Veja Como Eles Correm – Disciplina, Cinema & Paródia de Mistérios.

                                          “O arqueólogo é o melhor marido que uma mulher pode ter”. Agatha Christie

         See How They Run (“Veja Como Eles Correm”) tem como representação social um filme de “comédia e mistério” de 2022 dirigido por Tom George, escrito por Mark Chappell e produzido por Damian Jones e Gina Carter. O filme é estrelado por Saoirse Ronan, Sam Rockwell, Adrien Brody, Ruth Wilson, Reece Shearsmith, Harris Dickinson e David Oyelowo. O filme See How They Run estreou nos cinemas do Reino Unido em 9 de setembro de 2022 e na América do Norte em 16 de setembro de 2022, distribuído pela Searchlight Pictures. O Reino Unido formado por Inglaterra, Escócia, País de Gales e Irlanda do Norte, é uma nação insular situada no Noroeste da Europa. A Inglaterra de William Shakespeare e The Beatles, abriga a capital, Londres, um centro financeiro e cultural globalmente influente. Também na Inglaterra, ficam o neolítico Stonehenge, as termas romanas de Bath e as centenárias universidades de Oxford e Cambridge. O filme recebeu críticas positivas e arrecadou US$ 22 milhões em todo o mundo contemporâneo globalizado. Foi indicado ao prêmio de Melhor Filme Britânico na reunião da 76ª edição do British Academy Film Awards (BAFTA), entre premiações. Na trama cinematográfica em Londres, em 1953, a peça “A Ratoeira”, de Agatha Christie, celebra sua centésima apresentação, e o diretor norte-americano Leo Köpernick, reconhecido por sua conduta inescrupulosa, é contratado pelo produtor John Woolf para dirigir uma adaptação cinematográfica. Após seu comportamento embriagado com a protagonista feminina, Sheila Sim, levar a uma briga com seu marido e colega de elenco, Richard Attenborough, Köpernick é assassinado nos bastidores por um agressor realmente desconhecido.

           Sir John Woolf (1913-1999) e seu irmão James Woolf (1920-1966), foram produtores de cinema britânicos. John e James fundaram as produtoras Romulus Films e Remus Films, que atuaram nas décadas de 1950 e 1960, e a distribuidora Independent Film Distributors (IFD), que atuou de 1950 a 1959 e cuidou da distribuição no Reino Unido de filmes como Uma Aventura na África e Cavalo de Presente, bem como vários filmes produzidos por suas duas produtoras (como Um Lugar no Topo). John e James Woolf eram filhos do produtor britânico C.M. Woolf (1879–1942), que foi coprodutor, com Michael Balcon, de dois dos primeiros filmes de Alfred Hitchcock, Downhill (1927) e Easy Virtue (1928). Woolf pai foi uma figura importante na Gaumont British e fundou a General Film Distributors em 1937. John e James estudaram em Eton, enquanto o irmão mais velho também frequentou o Institut Montana, na Suíça. John foi gerente de vendas da General Film Distributors até que esta foi adquirida pela Rank Organization. James trabalhou para a Columbia Pictures no departamento de publicidade de Hollywood. John Woolf serviu na 2ª Guerra Mundial. Em fevereiro de 1943, o exército recusou-se a conceder-lhe licença para assumir a GFD. 

         Charles Woolf morreu em 1943 e John Wolf herdou metade das participações do seu pai na GFD; a outra metade foi para o irmão de John, Maurice, e para a irmã, Rosemary.  Ele foi desmobilizado em 1945 com a patente de major. Quando o pai deles morreu em 1943, J. Arthur Rank tornou-se diretor da General Film Distributors. John voltou do Exército como diretor administrativo adjunto. No entanto, nem John nem James gostavam de trabalhar para uma grande corporação.Em 1948, eles procuraram a SG Warburg para obter apoio financeiro para duas novas empresas, a Independent Film Distributors e um braço de produção, a Romulus Films. De acordo com o crítico Ronald Bergan em seu obituário de Sir John Woolf: “Seus objetivos eram ambiciosos: produzir filmes artisticamente valiosos e, ao mesmo tempo, comercialmente viáveis, cujos temas fossem mais amplos do que o provincianismo dos filmes britânicos da época, e com grandes estrelas”. O obituário de James Woolf no The Times afirmou que John “era o principal cérebro financeiro e James o principal responsável pela política artística”. Segundo John Woolf, “a Independent [o braço de distribuição] começou por financiar setenta por cento do custo de vários filmes, a maioria dos quais não teve muito sucesso. Na verdade, comecei tão mal quanto meu pai [CM Woolf] com a General Film Distributors”. Ele disse que teve mais sucesso com filmes que eles produziram diretamente como Romulus. O primeiro filme deles foi Shadow of the Eagle (1950), filmado parcialmente na Itália, que foi um fracasso de bilheteria.

                                            

Seguiram-se duas coproduções com Hollywood: I`ll Get You for This (1951) (ou Lucky Nick Cain) com George Raft e Coleen Gray, e Pandora and the Flying Dutchman (1951) com James Mason e Ava Gardner. Este último foi produzido e dirigido por Albert Lewin, que havia começado a preparar o filme para a MGM, mas James Woolf descobriu, durante uma visita a Hollywood, que o estúdio havia cancelado o projeto devido aos problemas de Lewin com o Comitê de Atividades Antiamericanas da Câmara; a Romulus entrou em cena para copatrocinar. John Woolf recordou: “Pandora não foi um grande sucesso, embora tenha coberto os custos eventualmente. Era um filme um tanto maçante, mas não tínhamos muita experiência como produtores de cinema na época... Era muito longo e eu não consegui convencer Lewin a cortá-lo, mas, de muitas maneiras, era um filme brilhante”. O filme foi um dos filmes mais populares nas bilheterias britânicas em 1951. Os três filmes seguintes de Romulus foram produções mais ambientadas na Grã-Bretanha: dois thrillers, She Shall Have Murder (1950) e The Late Edwina Black (1951), e uma comédia dirigida por Henry Cornelius, The Galloping Major (1952). Estes não tiveram um desempenho comercial particularmente bom e resultaram na decisão dos irmãos de se concentrarem em projetos transatlânticos.                   

            O inspetor George Stoppard investiga os indícios do assassinato, acompanhado pelo inexperiente agente Stalker. Todos no teatro são considerados suspeitos e potenciais vítimas, incluindo a produtora da peça, Petula Spencer, e a esposa de Woolf, Edana Romney. Stoppard tenta fechar o teatro até que o assassinato seja solucionado, mas o Comissário da Polícia Metropolitana, Harold Scott, intervém, designando Stalker para auxiliar na investigação. Stoppard e Stalker revistam o quarto de Köpernick no Hotel Savoy e encontram sua agenda com contatos de mulheres. O gerente do hotel relembra a violenta discussão de Köpernick com o roteirista Mervyn Cocker-Norris, que admite ter discutido com Köpernick sobre a visão do diretor para um final cheio de ação para o filme “A Ratoeira”. Mervyn, que mora com seu impulsivo “sobrinho” Gio, lembra-se de uma “mulher comum” chegando ao hotel com o filho de Köpernick. Stoppard e Stalker interrogam Woolf, que foi chantageada por Köpernick depois que este descobriu o caso dela com sua assistente, Ann. Dennis, um “lanterninha do teatro”, oferece uma descrição vaga de uma figura suspeita; Attenborough e Sim também são interrogados.

 Spencer explica que ela cedeu os direitos de adaptação cinematográfica de A Ratoeira para Woolf, mas que ele estaria contratualmente impedido de produzir a adaptação até o encerramento da peça. Num bar, Stoppard cria um laço com Stalker e revela que sua esposa infiel o deixou depois de ter um filho com outro homem. Levando Stoppard bêbado para casa, Stalker encontra recortes de jornal e uma foto de sua ex-esposa, que corresponde à descrição de Mervyn de uma “mulher simples de óculos”. Combinando isso com a descrição de Dennis, Stalker suspeita que Stoppard possa ser o assassino e procura por sua ex-esposa na agenda de endereços de Köpernick. Stoppard e Stalker assistem a uma apresentação de A Ratoeira, durante a qual Mervyn, Woolf, Dennis, Gio e Stoppard saem do auditório; Stalker os segue logo em seguida, após observar Stoppard pegar suas luvas. No saguão, Mervyn é estrangulado até a morte por uma figura enluvada. Stalker vê Stoppard ajoelhado sobre o corpo e o persegue, nocauteando-o com uma pá de neve. Stoppard acorda em uma cela, e Stalker e Scott o acusam de ter cometido os assassinatos. Stalker convocou Joyce, a mãe do filho de Köpernick, mas ela não é a ex-esposa de Stoppard, o que o inocenta. Stalker acompanha Joyce e seu filho a casa, e Joyce menciona um homem com sotaque de “idiota da aldeia”. Ao ler a pesquisa de Mervyn sobre A Ratoeira, Stoppard percebe a identidade do assassino e corre para o apartamento do suspeito, onde Stalker já havia invadido e encontrado as provas necessárias: o assassino é Dennis.             

Attenborough, Sim, Woolf, Ann, Spencer e sua mãe idosa chegam à casa de Agatha Christie em Wallingford, Berkshire, após receberem convites para jantar. O mordomo Fellowes fica perplexo com a chegada deles, mas o marido de Christie, Max Mallowan, permite que entrem. O grupo é mantido sob a mira de uma arma por Dennis, que a mãe de Spencer reconhece como Dennis Corrigan, uma criança abusada cuja morte do irmão inspirou o enredo de A Ratoeira. Dennis explica que matou Köpernick e Mervyn numa tentativa de impedir a peça e sua adaptação, revoltado com a exploração da tragédia de seu irmão para entretenimento. Tendo forjado os convites para atrair todos, Dennis capturou Edana, confundindo-a com Christie. Christie entra com chá, incluindo uma xícara envenenada para Dennis, que Fellowes bebe inadvertidamente. Um Stoppard armado chega e um tiroteio começa; Sim distrai Dennis com um “coquetel molotov”, e Stalker quase leva um tiro para salvar Stoppard, confirmando a ideia original de Köpernick para a história, antes de Agatha eliminar Dennis com uma pá. É revelado que a bala, de fato, atingiu Stoppard, embora o tiro não tenha sido fatal. Algum tempo depois, Stalker passa nos exames para sargento e Stoppard, em recuperação, recebe a Medalha do Rei dos Serviços Policiais e de Bombeiros, e eles assistem juntos a outra apresentação de A Ratoeira.                       

 No final do filme, Stoppard se vira para a câmera e pede ao público que mantenha a identidade do assassino em segredo, assim como acontece no final da peça A Ratoeira. O elenco é formado por Sam Rockwell que interpreta o Inspetor George Stoppard, um detetive alcoólatra e marginalizado em seu departamento, que é designado para o caso. Saoirse Ronan que interpreta a policial Stalker, uma agente enérgica e prestativa designada para auxiliar Stoppard. Adrien Brody que interpreta Leo Kopernick, o diretor da adaptação cinematográfica de A Ratoeira. Ruth Wilson como Petula Spencer, a produtora da peça e intermediária de Agatha Christie. Reece Shearsmith interpreta John Woolf, o produtor da adaptação cinematográfica de A Ratoeira. Harris Dickinson como Richard Attenborough, a estrela carismática da peça. Charlie Cooper que interpreta Dennis Corrigan, um lanterninha empregado pelo teatro. David Oyelowo interpreta Mervyn Cocker-Norris, socialmente um renomado dramaturgo e roteirista da adaptação cinematográfica de A Ratoeira. Tim Key interpreta o Comissário Harold Scott, chefe de Stoppard e Stalker. Shirley Henderson como Agatha Christie, a famosa escritora reclusa de A Ratoeira. Lucian Msamati como Max Mallowan, o enigmático marido de Christie. Pippa Bennett-Warner como Ann Saville, assistente e amante de Woolf. Pearl Chanda interpreta Sheila Sim, esposa de Richard e coestrela d. Paul Chahidi como Fellowes, o mordomo desajeitado de Christie. Sian Clifford como Edana Romney, esposa de Woolf Ania Marson como Mãe Jacob Fortune-Lloyd como Gio, o “sobrinho” de Cocker-Norris.               

A Ratoeira (The Mousetrap) é uma peça de mistério e assassinato de Agatha Christie, famosa por ser a peça há mais tempo encenada na história social do teatro, com mais de 25 mil apresentações desde sua estreia, em Londres, em 1952. Ela também é notória por seu final inesperado, que os espectadores ao fim de cada sessão são convidados a não revelar quando saírem dali. A Ratoeira começou sua carreira como uma peça curta de rádio, transmitida em 30 de maio de 1947 pela BBC, com o nome de Three Blind Mice (Três Ratos Cegos) e é baseada num caso real, a morte de um menino de 12 anos por maus tratos físicos dos seus tutores, numa fazenda da Inglaterra, em 1945. Metodologicamente Christie escreveu um conto baseado na pequena peça radiofônica, que se transformou no embrião da peça teatral. Ela pediu que o conto não fosse publicado enquanto a peça estivesse sendo representada no West End de Londres, - onde está até hoje - e assim ele é inédito na literatura da “Dama do Crime” na Grã-Bretanha, apesar de ter sido publicada nos Estados Unidos em 1950, num livro junto com outros pequenos contos, intitulado: Three Blind Mice and Other Histories. Fora do West End, apenas uma versão da peça pode ser apresentada, uma vez por ano e nenhum filme pode ser feito até seis meses depois que ela encerre suas apresentações. Seu nome original foi trocado para The Mousetrap, por insistência de uma autora inglesa que havia escrito uma peça extraordinária, mas de menor sucesso com o mesmo nome antes da 2ª Guerra Mundial (1939-1945).

O West End é uma área na região centro da Região de Londres, Inglaterra, que contém muitas das principais atrações turísticas da região, bem como diversas sedes de empresas e os célebres teatros do West End, que compõe o complexo reconhecido como Theatreland. O termo “West End” (“Ponta Oeste”) começou a ser usado no início do século XIX para descrever as áreas mais elegantes, situadas a Oeste de Charing Cross, é a junção de três ruas: Strand, Whitehall e Cockspur Street, em Westminster, dentro da Londres Central, Inglaterra, Reino Unido. Frequentemente, considerado o verdadeiro centro de Londres, e usado como marco referencial, a partir da qual todas as distâncias da cidade são medidas. Recebeu o seu nome de uma cruz situada no local e já demolida há muito tempo - a cruz de Eleanor. Uma estátua do rei Charles I montado num cavalo foi erguida no local. Localizada na época no antigo vilarejo de Charing. Desde a segunda metade do século VIII Charing Cross é considerada um dos pontos centrais de Londres, juntamente com a Pedra de Londres, Hicks Hall e as portas da igreja de St Mary-le-Bow. Enquanto a City de Londres é o principal distrito financeiro e de negócios de Londres, o West End é o principal centro comercial e de entretenimento da cidade. É o maior distrito comercial central do Reino Unido, formado por Inglaterra, Escócia, País de Gales e Irlanda do Norte, comparável a Midtown Manhattan em Nova York, o 8º arrondissement em Paris, Orchard Road em Singapura ou Shibuya em Tóquio.              

É um dos locais mais caros do mundo para alugar espaços comerciais e de escritórios. A estátua do dragão no monumento Temple Bar, que marca a fronteira entre a City de Westminster e a City de Londres. Entretanto, a Londres medieval compreendia duas cidades adjacentes - a cidade de Londres, no Leste, e a City de Westminster, no Oeste. Com o tempo, eles passaram a formar o centro da Londres moderna, embora cada um mantivesse seu próprio caráter distinto e sua identidade legal separada, por exemplo, a cidade de Londres tem sua própria força policial e é um condado distinto. A cidade de Londres tornou-se um centro para os setores bancário, financeiro, jurídico e profissional, enquanto Westminster tornou-se associado aos setores de lazer, compras, comércio e entretenimento, o governo e o lar de universidades e embaixadas. O West End moderno está intimamente associado a esta área do centro de Londres. Situado a oeste da histórica cidade romana e medieval de Londres, o West End foi por muito tempo preferido pela elite rica como um local de residência porque geralmente ficava contra o vento em relação à fumaça que vinha da cidade lotada. Ficava perto da sede real do poder no Palácio de Westminster, e está amplamente contida na City de Westminster um dos 32 bairros de Londres. Desenvolvido nos séculos XVII, XVIII e XIX, foi construído como uma série de palácios, casas de cidade caras, lojas da moda e locais de entretenimento. As áreas mais próximas da cidade ao redor de Holborn, Seven Dials e Covent Garden continham comunidades historicamente consideradas mais pobres denter as que foram desmatadas e reconstruídas no século XIX.

        A história social da arte tem como representação a atividade humana realizada com o propósito estético ou comunicativo, enquanto expressão de ideias, emoções ou formas de interpretar o mundo. Em sua historicidade as artes visuais têm sido classificadas de várias formas, desde a distinção medieval entre as artes liberais e as artes mecânicas, à distinção moderna entre belas artes e artes aplicadas, ou às várias definições contemporâneas, que definem arte como a manifestação individual e coletiva da criatividade humana. O alargamento da lista das principais artes durante o século XX definiu-as essencialmente em arquitetura, escultura, música, dança, pintura, poesia, incluindo o teatro e a narrativa literária, o cinema e a fotografia. Quando considerada a sobreposição de termos entre as chamadas artes plásticas e as artes visuais, incluem-se também do ponto de vista tecnológico o design e as artes gráficas. As artes gráficas, também reconhecida socialmente como design, é uma ciência, que tem como objetivo, a criação de soluções que são utilizadas para servir de forma funcional o ser humano. A arte e o design estão presentes na história desde originalmente a identificação etnográfica da pré-história, através de desenhos e sinais que simbolizavam objetos e acontecimentos relevantes no âmbito da memória individual (sonho) e coletiva (os mitos, os ritos, os símbolos). Todavia, enquanto a arte propõe uma interpretação subjetiva de suas obras, o design comparativamente propõe algo de sentido objetivo, onde as pessoas serão capazes de entender e podem vir a comprar o produto e/ou serviço apresentado, ou aderindo a uma ideia, no caso de uma propaganda. Marca é a representação de uma entidade, qualquer que seja ela, objeto/símbolo que permite identificá-la de um modo imediato como, por exemplo, um sinal de presença, uma simples pegada. Na teoria social da comunicação, pode ser um signo, um símbolo ou um ícone. Uma simples palavra pode referir uma marca. O termo é frequentemente usado hoje em dia como referência a uma determinada empresa: um nome, uma marca verbal, imagens ou conceitos que distinguem o produto, serviço ou a própria empresa. 

Quando se fala em marca, é comum estar se referindo, na maioria das vezes, a uma representação gráfica no âmbito e competência do designer gráfico, onde a marca pode ser representada graficamente pela composição de um símbolo e/ ou logotipo, tanto individualmente quanto combinados. No entanto, o conceito de marca é bem mais abrangente que a sua representação gráfica. Marca não é um conceito fácil de definir. A marca em essência representa produção-consumo com uma série específica de atributos, benefícios e serviços uniformes aos compradores. A garantia de qualidade surge com as marcas, mas uma marca é um símbolo mais complexo. Um artefato é conexo à estrutura mental que definirá o reconhecimento da obra de arte. O século XX se caracterizou por uma ênfase no questionamento das antigas bases da arte, propondo-se a criar um novo paradigma de cultura e sociedade e derrubar tudo o que fosse representado pela tradição. Até meados do século as vanguardas foram enfeixadas no rótulo de modernismo, e desde então elas se sucedem cada vez com maior rapidez, chegando aos dias de hoje a um estado quase de total pulverização dos estilos e estéticas, que convivem, dialogam, se influenciam e se enfrentam mutuamente. Também surgiu uma tendência de solicitar a participação do público no processo de criação, realizada por meio de uma grande variedade de linguagens e incorporar ao domínio artístico uma variedade de temas, estilos, práticas e tecnologias antes desconhecidas ou excluídas. O principal problema metodológico na definição do que é arte é o fato de que esta definição varia com o tempo e espaço de acordo com a diversidade de culturas.

Em que pese a influência do esteticismo, cujo corolário apareceria no início do século XX na forma do abstracionismo, uma apoteose do individualismo artístico, houve correntes que o combateram. Hippolyte Taine elaborou uma teoria de que a arte tem um fundamento sociológico, aplicando-lhe um determinismo baseado na raça, no contexto social de seu tempo. Jean Marie Guyau apresentou uma perspectiva evolucionista, afirmando que a arte está na vida e evolui com ela, e assim como a vida se organiza em sociedades, a arte deve ser um reflexo da sociedade que a produz. A estética sociológica teve associações com os movimentos políticos de direita, assim como de esquerda, especialmente o socialismo utópico, defendendo para a arte o retorno a uma função social, contribuindo para o desenvolvimento das sociedades e da fraternidade humana, como se percebe nos trabalhos de Saint-Simon, Leon Tolstoi e Pierre Joseph Proudhon. John Ruskin e William Morris, por exemplo, combateram a banalização da arte causada pelo esteticismo e pela assunção da sociedade industrial, e defenderam a volta ao sistema corporativo e artesanal medieval. Na primeira metade do século XX conceitos inovadores foram introduzidos pela Escola de Frankfurt, destacando-se Benjamin e Adorno, estudando os efeitos perversos da industrialização, da tecnologia e da cultura de massa sobre a arte. Walter Benjamin analisou a perda da aura do objeto artístico na sociedade contemporânea, em confronto com a chamada indústria cultural e Adorno que a arte não é um mero impacto da sociedade que a produz, pois a arte expressa o que ainda não existe e indica as condições e possibilidades de transformação e transcendência. Representante do pragmatismo norte-americano, John Dewey definiu a arte como “a culminação da natureza”, sustentando que a base da estética é a experiência sensorial. A atividade artística seria uma consequência da atividade do ser humano em seu trabalho, cuja forma depende dos condicionamentos sociais e as formas de apropriação ambientais em que se desenvolve.     

A primeira escola historiográfica de grande relevância foi o formalismo, que defendia o estudo da arte a partir do estilo, aplicando uma metodologia evolucionista que defendia a arte uma autonomia longe de qualquer consideração filosófica, rejeitando a estética romântica e o ideal metafísico hegeliano, e se aproximando do neokantismo. Seu primeiro teórico foi Heinrich Wölfflin, considerado o pai da moderna História da arte. Ele aplicou à arte critérios científicos, como o estudo psicológico ou o método de análise comparativo quando definia os estilos por suas diferenças estruturais inerentes aos mesmos, como argumentou em sua obra: Conceitos fundamentais da História da Arte (1915). Wölfflin como homem de seu tempo, não atribuiu importância às biografias dos artistas, valorizando o lado ideológico de nacionalidade, de escolas artísticas e estilos nacionais. As teorias de Wölfflin foram continuadas pela Escola de Viena, comparativamente com autores como Alöis Riegl, Max Dvořák, Hans Sedlmayr e Otto Pächt. Talvez o maior legado de Riegl para a historiografia, segundo Bertalanffy, seria seu ponto de vista relativista que ecoou epistemologicamente no século XX. O conceito de uma escola vienense da história da arte foi empregado pela primeira vez pelo crítico de arte e colecionador tcheco Vincenc Kramar em 1910; a seguir, em artigos publicados por Otto Benesch em 1920 e de Julius von Schlosser em 1934. Alöis Riegl integrou a segunda geração da chamada “Escola de Viena”, que visava o rigor científico na análise artística, distante da valoração estética ou do julgamento de gosto. A partir do rigor metódico da Escola, Riegl desenvolveria sua abordagem formalista da arte, na qual prepondera o desenvolvimento interno da arte através das formas, em considerável nível de independência dos fatores externos. Tal autonomia das formas foi um passo fundamental para a independência da história da arte, ao livrar a obra de arte da determinação de outros campos históricos. A Escola de Viena de história da arte compreende um conjunto de pensadores que entende a História da Arte como disciplina autônoma, sem a interferência no âmbito da história da filosofia do esteticismo kantiano e do método dialético de apropriação do real inspirado em Hegel.

           O novo conceito de dialética desenvolvido por Hegel é mais do que a mera “síntese de opostos” em sua complementaridade para caracterizá-lo: é todo um complexo sistema, baseado numa original concepção do absoluto que na filosofia de Hegel, precisa incorporar todos os momentos significativos do movimento pelo qual se realiza, assimilando tanto o positivo como o negativo, superando-o numa capacidade de síntese viva, para poder se estruturar, rigorosamente, como ocorre no sistema científico: “A verdadeira figura em que a verdade existe”, afirma Hegel, “só pode ser o sistema científico dela”. O sentido desse movimento realizado e expresso no “sistema” – só pode ser compreendido do ângulo do resultado alcançado. Na clássica interpretação da Fenomenologia do Espírito de Hegel, o saber absoluto pressupõe, e simultaneamente elucida, a “experiência da consciência” em todas as suas “figuras”, desde a “certeza sensível” e da “percepção” até o ponto de chegada proporcionado pelo “espírito”, que adquire a plena consciência de si mesmo, depois de superar as limitações do “discernimento” (“Verstand”), da “consciência de si” e da “razão” (“Vernunft”). Para Hegel a evolução não somente faz aparecer o originário, exterioriza o concreto contido já no “em si”, e este concreto chega a ser “por si” através dela, impulsiona-se a si mesmo a este ser “por si”. O concreto é “em si” diferente, mas logo só “em si”, pela aptidão, pela potência, pela possibilidade. O diferente está posto ainda em unidade, não como diferente antropologicamente. É em si distinto e, contudo, simples. É em si mesmo contraditório. Posto que é através desta contradição impulsionado da aptidão, deste este interior à qualidade, à diversidade; logo cancela a unidade e com isto faz justiça às diferenças. Também a unidade das diferenças ainda não postas como diferentes é impulsionada para a dissolução de si mesma. O distinto vem assim a ser atualmente, na existência. Porém, do mesmo modo que se faz justiça à unidade, pois o diferente que é posto como tal é anulado novamente. Tem que regressar à unidade; porque a unidade do diferente consiste em que o diferente seja um. E somente por este movimento é a unidade depreendida e concreta.

 O filme See How They Run (“Veja Como Eles Correm”) foi anunciado em novembro de 2020, como um filme de mistério sem título da Searchlight Pictures, com Tom George na direção a partir de um roteiro de Mark Chappell. George e Chappell trabalharam juntos em versões posteriores do roteiro. A decisão de fazer um filme baseado em uma produção cinematográfica frustrada de A Ratoeira surgiu depois que o produtor Damian Jones foi informado de que os direitos da história não estavam disponíveis devido a uma cláusula no contrato original de Agatha Christie, que se tornou um ponto importante da trama do filme. As filmagens foram realizadas em grande parte no West End de Londres durante o terceiro confinamento do Reino Unido devido à pandemia, o que permitiu à produção usar locais que de outra forma alternativa que não estariam disponíveis, incluindo o Savoy Hotel, o Old Vic, o Dominion Theatre e o St Martin`s Theatre. George filmou várias cenas com um efeito de tela dividida, inspirado nos “pontos de vista divididos” de uma história de mistério. As filmagens terminaram em abril de 2021. O título foi revelado como See How They Run em julho de 2021. See How They Run foi lançado nos cinemas do Reino Unido em 9 de setembro de 2022, e nos Estados Unidos em 16 de setembro. O filme estava originalmente programado para ser lançado em 30 de setembro, mas foi antecipado em duas semanas devido à “falta de grandes lançamentos de estúdio” no final do ano. O filme foi lançado em plataformas de vídeo “sob demanda” em 1° de novembro de 2022.

            See How They Run arrecadou US$ 9,6 milhões nos Estados Unidos e Canadá e US$ 12,4 milhões em outros territórios, totalizando US$ 22 milhões em todo o mundo globalizado. O filme teve um lançamento amplo nos Estados Unidos, estreando com US$ 3,1 milhões em 2.404 cinemas, terminando em quarto lugar nas bilheterias em seu primeiro fim de semana; manteve-se em quinto lugar no fim de semana seguinte e saiu do Top 10 nas bilheterias em sua terceira semana. De acordo com o agregador de streaming JustWatch, See How They Run foi o 8º filme mais assistido em todas as plataformas nos Estados Unidos durante a semana de 31 de outubro a 6 de novembro de 2022, e o 10º durante a semana de 7 a 13 de novembro de 2022. No site agregador de críticas Rotten Tomatoes, 75% das 198 críticas são positivas, com uma classificação média de 6,5/10. O consenso do site diz: “See How They Run pode não se beneficiar muito ao pedir comparações com Christie, mas ainda assim é um mistério divertido”. O Metacritic, que usa uma média ponderada, atribuiu ao filme uma pontuação de 60 em 100, com base em 40 críticas, indicando avaliações “mistas ou médias”. O público pesquisado pelo CinemaScore deu ao filme uma nota média de “B−” em uma escala de A+ a F. Teo Bugbee, do The New York Times, elogiou o filme chamando-o de “uma produção requintada, um verdadeiro pudim de figo feito com tropos outrora obsoletos da Scotland Yard”. Nell Minow, do RogerEbert.com, deu ao filme duas estrelas e meia, dizendo que “todo o estilo e entusiasmo não conseguem disfarçar o fato de que o mistério em si nunca chega perto daqueles criados por Dame Agatha.

            Historicamente a celebrada efervescência vienense é de intensa e notável produção artística, estética e principalmente literária. Melhor dizendo, na virada de passagem para o século XX, Viena experimentava processos comunicativos díspares: de um lado, “decadência e inovação; unidade e multiplicidade cosmopolitismo e provincianismo; de outro, Levante e Ocidente”, escreveu Carl Shorske em seu extraordinário libelo: Viena fin-de-siècle que Viena nesta conjuntura social e política demonstra onde, quando e como se “fabricou” a essência irradiante da modernidade. Paradigmáticos fora o salão da musa Alma Malher, Gustav Mahler, Kokoschka, Klimt, Gropius e Werfel, Hofmannsthal e Schnitzler, e comparativamente o café Central onde se cruzavam personalidades, ativistas e intelectuais como Freud, Mazarik, Trotsky, Bauer, e o reacionário Lueger, por exemplo. Ludwig Wittgenstein, Schoenberg, Schiele, Loos, Otto Wagner, discutiam avanços na utilização de técnicas instrumentais contemporâneas desde a matemática à estética. 

        Os cenários intelectuais de leitura eram múltiplos: a) havia o salão de Alma Mahler, casada com Gustav e musa de Kokoschka, Giropius e Werfel; b) o Café Central, onde se cruzavam Freud, Mazarik, Bronstein (Leon Trotsky), o socialista Bauer e o reacionário Lueger. Wittgenstein, Schoenberg, Klimt e Otto Wagner discutiam avanços da matemática à estética; c) Herzl vislumbrava o Estado judeu, já temendo o antissemitismo crescente; e d) tragicamente o então jovem Adolf percorria maravilhado, a monumental Avenida Ringstrasse. A cidade de Viena estava protegida por uma muralha desde o século XII; até que, a partir de 1850, a cidade foi crescendo e se formaram vários bairros no exterior dos muros. Em 1857, a muralha começou a ser derrubada para dar mais espaço à cidade e em seu lugar foi construído um grande boulevar, a Ringstrasse. Trata-se de uma prestigiosa avenida onde foram construídos diversos edifícios, como Palácio Real Hofburg, a Prefeitura, a Bolsa, o Parlamento, o Burgtheater, a Igreja Votiva, a Universidade, o Museu de História da Arte ou o Museu de História Natural. A vida de Arthur Schnitzler coincide com o outono áureo de uma civilização majestosa, cenário ideal para romper com a tradição e antecipar a modernidade. As circunstâncias trágicas que a Áustria acabou sendo enredada nas duas guerras, até ser anexada pela Alemanha em 1938, aguçaram os contrastes e antinomias de intolerância crescente e irradiação artística luminosa, o esplendor vienense degradou-se.

Bibliografia Geral Consultada.

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