“Fashion as we used to know it doesn`t exist. The dress as we know it today-it`s dead”. Rudi Gernreich
Vídeo, do latim “eu vejo”, representa uma tecnologia de processamento de sinais eletrônicos, analógicos ou digitais, para capturar, armazenar e transmitir ou apresentar uma sucessão de imagens com impressão de movimento. A aplicação principal da tecnologia de vídeo resultou na televisão, com todas as suas inúmeras utilizações, seja no entretenimento, na educação, engenharia, ciência, indústria, segurança, defesa, artes visuais. O termo vídeo ganhou com o tempo uma grande abrangência. Chama-se também de vídeo uma gravação de imagens em movimento, uma animação composta por fotos sequenciais, resultando em uma imagem animada, e principalmente as diversas formas de gravar imagens eletronicamente em fitas (analógicas ou digitais) ou outras mídias (cartões de memória, discos etc.). Estas formas de gravação e armazenamento de imagens se corporificam através de diferentes formatos e mídias com características de codificação próprias, como vemos descrito abaixo. Tanto nas fitas quanto nos discos os formatos são, na verdade, “os tamanhos” (que implicam a largura do material magnético, tamanho da caixa e na forma pela qual o sinal é gravado e lido). Cada um é para um uso diferente com características técnicas e qualidades específicas. Para cada formato de fita ou disco existe a câmera correspondente, bem como aparelhos gravadores e reprodutores de mesa usados para edição (montagem) e copiagem das imagens gravadas com estas câmeras. Os formatos são usados para captação ou masterização de programas ou vídeos com fins comerciais e/ou para veiculação com alta qualidade em meios de comunicação. Os amadores são para captação doméstica e veiculação restrita.
Eventualmente, existem alguns formatos amadores podem ser usados ordinariamente para fins profissionais dependendo principalmente do tipo social de equipamento usado na captação das imagens. A invenção da televisão remonta ao princípio do século passado em torno de 1925, já existiam equipamentos experimentais. Ao longo do tempo, enquanto se aperfeiçoava a tecnologia televisiva, novos elementos eram agregados por laboratórios ou empresas de diversos países sem um padrão comum, o que tornava incompatíveis equipamentos de um país para outro. Com advento da cor houve diferentes padronizações que se difundiram com base em interesses comerciais e políticos, resultando em pelo menos 3 diferentes famílias de padrões de TV (NTSC), é o sistema de televisão analógico em uso nos Estados Unidos, na maioria dos países da América, em alguns países do leste asiático e também utilizado na reprodução em DVDs players. Recebeu o nome do National Television System Committee, a organização representativa do setor, responsável pela criação deste padrão, PAL (Phase Alternating Line) é um sistema de codificação de cores para televisão analógica. Foi um dos três principais padrões de televisão analógica em cores, e SECAM (Système Électronique Couleur Avec Mémoire), é um sistema de cor analógico usado pela primeira vez na França, criado pelo engenheiro elétrico Henri de France. Foi um dos três principais padrões de televisão analógica em cores, sendo os outros dois o PAL e NTSC. Desde a década de 2000, o SECAM tem entrado em declínio, uma vez que os países que utilizam o SECAM estão atualmente em processo de conversão, ou já converteram para Digital Video Broadcasting (DVB), o novo padrão pan-europeu de televisão digital.
O desenvolvimento do SECAM começou em 1956. A tecnologia estava pronta por volta do final dos anos 1950, mas era cedo demais para uma introdução em grande escala. O SECAM não trabalhava com o padrão de televisão 819-linhas então usado na rede de televisão francesa. A França teve de começar a conversão ao mudar para o padrão de 625-linhas, o que aconteceu no início dos anos 1960 com a introdução de uma segunda rede. O SECAM foi inaugurado na França em 1° de outubro de 1967, no Deuxième Chaîne (Segundo Canal), atual France 2. Um grupo de quatro homens, todos de terno, o apresentador, o Ministro da Informação da França, Georges Gorse, o diretor-geral da ORTF, Jacques Bernard Dupont, o diretor de equipamentos e operações, Claude Mercier e o diretor de televisão, Emile Biasini), foram mostrados de pé num estúdio. Após uma contagem regressiva, às 14h15 (Horário da Europa Central, UTC+1) a imagem em preto e branco original mudou repentinamente para cores e o apresentador declarou “Et voici la couleur!”. Em 1967, a Compagnie Libanaise de Télévision (CLT) do Líbano se tornou a terceira estação de televisão do mundo, depois da União Soviética e da França, a transmitir em cores utilizando a tecnologia francesa SECAM. Nessa conjuntura, um televisor a cores custava 5 mil francos na França. A televisão a cores não foi inicialmente muito popular; apenas cerca de 1,5 mil pessoas assistiram ao programa inaugural.
Um ano mais tarde,
apenas 200 mil aparelhos tinham sido vendidos, quando se esperavam 1 milhão. SECAM
foi mais tarde adotado pelas antigas colônias francesas e belgas, Grécia,
Chipre, União Soviética e países do bloco oriental (exceto a Romênia) e alguns
países do Oriente Médio. No entanto, com a queda do comunismo, e seguindo um
período em que aparelhos de televisão multipadrões se tornaram comuns, muitos
países do Leste Europeu decidiram mudar para o sistema PAL desenvolvido pela
Alemanha Ocidental. Outros países, notadamente o Reino Unido e a Itália,
experimentaram brevemente o SECAM antes de optar pelo PAL. Desde o final dos
anos 2000, o SECAM está em processo de eliminação e substituição pelo DVB. Cada
padrão de TV implica uma forma diferente de se codificar as imagens,
transmiti-las e gravá-las nas mídias (fitas, DVDs, discos) independente de seu
formato. São específicas a velocidade de gravação, a forma pela qual a cor é
gravada, o número de linhas que constituem imagem (não confundir com
definição). Uma fita ou DVD gravados em um país podem não ser assistidos em
outro ou, somente podem ser vistos em branco e preto. Com a tecnologia digital
e a chamada “alta definição” foram desenvolvidos e difundidos novos padrões de
TV, ainda que baseados nos padrões da TV analógica eles são totalmente digitais
e contemplam uma alta qualidade de imagem e som além de diversos recursos
interativos.
Rudolf Gernreich (1922-1985) foi um estilista norte-americano nascido na Áustria, cujos designs de roupas de vanguarda são geralmente considerados “os mais inovadores e dinâmicos da moda dos anos 1960”. Ele usou propositalmente o design de moda como uma declaração social para promover a liberdade sexual, produzindo roupas que seguiam a forma natural do corpo feminino, libertando-as das restrições da alta costura. Ele era reconhecido pelo uso pioneiro de vinil e plástico em roupas e pelo uso de recortes. Criou o primeiro maiô fio dental, roupas unissex, o primeiro maiô sem sutiã embutido, o minimalista, macio e transparente “No Bra” e o monokini sem a parte de cima. Recebeu quatro vezes o Prêmio Coty de Críticos de Moda Americanos. Produziu o primeiro vídeo de moda, Basic Black: William Claxton, com Peggy Moffitt (1940-2024), em 1966. Teve per se uma longa, não convencional e inovadora carreira no design de moda. Gernreich é mais reconhecido como um renomado estilista de moda radicado em Los Angeles, mundialmente famoso por seu “monokini”, um traje de banho feminino sem a parte de cima, seus tricôs dos anos 1960 e suas roupas unissex. Na verdade, na época da morte de Gernreich, em 1985, uma exposição em museu pareceria improvável. Gernreich é mais conhecido por seu design do primeiro maiô sem a parte de cima, que ele chamou de “Monokini”. Gernreich concebeu o Monokini no final de 1963, depois que Susanne Kirtland, da revista Look, ligou para Gernreich e pediu que ele desenhasse traje para seguir uma matéria sobre tendências.
Naquele mês, ele idealizou pela primeira vez um maiô sem a parte de cima que se tornou o Monokini. A parte de baixo do Monokini era semelhante à de um maiô tradicional, mas terminava na altura do meio do torso e era sustentada por duas tiras entre os seios e ao redor do pescoço. Quando a fotografia de Claxton de sua esposa Peggy Moffitt modelando o modelo foi publicada no Women`s Wear Daily em 4 de junho de 1964, gerou muita controvérsia nos Estados Unidos e em outros países. Moffitt disse que o modelo era uma evolução lógica das ideias vanguardistas de Gernreich em design de moda praia, bem como um símbolo escandaloso da sociedade permissiva. Ele via o maiô como um protesto contra a sociedade repressiva. Ele previu que “os seios serão descobertos dentro de cinco anos”. Ele via a exposição dos seios de uma mulher como uma forma de liberdade. Inicialmente, ele não pretendia produzir o modelo comercialmente, mas Kirtland, da Look, o incentivou a disponibilizá-lo ao público. “Pensei que venderíamos apenas seis ou sete, mas decidi desenhá-lo mesmo assim”. Moffitt disse mais tarde que o Monokini “era uma declaração política. Não foi feito para ser usado em público”. Em janeiro de 1965, ele disse a Gloria Steinem em uma entrevista que, apesar das críticas, ele faria isso novamente.
Nova Iorque tem suas raízes historicamente na sua fundação em 1624 como um “posto de comércio por colonos neerlandeses”, sendo nomeada Nova Amsterdã, em 1626. A cidade e seus arredores foram tomados pelo Reino da Inglaterra em 1664, passando a fazer parte do Império Britânico, e sendo seu nome alterado para Nova Iorque, depois que o Rei Carlos II da Inglaterra concedeu as terras para seu irmão, o Duque de Iorque e posteriormente Rei Jaime II da Inglaterra. Nova Iorque serviu como a capital dos Estados Unidos de 1785 até 1790, sendo a maior cidade do país desde 1790. A Estátua da Liberdade recebeu milhões de imigrantes que vieram para a América de navio no final do século XIX e início do século XX. A cidade é considerada um dos mais importantes centros da diplomacia mundial. Juntamente com Genebra, Comitê Internacional da Cruz Vermelha e sede europeia da Organização das Nações Unidas, Basileia (Banco de Assentamentos Internacionais) e Estrasburgo (Conselho da Europa), Nova Iorque é uma dentre as cidades do mundo que serve de sede a importantes organizações internacionais, sem ser, na esfera político-administrativa a capital de um país.
A região originariamente era
habitada por nativos das tribos lenapes no momento da “descoberta” europeia, em
1524, por Giovanni da Verrazano (1485-1528), um explorador florentino a serviço
da coroa francesa, que chamou de Nouvelle Angoulême. O assentamento europeu
começou com a fundação de uma colônia holandesa de comércio de peles, que mais
tarde seria chamada “Nieuw Amsterdam”, na ponta Sul de Manhattan em 1614. O
diretor-geral colonial holandês Peter Minuit comprou a ilha de Manhattan dos
lenapes em 1626 pelo valor de 60 florins, cerca de mil dólares em 2006; uma
outra lenda diz que Manhattan foi comprada por 24 dólares no valor de contas de
vidro. Entretanto, os primeiros moradores de Nova Iorque foram 23 judeus de
origem portuguesa que chegaram em 7 de setembro de 1654 na Nova Amsterdã, um
entreposto da Companhia Holandesa das Índias Ocidentais, fugindo da Inquisição
no Recife. Das 16 naus que partiram às pressas do Recife, uma foi saqueada na
Jamaica e 23 judeus viajaram à ilha de Manhattan, sem bens, onde estabeleceram
e trabalharam no comércio. Em 1664, a cidade foi entregue para os ingleses e
rebatizada para “New York” (Nova Iorque) pelo Duque de York e Albany. No final
da Guerra Anglo-Holandesa, os holandeses ganharam o controle da ilha de Run (um
ativo muito mais valioso) em troca do controle inglês sob Nova Amsterdã (Nova
Iorque), na América do Norte.
Várias guerras
intertribais entre os nativos americanos e algumas epidemias ocasionadas pela
chegada dos europeus provocaram perdas consideráveis para a população lenape
entre os anos de 1660 e 1670. Em 1700, a população lenape tinha diminuído para
apenas 200 membros. Em 1702, a cidade perdeu 10% de sua população para a febre
amarela. Nova Iorque sofreu nada menos que sete importantes epidemias de febre
amarela no período ente 1702 e 1800. Nova Iorque cresceu em importância social
e política como porto comercialmente enquanto esteve sob o domínio do fabuloso
império britânico. A cidade sediou o influente julgamento de John Peter Zenger
(1697-1746) um impressor e jornalista alemão que vivia na cidade de Nova York
em 1735, ajudando a estabelecer a liberdade de imprensa na América do Norte. Em
1754, a Universidade Colúmbia foi fundada em navios fretados por Jorge II da
Grã-Bretanha como Faculdade do Rei em Lower Manhattan. O Stamp Act Congress
se reuniu em Nova Iorque em outubro de 1765, assim como os Filhos da Liberdade,
organização secreta de patriotas americanos originada nas 13 Colônias durante a
Revolução, se organizaram na cidade, escaramuçando durante os dez anos com as
tropas britânicas paralisadas no país.
Muitos distritos e
pontos turísticos de Nova Iorque se tornaram reconhecidos graças aos seus quase
50 milhões de visitantes anuais. A Times Square, batizada de “a encruzilhada do
mundo”, é a região iluminada onde se concentram os famosos teatros da Broadway,
sendo um dos cruzamentos de pedestres mais movimentados do mundo e um
importante centro da indústria do entretenimento mundial. A cidade abriga
algumas das pontes, arranha-céus e parques de maior renome no mundo. O distrito
financeiro de Nova Iorque, ancorado por Wall Street em Lower Manhattan,
protagoniza o setor econômico como um dos maiores centros financeiros do mundo,
e é o “lugar praticado” da Bolsa de Valores de Nova Iorque, a maior bolsa de
valores do planeta pelo total de capitalização de mercado de suas empresas
listadas. O mercado imobiliário de Manhattan está entre os mais valorizados e
caros do mundo. A Chinatown de Manhattan incorpora a maior concentração de
chineses do Ocidente. Ao contrário da maioria dos sistemas de metrô do mundo, o
Metropolitano de Nova Iorque é projetado para fornecer o serviço de 24 horas
por dia, 7 dias por semana. Inúmeros colégios e universidades estão localizados
na cidade, incluindo a Universidade Columbia, a Universidade de Nova Iorque e a
Universidade Rockefeller, que estão classificadas entre as 100 melhores do
mundo.
Durante a Revolução
Americana, a Batalha de Long Island, considerada a maior batalha ocorrida nessa
guerra, foi travada em agosto 1776 inteiramente em terras atualmente ocupadas
pelo Borough do Brooklyn, um burgo da cidade de Nova Iorque, coextensivo com o
condado de Kings, no estado norte-americano de Nova Iorque. Após a batalha, em
que os estadunidenses foram derrotados, deixando subsequentes batalhas menores
seguirem o mesmo rumo, a cidade tornou-se a base militar e política britânica
de suas operações na América do Norte. A cidade foi um refúgio para legalistas
até o fim da guerra em 1783. A única tentativa de uma solução pacífica para a
guerra aconteceu no Casa de Conferência em Staten Island entre os delegados
estadunidenses, incluindo Benjamin Franklin (1706-1790), e o general britânico
Lord Howe, em 11 de setembro de 1776. Logo após o início da ocupação britânica,
ocorreu o Grande Incêndio de Nova Iorque, uma conflagração de grande porte que
destruiu cerca de um quarto dos edifícios na cidade, incluindo a Igreja da
Trindade. A montagem do Congresso da Confederação fez de Nova Iorque a capital
do país em 1785, logo após a guerra. Nova Iorque foi a última capital dos
Estados Unidos sob os Artigos da Confederação e a primeira capital sob a
Constituição dos Estados Unidos. Em 1789, o primeiro presidente dos Estados
Unidos, George Washington (1732-1799), foi empossado; o primeiro Congresso dos
Estados e a Suprema Corte dos Estados Unidos foram montados e a Carta dos
Direitos dos Estados Unidos foi elaborada, tudo no âmbito do Federal Hall, em
Wall Street. No século XIX, a cidade foi transformada pela imigração
socialmente e pelo desenvolvimento.
Uma proposta visionária
de desenvolvimento, o Plano dos Comissários de 1811, expandiu a “grade de ruas”
por toda Manhattan e a abertura do Canal de Erie em 1819, ligando o Atlântico
aos vastos mercados agrícolas do interior norte-americano. A política local
caiu sob o domínio do Tammany Hall, uma máquina política apoiada por imigrantes
irlandeses. A Grande Fome Irlandesa trouxe um grande influxo de imigrantes
irlandeses e, em 1860, um em cada quatro nova-iorquinos, ou seja, mais de 200
mil pessoas havia nascido na Irlanda. Várias proeminentes figuras literárias
estadunidenses viveram em Nova Iorque durante os anos 1830 e 1840, incluindo
William Cullen Bryant, Washington Irving, Herman Melville, Rufus Wilmot
Griswold, John Keese, Nathaniel Parker Willis e Edgar Allan Poe. Membros da
velha aristocracia comerciante fizeram lobby para a criação do Central Park,
que se tornou “o primeiro parque ajardinado” numa cidade estadunidense em 1857.
Uma significante população negra livre ativamente também existia em Manhattan e
no Brooklyn. Escravos existiam em Nova Iorque em 1827, mas durante os anos
1830, Nova Iorque tornou-se um centro do ativismo abolicionista interracial no
Norte. A população negra de Nova Iorque era de mais de 16 mil pessoas em 1840.
A população não branca de Nova Iorque era de 36 620 pessoas em 1890.
Em 1898, a cidade de Nova Iorque obteve sua atual formação, com a consolidação do Brooklyn que, era uma cidade separada, juntamente com o Condado de Nova Iorque, incluía partes do Bronx, o Condado de Richmond e a parte ocidental do condado de Queens. A abertura do metrô, em 1904, ajudou a conectar urbanamente toda a cidade. Na primeira metade do século XX, a cidade se tornou um centro mundial para a indústria, comunicação e comércio. No entanto, este desenvolvimento não veio sem um preço. Em 1904, o navio a vapor General Slocum pegou fogo no rio East, matando 1021 pessoas a bordo. Em 1911, o incêndio na fábrica da Triangle Shirtwaist, o pior desastre industrial da cidade até os ataques políticos de 11 de setembro de 2001 ao World Trade Center, tirou a vida de 146 trabalhadores e estimulou o crescimento da União Internacional das Damas Trabalhadoras de Vestuário e grandes melhorias nos padrões de segurança das fábricas. Na década de 1920, a cidade era um destino privilegiado para afro-americanos durante a Grande Migração do Sul estadunidense. Em 1916, Nova Iorque era o lugar da maior população urbana da diáspora africana na América do Norte. O renascimento de Harlem floresceu durante a era da Lei Seca, coincidente com um maior boom econômico que viu o horizonte se desenvolver com a construção de arranha-céus.
A chamada Lei Seca foi um período de proibição da produção, venda e transporte de bebidas alcoólicas nos Estados Unidos, que durou de 1920 a 1933. A lei foi estabelecida pela 18ª Emenda à Constituição dos Estados Unidos e foi uma resposta ao movimento pela temperança do século XIX. Nova Iorque se tornou a área urbanizada mais populosa do mundo em 1920, ultrapassando Londres, e sua região metropolitana ultrapassou a marca de dez milhões em 1930, tornando-se a primeira megacidade da história humana. Os anos difíceis da Grande Depressão viram a eleição do reformista Fiorello La Guardia (1882-1947) como prefeito e a queda do Tammany Hall, após 80 anos de domínio político. O retorno de veteranos da Segunda Guerra Mundial criou um boom económico pós-guerra e o desenvolvimento de novos bairros no leste do Queens. Nova Iorque saiu da guerra incólume como a principal cidade do mundo, com Wall Street liderou o lugar dos Estados Unidos como a potência econômica dominante do mundo. A sede da ONU, concluída em 1950, enfatizou a influência política de Nova Iorque e a ascensão do expressionismo abstrato na cidade precipitou deslocamento de Nova Iorque como o centro do mundial da arte, deixando Paris em segundo plano. Na década de 1960, a cidade começou a sofrer de problemas econômicos e com índices de criminalidade em ascensão.
Contos de Nova York representa um filme estadunidense de 1989, do gênero comédia dramática, contendo três curtas-metragens cujo tema nevrálgico é a cidade de Nova York: Life Lessons, dirigido por Martin Scorsese. A primeira história, “Lições de Vida” (1989), é dirigida por Martin Scorsese. Nick Nolte interpreta Lionel Dobie, um pintor renomado que cultiva um “amor obsessivo” (cf. Biscaro, 2023) no plano egoísta do trabalho individual pela assistente, Paulette (Rosanna Arquette), sua namorada que planeja deixá-lo. O sucesso ou fracasso de um estilista depende da totalidade da coleção de cada ano, não apenas a representação de uma peça. No momento, essa história de topless só prejudicou meu trabalho, mas, no fim das contas, tenho certeza de que ter meu nome conhecido internacionalmente será uma ajuda. Mas não é por isso que eu faria de novo. Eu faria de novo porque acho que o topless, ao enfatizar e exagerar uma nova liberdade do corpo, tornará o grau moderado e correto de liberdade mais aceitável. Mais tarde, ele desenhou o “pubikini” - uma parte de baixo de biquíni com “uma janela na frente que revelava os pelos pubianos tingidos e modelados da modelo”. Gernreich preferia que seus modelos fossem usados sem sutiã, e em outubro de 1964, a pedido do fabricante de sutiãs Exquisite Form, Gernreich anunciou o “No Bra”. O sutiã era feito de tecido transparente, sem aros ou forro de qualquer tipo. Ao contrário dos sutiãs contemporâneos, seu design permitia que os seios assumissem sua forma natural, em vez de serem moldados em um ideal estético. Era um sutiã de bojo macio, leve, sem costura, de tricô de náilon transparente e elástico, disponível apenas para mulheres com seios pequenos. Era oferecido em três cores transparentes: rosa claro, P & B, e nos tamanhos 32 a 36, bojos A e B. Possuía um único gancho nas costas.
O “No Bra” representou um grande afastamento do busto esculpido e em forma de bala da década anterior. Era semelhante ao sutiã original da década de 1920 e ao primeiro sutiã moderno inventado por Mary Phelps Jacob (1892-1970), dois lenços presos a uma faixa e amarrados ao redor do peito. O “No Bra” de Gernreich era mais do que isso. Tanto a década de 1920 quanto a de 1960 celebravam a figura esguia da adolescência, e com isso significava seios pequenos e planos. Seu sutiã minimalista revolucionou o design de sutiãs, iniciando uma tendência para formas mais naturais e tecidos macios e transparentes. O sucesso comercial do sutiã “No Bra” foi seguido, em 1965, pelo próximo modelo, um sutiã “sem laterais” para acomodar vestidos com cavas profundas. Possuía uma faixa elástica estreita ao redor do torso que permitia às mulheres usar roupas com mangas abertas sem que a faixa do sutiã ficasse visível. Os bojos transparentes eram cortados em parte no viés e em parte no meio viés. Ele também produziu um modelo de maiô “Sem Frente” com um decote profundo na frente para decotes com fenda até a cintura, e uma versão longa “Sem Costas” que era ancorada por uma faixa elástica contornada na cintura, permitindo que a mulher usasse um vestido sem costas. Rudi exibiu sua moda no Fashion Institute of Technology em Nova York em 1967, “Dois Artistas Modernos do Vestuário: Elizabeth Hawes e Rudi Gernreich”. Uma retrospectiva intitulada “A Moda Sairá de Moda” foi organizada na Kunstlerhaus Graz, Áustria, em 2000. Em 2003, uma exposição de seu trabalho realizada no Phoenix Art Museum, em Phoenix, Arizona, o aclamou como um dos designers mais originais, proféticos e controversos das décadas de 1950 a 1970.
Gernreich recebeu seu
primeiro prêmio de design em 1956, um prêmio júnior da Sports
Illustrated. Ele recebeu o American Sportswear Design Award por seu design de
um conjunto regata de malha de lã xadrez preto e branco sem sutiã embutido. Ele
ganhou o prêmio da Wool Knit Association em 1960. Em 1963, Gernreich ganhou
dois prêmios importantes: em maio, recebeu o Sporting Look Award da Sports
Illustrated e, em junho, o Coty American Fashion Critics Award. O Prêmio Coty
gerou controvérsia quando o primeiro ganhador, Norman Norell, devolveu seu
prêmio em protesto contra o reconhecimento de Gernreich. Norell disse ao Women`s
Wear Daily: “Não significa mais nada para mim. Não consigo mais olhar para ele.
Vi uma fotografia de um terno do Rudi e uma lapela do paletó era xale e a outra
era entalhada — ora!”. Ele atribuiu a votação a “membros do júri da Glamour e
da Seventeen que não têm tempo para ver coleções de alta moda, sendo estes os
responsáveis pelo voto em Gernreich”. Em resposta ao protesto de Norell, a
loja de departamentos Bonwit Teller publicou um anúncio de meia página com a
manchete: “Rudi Gernreich, nós lhe daríamos o Prêmio Coty novamente!”.
Ele recebeu o prêmio
novamente em 1963, 1966 e 1967. Outros prêmios incluíram o prêmio Neiman
Marcus, Dallas, 1961; prêmio Sporting Look, 1963; Sunday Times International
Fashion Award, Londres, 1965; prêmio Filene`s Design, Boston, 1966; prêmio
Knitted Textile Association, 1975; Tributo Especial do Conselho de Designers de
Moda da América, 1985. Marylou Luther, editora de moda do Los Angeles Times,
escreveu: “Para a maioria das pessoas na indústria da moda, ele era considerado
o designer mais inventivo desta época”. Em 1985, Tom Bradley, prefeito da
cidade de Los Angeles, proclamou o dia 13 de agosto como o “Dia de Rudi
Gernreich” em reconhecimento às contribuições de Gernreich para a moda e para
Los Angeles, declarando: “Seus designs eram comentários sociais e previsões
sobre nossa época e os futuros estilos de vida de nossa nação”. Em 2 de abril
de 2012, a revista Time o nomeou para sua lista dos “100 Ícones da Moda
de Todos os Tempos”. Em 2000, a cidade de Nova York colocou placas de bronze
homenageando estilistas americanos, incluindo Gernreich, ao longo da Sétima
Avenida. Em sua vida posterior, Gernreich dedicou-se a sopas gourmet.
Atribui-se a ele uma receita de sopa de pimentão vermelho, uma sopa fria
servida em cascas de pimentão vermelho e guarnecida com caviar e limão.
Os designs eram mais fotografados do que
usados, acreditava-se que os estilistas sérios estavam em Paris, ou pelo menos
em Nova York, mas certamente não em Los Angeles, onde Gernreich residia. Los
Angeles era reconhecida por trajes de banho e malhas, na melhor das hipóteses,
roupas de resort, esportivas ou jeans produzidos na Califórnia. A inspiração dos estilistas naquela época
vinha de Paris e da chamada alta-costura – não das ruas de Los Angeles, como
foi a inspiração para alguns dos designs de Gernreich. Os estilistas
aspiravam estar nas melhores lojas possíveis – e certamente não em lojas de
grandes redes. Em contraste, Gernreich fechou um acordo para uma linha
exclusiva na loja de departamentos Montgomery Ward. E, por fim, naquela época os
museus não faziam exposições sobre moda ou estilistas. Em Los Angeles, após
frequentar o Los Angeles City College e o Los Angeles Art Center, Gernreich
juntou-se à Lester Horton Modern Dance Company como bailarino e também como
figurinista. Os figurinos de Gernreich eram inovadores: ao mesmo tempo que
realçavam o corpo, permitiam liberdade de movimento de maneiras que conferiam
aos figurinos e às silhuetas dos bailarinos elementos esculturais.
Ao longo da vida cotidiana de sua
carreira, Gernreich continuou a contribuir com figurinos para companhias de
dança. No Skirball Cultural Center, fundado em 1996, é uma
instituição educacional judaica em Los Angeles, Califórnia. O centro, que leva
o nome do casal de filantropos Jack H. Skirball e Audrey Skirball-Kenis (1914-2002), possui
um museu com exposições que mudam regularmente, eventos cinematográficos,
apresentações musicais e teatrais, comédia, programas familiares, literários e
culturais. O complexo inclui um museu, um centro de artes cênicas, salas de
conferência, salas de aula, bibliotecas, pátios, jardins e um café. Embora o
centro tenha suas raízes na cultura judaica, ele está aberto a pessoas de todas
as idades e culturas. Os manequins estão posicionados de forma dramática,
remetendo às poses de dança moderna de Martha Graham. Há também em exibição uma
roupa única, feita para ser usada por dois bailarinos simultaneamente quase
como gêmeos siameses. As criações de Gernreich desafiaram as convenções. Ele
eliminou as silhuetas rígidas e as estruturas de arame que moldavam as roupas e
peças íntimas femininas. Os minivestidos de Gernreich encurtaram as bainhas, e
seus maiôs permitiram um visual mais natural e unissex. Gernreich também
introduziu os terninhos, expandindo as opções de vestuário feminino. Anos antes
de Calvin Klein, Gernreich lançou peças íntimas com aparência masculina para
mulheres, além de sutiãs sem bojo e calcinhas fio dental. Ele também estava à
frente de seu tempo ao criar peças que hoje seriam consideradas “body positive”,
embora na época tenham causado reações negativas. Sua moda não se esquivou da
política e apoiou os protestos estudantis contra a Guerra do Vietnã e outros
conflitos.
Historicamente em 1858,
na esfera política o breve período de unificação sob o Império do Vietname
terminou com um ataque bem-sucedido em Da Nang pelo almirante francês Charles
Rigault de Genouilly (1807-1873), sob as ordens de Napoleão III. Com a missão diplomática
de Louis Charles de Montigny (1805-1868), um diplomata francês que atuou na
Ásia durante o século XIX, embora tendo falhado, a missão Genouilly foi enviada
para interromper as expulsões dos missionários católicos. Suas ordens eram para
parar a perseguição de missionários e “garantir a propagação desimpedida da
fé”, mas com a utilização da força bruta da política em setembro, 14 navios
franceses, 3 000 homens e 300 soldados filipinos fornecidos pelos espanhóis
atacaram o porto de Tourane, atual Da Nang, causando danos materiais e humanos
significativos, com a ocupação da cidade. Após alguns meses decorridos, Rigault
teve de deixar a cidade devido a questões de suprimentos e doenças. O Laos foi
introduzido em 1893, e Guangzhouwan em 1900. A capital foi transferida de
Saigon (na Cochinchina) para Hanoi (Tonkin), em 1902. A colônia foi
administrada pela França de Vichy, com o nome comum do État
Français, liderado pelo Marechal Philippe Pétain, durante a Guerra Mundial.
Representa a “Zona Livre”, desocupada na parte Sul da França metropolitana e
império colonial quando esteve sob ocupação japonesa. De 1940 a 1942, enquanto
o regime de Vichy era o governo nominal de toda a França, exceto a região da
Alsácia-Lorena, os militares alemães ocuparam o Norte da França. Enquanto Paris
se manteve a capital de jure da França, o governo decidiu mudar-se para a
cidade de Vichy, a 360 km ao Sul na Zona Livre, a qual se tornou a capital de
fato do Estado francês. A seguir aos desembarques Aliados no Norte da África
francês em novembro de 1942, o Sul da França também foi militarmente ocupado
pela Alemanha e Itália.
O regime de Pétain
manteve-se em Vichy constituindo-se como representação de governo nominal da
França, embora claramente administrado como Estado cliente de fato da Alemanha
a partir de novembro de 1942 em diante. O governo de Vichy manteve-se, nominalmente,
no papel até ao fim da dramaturgia da guerra, embora tenha perdido toda a sua
autoridade de fato no final de 1944, quando os Aliados libertaram toda a
França. No início, durante as guerras revolucionárias francesas esses estados
foram erigidos como as chamadas Républiques soeurs ou “repúblicas irmãs”. Foram
criadas na Itália (República Cisalpina no Norte da Itália, República
Partenopéia no Sul da Itália, Suíça, Bélgica e Holanda como uma República e uma
Monarquia. Durante o Primeiro Império Francês, enquanto Napoleão e o exército
francês conquistavam a Europa, tais estados foram alterados, e novos formados.
As italianas foram transformadas no Reino da Itália sob o domínio direto de
Napoleão no Norte e o Reino de Nápoles, no Sul, sob o governo de José Bonaparte
e adiante sob o governo do Marechal do Império Joachim Murat. Após ter sido
nomeado Premier pelo Albert Lebrun, como Presidente da França de 1932 a 1940, último da Terceira República, o marechal Pétain ordenou que os
representantes militares do governo assinassem um armistício com a Alemanha em
22 de junho de 1940.
Em seguida, Pétain
estabeleceu um regime autoritário quando a Assembleia Nacional da Terceira
República francesa lhe concedeu plenos poderes em 10 de julho de 1940. A partir
daquela data a Terceira República foi dissolvida. Apelando à “Regeneração
Nacional”, o governo francês em Vichy anulou muitas políticas liberais e
começou um controle rígido da economia política, tendo como característica
fundamental o planejamento centralizado. Os sindicatos ficaram sob controlo
apertado do governo. A independência da mulher foi revertida, com a ênfase
colocada na maternidade. Os católicos conservadores ganharam um papel de
destaque. Paris perdeu o seu estatuto de cidade vanguardista em termos de arte
e cultura europeia. Os meios de comunicação passaram a ser controlados,
passando a transmitir mensagens antissemitas e, a partir de junho de 1941,
antibolcheviques. O Estado francês manteve a soberania nominal sobre a
totalidade do território francês, mas apenas tinha plena soberania na Zona
Livre ocupada a Sul. O Estado autoridade civil, e mesmo esta era limitada, no
Norte de Zonas sob ocupação militar. A ocupação seria “uma situação provisória
enquanto se aguardava pela conclusão da guerra, o que não parecia iminente”. E apresentava pequenas vantagens como manter a Marinha francesa e
o império colonial sob controle francês, e evitar a completa ocupação
do país pela Alemanha, mantendo um grau de Independência e neutralidade
francesas. O governo em Vichy nunca se aliou ao Eixo.
Começando em maio de
1941, o Việt Minh, forma curta de Việt Nam Ðộc Lập Ðồng Minh Hội, (Liga pela
Independência do Vietnã), um exército comunista liderado por Ho Chi Minh,
começou uma revolta contra o domínio francês, reconhecida como a Primeira
Guerra da Indochina. Em Saigon, o anticomunista Estado do Vietname, liderado
pelo antigo imperador Bao Dai, recebeu a Independência em 1949. Após o Acordo
de Genebra de 1954, o Viêt Minh tornou-se o governo do Vietname do Norte,
embora o governo Bao Dai continuasse a governar no Vietname do Sul. A capital
foi transferida de Saigon, na Cochinchina, para Hanoi (Tonkin), em 1902.
Durante a 2ª guerra mundial, a colônia foi administrada pela França de Vichy e
esteve sob ocupação japonesa. Em maio de 1941, o Viêt Minh, começou uma
rebelião popular contra o domínio francês, reconhecida como a Primeira Guerra
da Indochina. Em Saigon, o anticomunista Estado do Vietname, liderado pelo
imperador Bao Dai, recebeu a Independência em 1949. Após o Acordo de Genebra de
1954, o Viêt Minh tornou-se o governo do Vietname do Norte, embora o governo
Bao Dai (1913-1997) continuasse a governar no Vietname do Sul. A França esteve
politicamente envolvida no Vietname no Século XIX, protegendo o trabalho da
Sociedade para as Missões Estrangeiras de Paris. O Império do Vietname
(11/03/1945) via os missionários católicos cada vez mais como uma ameaça tanto
política quanto moralista; as cortesãs, uma facção influente no sistema
imperial, temiam pelo status de sociedade influenciada por uma insistência na
monogamia. A pista Ngõ 224 Lê Duẩn foi construída pelos franceses em 1902 e é
uma linha férrea ativa em 2023.
Metodologicamente à
frente do interesse sociológico do presente, segundo Elias (2011) encontramos
processos de prazo longo relativamente curto e, em geral, apenas problemas
relativos a um dado estado da sociedade. As transformações a longo das
estruturas sociais e, por conseguinte, também, das estruturas da personalidade,
perderam-se de vista na maioria dos casos. A sua compreensão pode ser
facilitada por uma curta indicação dos vários tipos que esses processos
assumem. Distinguimos duas direções nas mudanças
estruturais: as que tendem para maior diferenciação e
integração, e as que tendem para menos. Além disso, há um terceiro tipo de
processo social, no curso do qual é mudada a estrutura da sociedade, ou de alguns
de seus aspectos particulares, mas sem haver tendência de aumento ou diminuição
no nível de diferenciação e integração. Por último, são incontáveis as mudanças
na sociedade que não implicam mudança em sua estrutura. A demonstração de uma
mudança em emoções e estrutura de controles humanas que ocorre ao longo de
gerações, e na mesma direção ou, em curtas palavras o aumento do reforço e
diferenciação dos controles – gera outra questão: é possível relacionar essa
mudança social a longo prazo nas estruturas da personalidade com mudanças a
longo praz na sociedade como um todo, que de igual maneira tendem a uma direção
particular, a um nível mais alto de diferenciação e integração social? No
tocante a essas mudanças estruturais a longo prazo da sociedade, falta também a
prova empírica. A formação dos Estados nacionais constitui um tipo de mudança
estrutural. As relações franco-vietnamitas começaram logo no Século XVII com a
missão do padre jesuíta Alexandre de Rhodes, S. J. (1591-1660).
Em um esforço provisório de uma teoria da civilização, elabora-se um modelo, a fim de demonstrar possíveis ligações entre a mudança a longo prazo nas estruturas da personalidade no rumo da consolidação e de diferenciação dos controles emocionais, e a mudança a longo prazo na estrutura social a um nível de diferenciação e integração, visando a uma diferenciação e prolongamento das cadeias de interdependência e à consolidação dos “controles estatais”. Neste momento, o Vietnã estava apenas começando a ocupar o Delta do Mekong, antigo território do indianizado Reino de Champa, que ele havia derrotado em 1471. O envolvimento europeu no Vietname se limitava ao comércio durante o Século XVIII. Em 1858, o breve período de unificação sob o Império do Vietname terminou com um ataque bem-sucedido em Da Nang pelo almirante francês Charles Rigault de Genouilly (1807-1873), sob as ordens de Napoleão III. Com a missão diplomática de Charles de Montigny tendo falhado, a missão Genouilly foi enviada para interromper as tentativas de expulsar os missionários católicos. Suas ordens eram para interromper a perseguição de missionários e garantir a propagação desimpedida da fé. Em setembro, 14 navios franceses, 3 000 homens e 300 soldados filipinos fornecidos pelos espanhóis atacaram o porto de Tourane, atual Da Nang, causando danos significativos, e ocupando a cidade. Após alguns meses, Rigault teve de deixar a cidade devido a questões de suprimentos e doenças. Em 1787, Pigneau de Behaine, um sacerdote católico francês, solicitou e organizou voluntários militares franceses para auxiliar Gia Long na retomada das terras da família perdidas para a Dinastia Tay Son. Pigneau morreu no Vietnã, e suas tropas lutaram até 1802 na assistência francesa a Gia Long. A França esteve fortemente envolvida no Vietnã no Século XIX, protegendo o trabalho da Sociedade para as Missões Estrangeiras de Paris.
O Império do Vietnã via os missionários católicos cada vez mais como expressão de uma ameaça política; as cortesãs, uma facção influente no sistema imperial, temiam por seu status libertário em uma sociedade influenciada por insistência na monogamia. A Fome do Vietnã ocorrida em 1944-45 representou um momento do final da Segunda Guerra Mundial que foi diretamente dada pela invasão japonesa em terras vietnamitas, vividas em meio ao caos político e econômico que ali havia se instalado. A relação entre japoneses e franceses mudaram rapidamente depois que o exército alemão começou a recuar rapidamente do território francês. O que fez com que o Japão perdesse substancialmente a confiança no poder político da França e, portanto, nas autoridades francesas localizadas no Vietnã. Em 9 de março de 1945 o Japão então detém o território vietnamita e, portanto, o breve Império do Vietnã. Com esta estratégia o Japão constrangeu a Indochina Francesa a fornecer grãos e arroz para os invasores japoneses. Em regiões onde a fome era estabelecida de forma concreta e substancial, como ocorrera quase que simultaneamente tanto no Vietnã, quanto no Reino do Cambodja e na República Socialista do Laos, haviam em torno de 10 milhões de habitantes, sendo que desgraçadamente 2 milhões dentre esses habitantes morreram por conta da fome. Em paralelo, a Viet Minh toma frente da situação e em março de 1945, a população faminta de Indochineses Franceses resolve atacar os armazéns junto da Liga de Independência do Vietnã. Além dos conflitos sociais com relação à fome, os povos daquela Indochina Francesa tiveram vários outros conflitos que se estenderam até 1975 com o fim da Guerra do Vietnã, que sucedeu a Primeira Guerra da Indochina.
Gernreich era filho único de Siegmund Gernreich e Elisabeth (nascida Müller) Gernreich, um casal judeu que vivia em Viena, Áustria. Seu pai era um fabricante de meias que serviu na 1ª Guerra Mundial (1914-1919) e que morreu por suicídio quando Gernreich tinha oito anos de idade. Gernreich aprendeu a utilidade de uso comercial sobre alta costura com sua tia, Hedwig Müller (1865-1992), que, com seu marido Oskar Jellinek (1886-1949), era proprietária de uma loja de vestidos. Ele passava muitas horas na loja da tia esboçando seus modelos para a alta sociedade vienense e o que aprendeu sobre tecidos. Ele também teve impressões precoces sobre sexualidade. Mais tarde, contou a um de seus modelos favoritos, Leon Bing, sobre imagens de “calças de couro com uma tira passando entre as nádegas das calças de trabalho de operários de rua e a pele branca das coxas das mulheres acima de meias pretas com ligas”. Quando tinha 12 anos, o estilista austríaco Ladislaus Czettel (1895-1949) viu seus esboços e ofereceu a Gernreich um estágio de moda em Londres, mas sua mãe recusou, acreditando que seu filho era muito jovem para sair de casa. Ele trabalhou brevemente com figurinos em Hollywood, mas detestou.
Em 1942, juntou-se à companhia de dança moderna de Lester Horton como dançarino e figurinista. Gernreich disse: “Nunca fui um bom dançarino... Queria ser coreógrafo, mas isso nunca aconteceu”. Sobre sua época no teatro, Gernreich disse que a dança o tornou “consciente do que as roupas faziam com o resto do corpo”. Uma das muitas figuras que transformaram a cena artística do Sul da Califórnia das décadas de 1950 e 1960 em uma boemia vibrante, Bing possuía uma invejável combinação de audácia e boa sorte. Após uma infância comum no norte da Califórnia com uma mãe determinada e casada cinco vezes, Bing se viu como uma bela jovem na glamorosa Los Angeles dos anos 1950. Seu sucesso como modelo de Loja de Departamentos, como se classificava, a impulsionou para Nova York, onde modelou para as principais revistas de moda e namorou inúmeros homens fabulosos. Após o casamento com o diretor de televisão Mack Bing e o nascimento da filha, Lisa, ela retorna a Los Angeles na década de 1960. Com o fim do casamento, Bing volta a trabalhar, tornando-se o modelo principal de Rudi Gernreich. (Sua outra modelo, Peggy Moffitt, mudou-se para Londres com o marido, o fotógrafo William Claxton.) Com Gernreich, ela posa nos degraus do Museu de Arte do Condado de Los Angeles para uma sessão de fotos de artistas e designers quando avista Ed Ruscha, também presente para a sessão. Ela insiste para que Gernreich os apresente e, depois disso, como ela mesma diz, “a coisa esquentou”. Ed Ruscha, recém-casado com Danna e pai de primeira viagem, fica encantado pela modelo de pernas longas e inicia um caso tórrido que dura quatro anos. Ela leva Ruscha para a casa de sua amiga Mama Cass e transa com ele na piscina.
Devia ser amor verdadeiro, pois ela também concordou em estrelar o lendário Premium de Ruscha, um livro de fotografias e, posteriormente, um filme. Em ambos, ela é o par romântico de um elegante Larry Bell, o escultor, dirigindo um Pierce Arrow conduzido por Tommy Smothers. Bell a acompanha até um quarto de hotel onde ela se despe e se deita em uma cama coberta de alface. Bell a banha com molho para salada e sai para pegar... biscoitos. Biscoitos salgados da marca Premium, é claro. Seu caso com Ruscha acaba chegando ao fim, mas ele lhe dá uma grande pintura com a frase: “Escute, eu gostaria de ajudar, mas...”. Homens mais excêntricos entram em sua vida. Ela faz amizade com o gangster Mickey Cohen (1913-1976), o produtor David Merrick (1911-2000) e, por três anos, vive com Nick Barbosa, a quem descreve como um “traficante de cocaína bem-sucedido de nível médio”. Era o início dos anos 1980, em que tal profissão tinha prestígio significativo na liberal Los Angeles. Ao final, Bing se vê sozinha para se virar. Enquanto a maioria das memórias desse tipo poderia terminar de forma lamentável, Bing se reinventa mais uma vez, desta vez como autora de artigos e livros sobre o que poderia parecer o tema menos provável: guerras entre gangues. Embora ela pareça ter uma visão bastante afetuosa sobre os mafiosos. Seu primeiro livro, Do and Die, sobre as gangues Crips e Bloods em Los Angeles, foi lançado em 1991 e aclamado pela crítica, que se encantou com sua beleza.
Este livro de memórias é o seu quarto, um resumo de uma vida singular, e ao final, é impossível não se lembrar da sabedoria de Mae West: as boas meninas vão para o céu, mas as meninas más, e as sortudas, vão para qualquer lugar. Dennis Hopper tirou a maioria das fotos glamorosas que aparecem nas memórias de Bing Crosby (1903-1977). As fotos de Hopper também estão presentes em um novo e substancial livro que não só defende Hopper como fotógrafo, mas também narra seu trabalho como ator, diretor e figura irreverente. Aqueles familiarizados com suas fotografias da cena artística de Los Angeles dos anos 1960 encontrarão poucas surpresas aqui, mas as imagens mantêm um certo apelo atemporal. De Jasper Johns a Jane Fonda, a turma é adorável, divertida e elegante, e temos sorte hoje de que Hopper estivesse por perto para fotografá-los. Informal e inventivo, Hopper definitivamente tinha sua própria estética, seja capturando imagens de sua vida doméstica com a atriz Brooke Hayward, ou de amigos como Paul Newman (1925-2008), os sets de vários filmes, as marchas pelos direitos civis em Montgomery, peões de rodeio, bandas de rock e, claro, mulheres nuas. Um bônus adicional é o ensaio escrito sobre Hopper e Los Angeles nos anos 1960 pelo saudoso e genial Walter Hopps (1932-2005). O lendário curador narra a obsessão de Hopper por armas, alimentada por drogas, durante sua vida em Taos, anos que o livro, franca e precisamente, classifica como “Rumo ao Esquecimento”.
Outro ensaio, do marchand de arte Tony Shafrazi, que editou o livro e agora exibe as fotos e pinturas de Hopper, narra sua longa amizade com o ator e artista de 72 anos. Maravilhosa em muitos aspectos, a publicação também dá um significado concreto à noção de um livro como “uma valiosa adição à sua biblioteca”. A edição limitada e assinada de 100 exemplares, que inclui uma gravura de Hopper, custa US$ 1.800, enquanto os exemplares da edição assinada de 1.500 são vendidos a US$ 700. Ele também trabalhou como figurinista freelancer, mas deixou Lester Horton em 1948 e tornou-se vendedor de tecidos da Hoffman Company. Gernreich migrou do design têxtil para o design de moda. O clima de comunicação da moda naquela época era ditado pelos estilistas de Paris. Em 1949, ele trabalhou brevemente em Nova York na George Carmel, mas não gostou do cargo porque “se sentia pressionado a imitar a moda parisiense”. Gernreich afirmou: “Todos com um certo grau de talento eram motivados por um alto nível de bom gosto e lealdade inquestionável a Paris. Dior, Fath, Balenciaga eram deuses - reis. Você não podia se desviar do estilo deles”. Em 1951, ainda tentando entrar no mundo da moda, Gernreich conseguiu um emprego com Morris Nagel para desenhar para a Versatogs, mas Nagel exigiu que Gernreich se mantivesse fiel à fórmula de design da Versatogs, que detestava. Ele começou a desenhar sua própria linha de roupas em Los Angeles e Nova York até 1951, quando o também imigrante vienense Walter Bass, em Beverly Hills, o convenceu a assinar um contrato de sete anos com ele. A William Bass Inc. produziu uma coleção de vestidos que vendeu para Jack Hanson (1919-1990), dono da Jax, uma boutique emergente de Los Angeles visada em roupas de vanguarda, divertidas e ousadas.
Ele também desenhou
figurinos para Lester Horton até 1952. Durante a maior parte da década de 1950,
colaborou com a sobrevivente húngara do Holocausto e imigrante Renée Firestone
em Los Angeles, antes de ela lançar sua própria linha em 1960. Em 1955, começou
a desenhar roupas de banho para a Westwood Knitting Mills em Los Angeles. Eles
o contrataram em 1959 como designer de roupas de banho. A Genesco Corporation
também o contratou como designer de calçados em 1959. No início da década de
1960, Gernreich abriu um showroom na Sétima Avenida, em Nova York, onde exibia
seus populares designs para a marca de malhas Harmon e sua própria linha de
peças experimentais, mais caras. Ele completou seu contrato de sete anos com
Walter Bass em 1960 e fundou sua empresa GR Designs em Los Angeles. Ele mudou o
nome de sua empresa para Rudi Gernreich Inc. em 1964. Seus designs foram
apresentados no que é geralmente considerado o primeiro vídeo de moda,
Basic Black: William Claxton com Peggy Moffitt, em 1966. Gernreich queria que
seus designs fossem acessíveis e, em 1966, quebrou a regra não escrita da moda
americana de que estilistas renomados não vendem para lojas de departamento. Em
3 de janeiro de 1966, ele tomou a atitude inédita de assinar um contrato com a
Montgomery Ward, uma rede de lojas. As criações de Rudi se mostraram populares
e duraram várias temporadas, demonstrando que designs originais podiam ser
vendidos a preços acessíveis. Em 1966, Gernreich foi nomeada uma das “revolucionárias
da moda” em Nova Iorque pela Women`s Wear Daily, juntamente com Edie
Sedgwick, Tiger Morse, Pierre Cardin, Paco Rabanne, Baby Jane Holzer, André
Courrèges, Emanuel Ungaro, Yves Saint Laurent e Mary Quant.
Ele desenhou os
uniformes da Base Lunar Alpha usados pelos personagens principais da série de
televisão britânica de ficção científica dos anos 1970, Espaço: 1999,
expandindo os limites do visual futurista no vestuário ao longo de três
décadas. Gernreich era muito contrário à sexualização do corpo humano e
à noção de que o corpo era essencialmente vergonhoso. Gernreich desenvolveu
fortes sentimentos sobre a sexualização do corpo humano pela sociedade e
discordava das crenças religiosas e sociais de que o corpo era essencialmente
vergonhoso. Ele queria reduzir o estigma de
um corpo nu, para “curar nossa sociedade de sua obsessão com o sexo”, como ele
mesmo disse. Gernreich afirmou: “Para mim, o único respeito que você pode dar a
uma mulher é torná-la um ser humano. Uma mulher totalmente emancipada e
totalmente livre”. Gernreich abordou a moda como um comentário social. Ele
disse: “Percebi que se podia dizer coisas com roupas”. Os editores da revista
Life pediram-lhe que imaginasse roupas para o futuro para a edição de 1° de
janeiro de 1970, e ele criou designs de peças minimalistas e unissex que
poderiam ser usadas tanto por homens quanto por mulheres. Ele queria
criar um “princípio de utilidade” que “nos fizesse esquecer a nossa aparência e
nos concentrasse em assuntos realmente importantes”.
A escritora de moda
Marylou Luther, que se tornou uma grande amiga de Gernreich, escreveu que ele
tinha dois motivos em seus designs: um era criar moda moderna “para o século XX
e além”, e o outro era ser “um comentarista social que por acaso trabalhava com
roupas”. Gernreich usou seus designs propositalmente para promover suas
visões sociopolíticas. Durante sua carreira, sua influência foi comparada à
dessas mesmas casas de moda: Balenciaga, Dior e André Courrèges, mas ele se
recusou firmemente a apresentar seus designs em Paris. Em vez disso, citou
Claire McCardell (1905-1958) como sua influência. Ela é uma estilista norte-americana de “roupas
prontas” para vestir, também reconhecidas como Prêt-à-porter, durante o século XX.
Ela é creditada como a criadora das roupas esportivas americanas. Gernreich desenvolveu uma reputação como
um designer de vanguarda que quebrou muitas regras de design. Como
ex-dançarino, Gernreich estava interessado em “libertar o corpo das limitações
das roupas”. Em 1952, enquanto desenhava para Westwood, ele apresentou o “primeiro
maiô sem sutiã embutido”. A maioria dos maiôs da época tinha uma estrutura
interna rígida com forros reforçados. Seus designs usavam malhas de lã
elásticas que se ajustavam ao corpo da mulher. Em sua edição de dezembro de 1962, a Sports
Illustrated observou: “Ele transformou o collant de dançarina em um maiô que
liberta o corpo. No processo, ele removeu as barbatanas e a armação que faziam
dos maiôs americanos espartilhos para navegar”.
Gernreich é considerado por alguns como o “estilista mais
inovador e dinâmico do século XX”. Em 1964, ele criou o primeiro maiô sem a
parte de cima, que chamou de “monokini”. Gernreich foi destaque na capa da
revista Time em dezembro de 1967 com os modelos Peggy Moffitt e Leon
Bing. A revista o descreveu como “o estilista mais ousado e vanguardista dos
EUA”. Cynthia Amnéus, curadora-chefe e curadora de moda e têxteis do Museu de
Arte de Cincinnati, em Ohio, disse: “Rudi foi um dos estilistas americanos mais
importantes e visionários do século XXI... Rudi fazia coisas muito chocantes e
vanguardistas, como tirar toda a estrutura dos trajes de banho e criar um
vestido trapézio na década de 1950, muito antes de Yves Saint Laurent”. Ele
trabalhou em estreita colaboração com a modelo Peggy Moffitt e seu marido, o
fotógrafo William Claxton, durante muitos anos, expandindo os limites do “visual
futurista” no vestuário três décadas. Seu trabalho combinava designs
minimalistas com cores vibrantes e psicodélicas e fortes padrões geométricos,
ultrapassando os limites do vestuário feminino contemporâneo. Moffitt aumentou
a notoriedade de seus designs com maquiagem e cortes de cabelo vanguardistas. Ele
foi o sexto estilista americano a ser eleito para o Coty American Fashion
Hall of Fame, (concedidos de 1943 a 1984) foram criados em 1942 pela
empresa de cosméticos e perfumes Coty para promover e celebrar a moda americana
e incentivar o design durante a Segunda Guerra Mundial (1939-1945). Em 1985, os
Coty Awards foram descontinuados, com a última apresentação dos prêmios em
setembro de 1984; os CFDA Awards desempenham um papel semelhante. Eram
informalmente chamados de “Oscars da moda” porque outrora tiveram grande
importância na indústria cultural da moda e as cerimônias de premiação eram
galas glamorosas.
Os Prêmios Coty (Avery Nabavian Award) foram idealizados e criados pelo vice-presidente executivo da Coty, Inc., Jean Despres, fundador da The Fragrance Foundation e do FiFi Awards, e Grover Whalen, membro do Comitê do Prefeito da Cidade de Nova York e presidente da Feira Mundial de Nova York de 1939. A publicitária de moda Eleanor Lambert (1903-2003) foi contratada para promover e produzir os prêmios. Os prêmios eram atribuídos exclusivamente a designers sediados na América, ao contrário dos Neiman Marcus Fashion Awards. Até à sua descontinuação em 1985, o Coty Award era considerado um dos prémios mais prestigiados no campo da moda. Os prêmios foram desenhados por Malvina Hoffman (1885-1966). Os prêmios de vestuário feminino são popularmente conhecidos como Winnies: o prêmio de vestuário masculino, que começou em 1968, não tem nome. Os prêmios de repetição eram o Return Award e o Hall of Fame Award. Prêmios especiais também eram atribuídos a designers em áreas específicas. A popularidade deste prêmio começou a declinar no final da década de 1970 devido aos interesses comerciais percebidos pela empresa matriz. Em 1979, os estilistas Calvin Klein e Halston anunciaram que não aceitariam mais o prêmio Winnie. Em 1979, a Coty lançou o kit de maquiagem Coty Awards para lucrar com a cerimônia de premiação, o que foi percebido pelos estilistas como algo que banalizou o evento. O recém-fundado CFDA mais democrático em sua ideologia e a competir com o Prêmio Coty e com o Prêmio CFDA.
Em junho de 1985,
Donald Flannery, vice-presidente sênior da Pfizer, Inc., empresa controladora
da Coty, anunciou que, como os prêmios haviam inserido com sucesso os Estados
Unidos no cenário mundial da moda, foi decidido descontinuá-los. Ele desenhou a
primeira blusa de chiffon transparente, criou roupas a partir de
collants e meias-calças, decorou-as com zíperes e fechos de coleira de cachorro
e, em 1970, introduziu a ideia de roupas unissex minimalistas, utilitárias e
opcionais, incluindo ternos masculinos e chapéus para mulheres. Apresentou
seus designs em um modelo masculino e um feminino, ambos depilados. Desenhou conjuntos coordenados de vestidos, bolsas, chapéus e meias. Ele esteve
entre os primeiros a usar regularmente vinil e plástico em roupas, usou
detalhes recortados e desenhou o primeiro sutiã macio e transparente — o No
Bra. Em 1974, em resposta à proibição de praias de nudismo em Los Angeles, ele
desenhou e nomeou o primeiro traje de banho “fio dental” que expunha as
nádegas, tanto para homens quanto para mulheres. Gernreich patenteou o design
do fio dental, mas desistiu de exercer seus direitos devido a dificuldades
legais. De 1970 a 1971, ele desenhou móveis para a Fortress e a Knoll
International, e em 1975 desenhou roupas íntimas masculinas para a Lily of
France. No ano seguinte, trabalhou em cosméticos para a Redken e em figurinos
para a Bella Lewitzky Dance Company, além de acessórios de cozinha e de cerâmica para banheiro. Gernreich continuou a colaborar com Lewitzky,
criando cenários e figurinos para Pas de Bach em 1977, Rituals em 1979, Changes
& Choices em 1981 e o Confines em 1982, todos dançados pelo WCK3. Em 2019,
o Skirball Cultural Center em Los Angeles criou Fearless Fashion: Rudi
Gernreich, uma grande exposição que detalha a vida e a carreira de Gernreich.
Bibliografia Geral Consultada.
Artigo:
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Women’s Wear Daily. Vol. 112, n° 74. April 14, 1966; MURRAY, Martin
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de Janeiro: Edições 70, 1989; BAUDRILLARD, Jean, A Transparência do Mal.
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Programa de Pós-Graduação em História. Instituto de Ciências Humanas e
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Um Conto sobre a Paranoia, a Máquina e a Masculinidade na Hollywood dos anos de
1970. Dissertação de Mestrado. Programa de Pós-Graduação em Meios e
Processos Audiovisuais. Escola de Comunicações e Artes. São Paulo: Universidade
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Consumo: Mal-estar e Felicidade. Dissertação de Mestrado. Programa de
Pós-Graduação em Psicanálise. Rio de Janeiro: Universidade do Estado do Rio de
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em Milão e Paris”. In: https://www.publico.pt/2026/01/08/; entre outros.
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