse-me assim” foi dirigido por Caetano Velloso e pelo jornalista Marcus Preto. No fim de maio é lançado o disco Estratosférica, comemorando seus cinquenta de carreira, recheado de compositores novos como Céu, Criolo, Arthur Nogueira, Mallu Magalhães e antigos colegas, como Marisa Monte, Arnaldo Antunes, Caetano Veloso, Milton Nascimento, Tom Zé, Guilherme Arantes e João Donato. Com direção também assinada por Preto. Além disso, em 2016, o mesmo jornalista lançou um documentário sobre Gal, incluindo imagens do show Fa-tal gravadas pelo diretor Leon Hirszman em 1971. No ano de 2016, Gal foi ouvida pelo mundo, tendo sua voz em canções com Até Quem Sabe, Pontos de Luz e Vapor Barato sendo regravadas ou sampleadas por artistas e DJs. Neste ano também integrou um grupo de artistas, como Zélia Duncan, Elba Ramalho, Zeca Baleiro e Maria Gadú, que saíram em turnê com o Prêmio da Música Brasileira em homenagem à Gonzaguinha. Em 2017, Gal lançou um CD e DVD, baseado no show Estratosférica.
No dia 25 de novembro, o Multishow exibiu, ao vivo, Gal Costa, Gilberto Gil, e Nando Reis juntos no show da turnê “Trinca de Ases”, que também virou um CD e DVD em 2018. Neste mesmo ano lançou o elogiado álbum A Pele Do Futuro, com uma sonoridade que buscou remeter ao estilo musical soul e disco da década de 1970. As canções de trabalho foram “Palavras No Corpo”, “Sublime” e “Cuidando De Longe”, e o título do álbum foi retirado da letra da canção “Viagem Passageira”. Em setembro de 2019, Gal lançou o elogiado show A Pele do Futuro, com direção musical de Pupillo e direção geral de Marcus Preto, que virou um CD duplo e DVD. Gal Costa morreu em 9 de novembro de 2022, aos 77 anos. A assessoria da artista não esclareceu o motivo concreto do óbito. A cantora havia completado 57 anos de carreira e seria uma das atrações do festival Primavera Sound, que aconteceu em São Paulo no fim de semana anterior ao falecimento. A participação de Gal foi cancelada de última hora em razão da necessidade de recuperação da cantora após ter sido submetida a uma cirurgia para retirada de um nódulo na fossa nasal direita. Gal encontrava-se em plena atividade antes do procedimento e viajava o Brasil com a turnê “As várias pontas de uma estrela”, na qual interpretava sucessos da Música Popular Brasileira dos anos 1980. Além de espetáculos próprios, Gal estava na lista de diversos festivais de música nacionais e programava-se para uma turnê na Europa, que se iniciaria em novembro. O corpo de Gal foi velado no dia 11 de novembro, no Hall Monumental da Assembleia Legislativa de São Paulo, onde milhares de fãs puderam se despedir e prestar homenagens. No mesmo dia, seu corpo foi sepultado no Cemitério da Ordem Terceira do Carmo, no bairro da Consolação, também na capital paulista.
Gabriel Costa, único filho da cantora, através da advogada Luci Vieira Nunes, no entanto, requereu judicialmente a exumação do corpo da mãe, com o objetivo de fazer o translado dos restos mortais para um jazigo perpétuo no Cemitério São João Batista, no Rio de Janeiro (RJ), que ela já havia comprado para que fosse enterrada junto com sua mãe. Em 16 de julho de 2023, o programa Domingo Espetacular, da Record, exibiu reportagem na qual divulgou o atestado de óbito de Gal, que não havia sido revelado. O documento confirmou que a morte da cantora se deu por conta de um infarto agudo do miocárdio, além de uma neoplasia maligna de cabeça e pescoço. De acordo com o Terra, estima-se que Gal Costa tenha deixado fortuna de 30 milhões de reais para os seus herdeiros. A cantora era discreta quanto a sua vida pessoal. Durante sua vida manteve relacionamentos estáveis, mas nunca foi oficialmente casada. De 1991 a 1992, viveu junto com o empresário e violonista Marco Pereira. Gal Costa era reservadamente bissexual, e ao longo dos anos ficaram reconhecidos seus relacionamentos afetivos com anônimos e famosos, dentre eles, os cantores Tom Zé e Jorge Ben Jor, a cantora Marina Lima e a atriz Lúcia Veríssimo. Costa vivia desde 1998 com a empresária Wilma Petrillo. O único filho da cantora, Gabriel Costa, no entanto, defende que as duas eram apenas amigas, apesar de terem vivido mais de vinte anos juntas. Em entrevistas revelou nunca ter conseguido engravidar devido a obstrução nas trompas, doença que surgiu ainda na adolescência, e que tentou o processo de fertilização, mas não obteve êxito. Seguindo os conselhos de sua mãe, decidiu entrar na fila de adoção, mas só quando tivesse emocionalmente certa deste passo.
Em 2007, conseguiu adotar um menino de dois anos de idade, que sofria de raquitismo devido às condições de miserabilidade extrema na qual vivia em uma favela carioca antes de ir para o abrigo. Ela o batizou como Gabriel. Em entrevistas, informou que o processo de adoção foi rápido, pois a criança não contemplava as características físicas que a maioria dos adotantes procurava. Após décadas de vida no Rio de Janeiro, Gal voltou a viver em Salvador no início da década de 1990, e em 2012, mudou-se com seu filho para São Paulo, vivendo em uma mansão nos Jardins. Revelou para a mídia gostar de viver na Capital Paulista, tendo se adaptado rapidamente a grande metrópole, e que se tornou um ser humano melhor após a chegada de seu filho. Eventualmente era vista na mídia acompanhada de homens e mulheres anônimos. No quesito religião, Gal era adepta do candomblé, tendo sido iniciada no Terreiro do Gantois por Mãe Menininha. É um terreiro de candomblé em Salvador, especificamente no bairro da Federação. Foi tombado nacionalmente em 2002 pelo Instituto do Patrimônio Histórico e Artístico Nacional (IPHAN), sob o processo n.º 1471-T-00, 2002. Essa é outra grande casa de candomblé Queto (Alaqueto), que também nasceu da Casa Branca do Engenho Velho, foi fundado por Maria Júlia da Conceição Nazaré em 1849. O nome Gantois tem origem do Edouard Gantois, dono do terreno onde o templo religioso foi construído. O que diferencia o Gantois de outros terreiros tradicionais da Bahia, como o Ilê Axé Opô Afonjá, Casa Branca do Engenho Velho, Terreiro do Bogum e outros, é que a “sucessão se dá pela linhagem e não através de escolha pelo jogo de búzios”. Segundo o antropólogo Júlio Braga: “historicamente, o Gantois é um candomblé familiar de tradição hereditária consanguínea, em que os regentes são sempre do sexo feminino”, em entrevista fornecida ao jornal Correio da Bahia.
Bibliografia Geral Consultada.
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